cinégamo

Spider-Man 3

2007-05-11T09:49:00.000-07:00

El hombre araña 3

* * * * *
Antes que nada, es preciso rescatar el buen grado de entretenimiento que propone esta cinta. Y no es para menos. La dos horas y media de metraje de “El hombre araña 3” se pasan volando cuando uno se deja atrapar en las “telarañas” de la acción constante, la espectacular composición de secuencias de lucha y, por supuesto, los efectos especiales. Ello, sumado al fanatismo que mucha gente tiene por el superhéroe, cosnstituiría el porqué del rotundo éxito de taquilla que consiguió el filme en el mundo.
Por otro lado, también estimo preciso señalar que en “El hombre araña 3” se aprecia una agilidad narrativa que nunca había aparecido en el resto de la trilogía fílmica del superhéroe. Así, y aún reconociendo que esta característica permite que la cinta se perciba fluida en todo momento, no la contemplo como un punto del todo positivo. Y es que resulta excesivo narrar en una sola película la historia de El Hombre-Araña y el disfraz negro junto a la trama de Sandman, la venganza de Harry Osborn, el compromiso con Mary Jane, el surgimiento de Venom y la rivalidad entre Eddie Brock y Peter Parker. “El hombre araña 3” descuida y aligera demasiado algunos contenidos narrativos. Éste es el caso de la subtrama de Venom, personaje que, en el film, coexiste tan sólo unos superficiales 10 minutos, mientras que en el cómic origina toda una saga de publicaciones.
De la misma forma, también ha quedado un tanto descuidada la historia del disfraz negro. Y es que, no llegan a explotarse ante el público todos los conflictos internos que podría padecer Peter Parker al ser poseído por el ente maligno. Ahora, es verdad que se puede apreciar al protagonista haciendo algunas cosas raras como caminar chistoso por las calles y bailar muy bien. Sin embargo, no se le entiende exactamente como un villano. Por ello suena un poco raro que Mary Jane le pregunte “¿quién eres?”, en alusión a su “explícita” maldad. “¿En qué te has convertido?” Dado que no encuentro otro cambio, yo respondería: en un sujeto que se peina con cerquillo y que se delinea los ojos.
Con todo, y aunque es insertada de una forma un tanto forzosa, no puedo hablar de superficialidad en la trama de Sandman, el hombre de arena. La suya me parece la historia más profunda de todas. Argumentaré con la narración de su origen: luego de quedar atrapado en un campo de experimentos radioactivos, el villano Flint Marko es desintegrado por una extraña máquina que trabaja con arena. Cuando el proceso acaba, Flint se da con que tiene la opción de regenerarse nuevamente en una especie de monstruo de arena. Accede a ello reconstruyendo su cuerpo con extremidades que se asemejan a las de una bestia. Sin embargo, como éstas no le sirven para recoger un dije que porta el retrato de su hija, decide cambiar y pulir sus rasgos “bestiales” hasta que se transforman nuevamente en los de una persona. La simbología queda hecha: Sandman se hace humano gracias al amor.

Otra concepción

Trataré de recordar esto en cuanto me sea posible: el gado de entretenimiento que propone “El hombre araña 3” puede salvar al filme ante algunos de sus defectos. Sin embargo, no por ello me desentenderé de mi labor, ya que escribo una crítica y, precisamente, la razón de ser de este género está en la argumentación separada de defectos y virtudes presentes en una obra, mediante un juicio personal de cara al lector. Así, pues, no se evitará comentar que el principal defecto de “El hombre araña 3” son las excesivas secuencias de humor.
Tengo que admitir que la comicidad de los anteriores filmes del superhéroe me sorprendió gratamente. Sin embargo, en esta ocasión, las secuencias de humor me han parecido excesivas. Han escapado de las manos del director Sam Raimi (el mismo de toda la saga) y, a causa de ello, “El hombre araña 3” ha perdido mucha seriedad en las partes que necesitaban mesura: las oscuras.

Ahora, en el plano actoral, diré que Tobey Maguire y Kirsten Dunst, como pareja protagonista, cada vez convencen menos; sobre todo Maguire, que en esta ocasión no supo hacer de malo. Por el contrario, gustaron James Franco, como Harry Osborn y Thomas Haden Church, como Sandman. Ellos, aunque tuvieron roles similares al de Maguire, salieron mejor parados puesto que entendieron que su papel no era para una película infantil, como sí parece haber ocurrido con Maguire.
Para resumir, me gustaría calificar a “El hombre araña 3” como “una película de malos”. Con ello daría cuenta de dos cosas: primero, que se trata de un metraje de villanos; segundo, que es una cinta en la que muchos agentes actúan de forma incorrecta. Inconsistencia para mostrar maldad. No obstante, aún debo recordar, como lo propuse, que el gado de entretenimiento que propone esta cinta podría bastar para pasar por alto algunos defectos del filme. Usted juzgará cuáles.

Josué Aguirre Alvarado

Transamerica

2007-05-09T12:50:00.000-07:00

TRANSAMÉRICA

* * * * *
Resulta atractiva la doble intencionalidad que propone el título. Por un lado, el rótulo utiliza el prefijo “trans” para significar un desplazamiento; un viaje por América. Y esto nos advierte que estamos ante un “Road movie”. Sin embargo, esta ambigüedad también propone a “trans” como una apócope de “transexualidad”, un estilo de vida enmarcado dentro de la cultura estadounidense. De ahí “Transamérica”.
Ahora, con todo lo dicho sobre el título y su correcto doblaje, opino que éste no termina advertir la particularidad de la cinta. Y es que, por las descripciones, uno puede hacerse la idea de que va a presenciar un filme parecido a “Boys Don’t Cry” u otro metraje dramático que aproveche el tema las desviaciones sexuales para exhibirse de manera cruda y refugiarse en calificativos como “realista”. Pues no. “Transamérica” no es ese tipo de película.
Ocurre que, si bien los principales componentes de “Transamérica” son el drama y las carreteras, también acompaña una hábil mezcla de comedia. Hablamos de un humor que no tiene comparación al de otras cintas similares. Así, no estamos ante los burdos gags de “Reinas o reyes”, sino que nos empapamos de una comicidad ácida que no se centra nunca en el/la protagonista. No es, por tanto, un humor que hace burla de una desviación sexual. Todo lo contrario: la cinta parodia a las personas “normales” por medio de un guión lleno de sorpresas y giros narrativos que crean situaciones realmente jocosas. El efecto es tal que me atrevería a decir, con disculpas a Duncan Tucker, el director, que estamos ante una cinta rodada desde la perspectiva de un transexual. Quizá a ello se deba la inserción algunas secuencias cómicas muy subidas de tono que, para algunos puritanos, podrían catalogarse como escandalosas. No obstante, yo recomiendo que éstas sean tomadas como parte del estilo del filme.
Por último, y dado que ésta es una película de actores, vale comentar que la actriz Felicity Huffman, que interpreta al transexual de esta película, por este papel fue nominada al Oscar en 2006. Fue una lástima que no haya ganado (o que la academia haya considerado mejor a Reese Witherspoon). Y es que no cualquiera puede actuar como alguien que finge. Porque, asumido que no es fácil actuar, hacer de hombre que quiere ser mujer, siendo mujer, es una intro-actuación que no se ve en todos los siglos.

Josué Aguirre Alvarado

The wicker man

2007-05-09T12:41:00.000-07:00

Culto siniestro

* * * * *
A Nicolas Cage se le ha visto en todos los papeles habidos y por haber; desde los dramáticos (“Leaving Las Vegas”) hasta los cómicos (“Hombre de familia”); desde los de acción (“Con Air”) hasta los de superhéroe de cómic (“El vengador fantasma”). De esa manera, en esta oportunidad le tocó actuar en una película de Terror. Diversidad. Sin embargo, eso no siempre significa calidad. Y es que Cage, a sus 43 años, y teniendo contactos envidiables como su tío Francis Ford Coppola, se ha enredado en una atractiva serie de películas como “El señor de la guerra”, “Las torres gemelas” o la misma “Leaving Las Vegas” que le han otorgado grandes oportunidades de realizarse como actor, de tallar ese palo que tiene de cara o, como se dice en el argot actoral, de romperse una pierna. En definitiva: pudo ser un buen intérprete. Sin embargo, el actor, sólo consigue, en algunos casos, caer simpático. “Culto siniestro” es uno de ellos.
En “Culto Siniestro” Nicolas Cage interpreta a un detective dentro de una misteriosa aldea. Lo hace de manera cumplidora. No obstante, eso basta, al menos, para las pretensiones del director estadounidense Neil LaBute: realizar una buena adaptación del clásico de terror “Wicker Man”, de 1973. ¿Lo consigue? Quienes han visto la cinta original (no es mi caso) opinan que el remake de LaBute es intrascendente, innecesario y que no aporta nada a la obra original. Sin embargo, yo creo que el director se ha esforzado en crear una buena atmósfera de suspenso, que ha manejado bien un terror que se aleja de los golpes de sonido y que ha reproducido bien algunos atractivos elementos kubrickianos. Ahora, es cierto que LaBute (que también escribe) se enreda en huachaferías tales como mostrar continuamente la imagen de una niña que es aplastada por un trailer incluso dentro de un barco. No obstante, el realizador también es el responsable de una serie de simbolismos que no aparecen en la cinta original y que me han parecido bien puestos como el caso de las abejas que representan una supremacía de lo femenino dentro de la isla donde se desarrollan las acciones.
En resumen, diré que “Culto siniestro” no merece el galardón cinematográfico canadiense (CSC) que ganó; pero tampoco las nominaciones a los 5 premios Razzie (a lo peor del 2006).

Josué Aguirre Alvarado

The last king of Scotland

2007-04-26T07:40:00.000-07:00

El último rey de Escocia

* * * * *
Si yo no hubiese visto tantas cintas con los mismos planteamientos, “El último rey de Escocia” me habría parecido una buena producción. Lamentablemente, lo cierto es que después de “El jardinero fiel”, “Syriana” o “El señor de la guerra”; la trama del hombre blanco que se encuentra atrapado en el África a merced de un gobernante corrupto, no reservaba ninguna sorpresa para mí. De ese modo, la historia de “El último rey de Escocia” la percibí desgastada, con pocas novedades y argumentos poco filudos.
Todo esto me da un poco de lástima, porque reconozco que Kevin Macdonald, realizador del filme, es un director serio que ha hecho películas bien recibidas como “Un día de septiembre” (sobre los atentados en las Olimpiadas de Munich). De la misma manera, mi sentencia me llena de pena, debido la prolija actuación de Forest Whitaker, que caracteriza al excéntrico tirano ugandés Idi Amin. Y es que el trabajo del actor norteamericano me pareció bueno, sin embargo, no al punto de constituir un salvamento para que esta cinta no caiga en el cliché o en la prisión de las acciones irrelevantes. Creo que ahí se halla el principal problema del filme: “El último rey de Escocia” se enreda en cuestiones inútiles que alargan el metraje hasta lo innecesario. Me refiero pequeñas historias como un supuesto romance entre el protagonista y la esposa del medico de una aldea; pajaritos que se quedan en el aire.
Como puntos positivos podría comentar que la película no se vale de secuencias de acción (disparos o explosiones) para crear momentos de tensión; lo cual es todo un logro considerando que la historia se desarrolla en un contexto de guerra civil. Así, el director hábilmente deriva la tensión hacia los diálogos y a la rauda sucesión de hechos que, quiéralo o no, por momentos se aprecia algo inverosímil. Otra cosa interesante, aunque secundaria, es la excelente ambientación en la década de 1970. Esto se aprecia en el vestuario, los decorados, la arquitectura y otros.
Sólo por ello y quizá por la actuación de Whitaker podría recomendar “El último rey de Escocia”. Sin embargo, lo haría siempre con la certeza de que de esperaba más de una cinta del cine no comercial.

Josué Aguirre Alvarado

Epic movie

2007-04-26T07:30:00.000-07:00

Una loca película épica

* * * * *
Dado que vivimos en una época dominada por las series paródicas “Los Simpsons” y “South Park”, no es raro que el cine de producción haya puesto en práctica las mismas técnicas que estos programas televisivos; sobre todo, cuando aquéllos proponen engancharse de películas hartamente taquilleras para colgarse de sus ventas. Hablamos casi siempre de un éxito garantizado. Tal es el caso de la célebre saga de “Scary Movie”, que ya contiene cuatro cintas y una quinta en proyecto.
Personalmente tengo que admitir que me gusta un tanto la idea de que los productores norteamericanos se burlen de los géneros más potentes de su cinematografía. Esto me parece bien siempre y cuando lo hagan con algo de estilo y humor. Por esa razón, contrario a algunas entregas de “las comedias de miedo” (sí, admito que las he gozado), ahora tengo que ponerme negativo: “Una loca película épica” no tiene ni lo uno ni lo otro. Aquí mi argumentación:
Primero: “Una loca película épica” no tiene estilo. La cinta repite sin ninguna gracia toda la parafernalia paródica de las consabidas “No es otra tonta película americana”, “No es otra película de amor” y, por supuesto, “Scary Movie”. Las fórmulas están muy manoseadas. Las actuaciones y los diálogos son demasiado predecibles. Para colmo, la historia es básicamente una versión cómica de “Las crónicas de Narnia: El león la bruja y el ropero” a la que se le ha adherido, a manera de un frankenstein, varios fragmentos de distintos filmes aparentemente épicos. ¡Ojo!, digo “aparentemente”, porque hay películas parodiadas como “Charlie y la fábrica de chocolate” o “Borat” que no pueden ser catalogadas dentro del género. Francamente temo pensar que los productores (no vale la pena hablar de directores aquí) piensen que sí. ¿En donde estaríamos?
Segundo: “Una loca película épica” no tiene humor. La mayoría de las secuencias cómicas del filme o gags han sido quemados previamente en anteriores películas del mismo estilo. Y los restantes se resumen en el insípido humor del tropezón o la cachetada. No exagero. Soy objetivo: cuando vi la película, a sala llena, en toda la hora y media del que dura el metraje tan sólo se escuchó un par de risitas y éstas (podría asegurar) se dieron en una secuencia en la que se parodia a Harry Potter y sus amigos. Creo que ésa fue la parte mejor lograda y más creativa del filme. Lástima que haya durado un par de minutos.

Josué Aguirre Alvarado

Meet the Robinsons

2007-04-22T09:33:00.000-07:00

La familia del futuro

* * *
Este es uno de los poquísimos casos en los que el doblaje ha impuesto un mejor título que el que propone el inglés original. Así tenemos “La familia del futuro”, rótulo que habla mucho mejor de lo que encuentra el niño protagonista en su viaje al futuro: una familia jocosamente misteriosa que va a extender ciertas conexiones con el pasado del muchacho. No es preciso, por tanto “Meet the robinsons” (“Conociendo a los Robinson”), un título que señala únicamente la situación accesoria de conocer a una familia por el mero hecho de ser disparatada (que a parte suena burdamente a “Conociendo a los Fockers”) y dejando de lado el misterio que lleva al personaje central a encontrarse con ese grupo de personas.
Creo, entonces, que el título latinoamericano le hace más honor al filme, una película inteligente, con un guión brillante, aunque con algunos problemas de nivel técnico; cuestiones por las que tengo que soltar la pregunta: ¿qué le pasa a Disney en el terreno 3D? ¿Por qué siempre queda tan mal frente a los trabajos de PIXAR? Hay que comentar que los gráficos de las películas animadas por computadora que realiza por su cuenta Disney son de tan baja calidad que nos hacen dudar si es que aún estamos frente a la misma productora que en 1937 iba a la vanguardia de la técnica al entrenar el primer largometraje de animación en colores; un hito que implantó el estándar de calidad de 24 fotogramas por segundo (que se mantiene hasta hoy): “Blanca nieves y los siete enanos”.
“La familia del futuro”, lamentablemente, no escapa a la mediocridad gráfica actual que bien se desplegó en la nefasta “Chicken Little”. Sin embargo, debo decir a favor de la nueva producción de Disney, y vaya que sí, que “La familia del futuro” pesa más por su historia; sobre todo, por la segunda mitad de la narración. Y es que resulta que la primera fracción del filme es un tanto tópica en comparación a la sorpresiva, bien estructurada y delirante segunda parte, donde los personajes comienzan a brillar tras revelar sus verdaderas identidades.
Como dato adicional debo mencionar que la exhibición de “La familia del futuro” viene precedida de “Constructores de bote”, un clásico cortometraje de 1938 de Mickey Mouse, el pato Donald y Goofy. Viene proyectado en el tradicional formato de la época: pantalla cuadrada.

Josué Aguirre Alvarado

Mr. Bean’s Holyday

2007-04-22T09:17:00.000-07:00

Las vacaciones de Mr. Bean

* * *
La película sólo tiene valor gracias al personaje de Mr. Bean. Y es que ocurre que la trama por sí sola es muy poco hilarante. Quizá se puedan encontrar ciertas similitudes con “El verano de Kikujiro”, de Takeshi Kitano pero, con todo, el guión de “Las vacaciones de Mr. Bean” tiene mucho menos brío y dista en calidad narrativa de la anterior aventura cinematográfica del personaje de Rowan Atkinson. Me refiero a “Bean: la película”.
No obstante, desde aquella cinta se realizaron algunos cambios: el primero de ellos fue reducir el número de personajes y el segundo hacer hablar menos a Mr. Bean (para que el filme refleje mejor el estilo de los cortos televisivos). Yo no sé si esto resultará mejor o peor. Lo cierto es que, aunque se molesten los fanáticos del actor inglés, tengo que confesar que me he reído igualmente con ambas películas, aunque las reconozco como comedias distintas. Así, creo que en el recién estrenado filme se nota más el humor británico que en la cinta de 1997.
Nuevamente. Ya he dicho que la historia de “Las vacaciones de Mr. Bean” no genera demasiado interés. Por ello, si uno va y no gusta del humor de Atkinson, podría comentar con justa razón que la trama del filme es una larga excusa para que el actor se luzca con sus monerías. Sin embargo, yo agregaría: lo mismo habrían dicho del gran Charles Chaplin en su época (salvando que la leyenda del cine mudo era un brillante director, compositor y guionista; mientras que Atkinson no). Asimismo, consideraría que algunos de los gags parecen haber sido reciclados de los antiguos cortos televisivos de Mr. Bean, lo cual denota cierta falta de creatividad.
Detalle a comentar: Mr. Bean, en esta aventura, abandona su antigua cámara polaroid en favor de una moderna filmadora handycam. Quizá esto indique que los años no pasan en vano para Bean, que se va modernizando; pero, con más seguridad, que ahora está más presto a lo audiovisual. Y, así, en lo que va de este año, ya hemos visto a Atkinson por partida doble en “Sálvese quien pueda” y en ésta producción, que yo creo que puedo recomendar junto a la canchita y chica morada.

Josué Aguirre Alvarado

El laberinto del fauno

2007-04-10T12:24:00.000-07:00

El laberinto del fauno

En una palabra: joya

No se promocionó mucho. De hecho, en el cine, ni siquiera se colocó un cartel que le haga publicidad. Para colmo, llegó unos meses tarde y sólo para exhibirse en una sala pequeña. Sin embargo, “El laberinto del fauno”, al margen de haber convocado una agresiva asistencia en su semana de estreno, puede considerarse una de las mejores películas que hayan rotado por los cines de Piura en todas las épocas.
“El laberinto del fauno” es una película madura. Denota maestría. Así, ya no es el mismo Guillermo del Toro, director de “El espinazo del Diablo” y “Hellboy”, el que realiza “El laberinto del fauno”. Existe un abismo entre los dos; a tal punto que, con la nueva producción del mexicano, el cine español ha ganado una obra cumbre que muy probablemente se incluirá dentro la cinematografía universal.
Desmembremos. En primer lugar, debo referirme a las excelentes caracterizaciones de personaje. Y es que todo el elenco está bien escogido. A parte, la construcción de los caracteres es simplemente una delicia: gran trabajo de Del Toro que, además de dirigir, escribe y produce esta obra. No obstante, si tendría que destacar a un personaje de esta obra sería, sin duda, al diabólico capitán Vidal (que afirma de manera categórica sus propiedades malignas en su “brindis del por gusto”, dejando entrever que su maldad se desarrolla sólo porque sí), interpretado magistralmente por del catalán Sergi López. Sea por sus gestos, su rostro o su peinado hitleriano, López, creo yo, logra una de las mejores interpretaciones de villano en la Historia del cine. Otra actriz que brilla con luz propia, a pesar de que recién debuta, es la joven Ivana Baquero. Dada su gran expresividad, y aún después de habernos llenado de ternura en su papel de Ofelia, sobre todo en secuencias en las que le habla a su hermanito por nacer; la niña por tiene un futuro bastante prometedor en el Séptimo Arte.
Gratos momentos de aventura, excelente composición de imágenes (amparada en una potente tecnología a prueba de balas) e ingeniosa estructuración de los momentos de tensión. En “El laberinto del fauno” encontramos escenas que se distienden para potenciar la carga emotiva; aunque temo que en alguna de ellas a Del Toro se le va un poquito la mano con las imágenes duras.
A nivel de guión aprecio la interacción de dos tramas contrastantes: la fantasía, narrada a manera de un moderno cuento de hadas; y el realismo, a manos del relato descriptivo de uno de los momentos más sangrientos de la historia española: la guerra civil. Junto a esto último agradezco que la cinta no se enrede en innecesarios discursos políticos; que habrían desviado al filme de su sentido original. Es una cinta bien hecha en todo sentido.

Josué Aguirre Alvarado

300

2007-04-10T12:15:00.000-07:00

300

En una palabra: entretenida

Quizá sea un poco duro con “300”. Pero ello lo justifico con que la película llegó al mismo tiempo que “El laberinto del fauno” y aquella disfunción me hizo ver un poco deslucido el debut cinematográfico de su director, Zack Snyder. No obstante, con toda la objetividad que pueda ofrecer, diré que con “300” se puede pasar un buen momento, porque es un filme que divierte y que emociona por la acción constante, las delirantes secuencias de lucha y el diseño de sus monstruosos personajes. Lo visual. En eso “300” se lleva las palmas.
No obstante, a nivel narrativo, tenemos un metraje bastante pobre, pues se apoya en argumentos cliché que bien exponen películas como “Gladiador” o “Cruzada”. Por eso, intuyo que Snyder, con su guión, sólo buscó pretextos para montar secuencias de acción; momentos en los que se pudiera desentender y “ceder la cámara” al novelista gráfico Frank Miller.
No creo, sin embargo, que ello sea un total desacierto. Lo único que reclamo es que, por momentos, la acción se me hace bastante parecida a algunos fragmentos de “Sin City”. Por lo demás, las secuencias frenéticas, las coreografías de lucha y la ambientación compensan la carencia de dramatismo y la ausencia de diálogos realmente inteligentes; aunque considero oportuno recalcar que esperaba un poco más, acaso el despliegue de una sorprendente astucia discursiva de cintas como “V de venganza”, por dar ejemplos relacionados con Miller.
Por último, es atractivo el hecho de enmarcar las acciones en el prólogo de las Guerras Médicas, un episodio nada tratado en el cine. También, no deja de cautivar las descripciones más o menos acertadas de la cultura griega y espartana de la época; claro, con algunas exageraciones de por medio como la figura de los éforos que, aunque en “300” representan unos brujos corruptos, en la realidad se sabe que eran un consejo de ancianos que se elegía anual y democráticamente para apoyar al rey y hacer cumplir las leyes. No sé si valga la pena comentar que esta maniobra le resta lealtad histórica a “300”. En todo caso, no sería importante, puesto que el afán del filme no es el historicista, como tampoco lo fue el de “Satiricón”, de Federico Fellini.

Josué Aguirre Alvarado

Letters from Iwo Jima

2007-04-01T13:16:00.000-07:00

Cartas desde Iwo Jima

En una palabra: magistral

Para aquel que quiera ver una obra maestra, aquí hay una. “Cartas desde Iwo Jima”, por su hondura y marcada emotividad, puede ser considerada una película cumbre dentro de la filmografía del prolijo Clint Eastwood y también del cine mundial.
En la crítica de “La conquista del honor” ya había adelantado que “Cartas desde Iwo Jima” era la historia de una misma batalla narrada desde otra perspectiva, la de los vencidos, la de los japoneses. Sin embargo, tras analizar el filme, creo que no estamos ante una obra complementaria, pues la película en cuestión tiene vida propia, igual que el metraje precedente. En definitiva, no se puede hablar de una primera o segunda parte; ni siquiera de dos puntos de vista distintos, salvo para intereses históricos. Más bien, se puede y debe hablar de una oscura epopeya que agrupa a toda una legión de personajes condenados a padecer. Hablamos de una película que a penas podría encontrar un semejante en “La caída”, magistral filme de Oliver Hirschbiegel.
Uno de los grandes méritos de Eastwood con “Cartas desde Iwo Jima” se resume en, precisamente lo que películas como “Memorias de una geisha” tan sólo intentaron, plasmar la diversidad de personalidades del pueblo japonés mediante los cánones cinematográficos occidentales. Así, en el filme las actuaciones no se perciben tan duras como las acostumbradas en el cine nipón, que a su vez se basa en los mandatos del teatro Kabuki. Eastwood no se queda en los consabidos estereotipos del japonés: hombre insensible, maquinal y enfermo por el honor. Por lo contrario, se atreve a comparar a estas personalidades planas (que considera malvadas) junto a caracteres humanos que tienen historias diversas, padecimientos y que, al igual que sus enemigos, los norteamericanos, también quieren regresar a casa. Y es aquí donde hallo una de las grandes virtudes de “Cartas desde Iwo Jima”: consigue igualar a dos culturas en la guerra más grande del mundo.
Ahora, me he reservado este espacio para comentar mi molestia con el Oscar. Está bien, admito que una película regular de Martin Scorsese, puede gustar más que cualquier otra producción en una cartelera ordinaria de cine. No obstante, cuando un filme como “Los infiltrados”, se topa con una obra del calibre de “Cartas desde Iwo Jima” considero que tiene las de perder. Así que, para negativos, ahí va la conclusión: siento cólera, mucha cólera. Considero que La Academia premió una película un tanto superflua y mal concretada, sólo por motivos de taquilla y no fue justa con la perfección en la obra de Eastwood. Pobre.

Josué Aguirre Alvarado

El rey de los huevones

2007-04-01T13:08:00.000-07:00

El rey de los huevones

En una palabra: parca

La publicidad en el cine puede ser bienvenida siempre y cuando no se entrometa en la historia. Así podría poner ejemplos como una secuencia del clásico filme “Balde Runner” en la que el auto volador del protagonista pasa lentamente al lado de un enorme banner de “Coca Cola”. De la misma manera, yéndonos a las antípodas del cine, esta forma de marketing se puede aguantar en cintas nacionales como “Un día sin sexo”, donde incluso se abusa un poco de la marca “Esika”. No obstante, ningún ejemplo será jamás tan deplorable como el de “El rey de los Huevones”, donde uno de los personajes se llega a enfermar sin otra razón más que publicitar las pastillas “Tapsin”, fármacos que son constante y horriblemente recomendados por todos los protagonistas a manera de receta médica.
Bueno, dicho lo dicho, y ya que en mi crítica no podría dejar pasar semejante sinvergüencería, porque es una de las muestras más claras de cómo el arte se puede llegar a vender como un soporte industrial; pasaré a ocuparme del filme en sí. De ese modo, empezaré por decir que al protagonista, Boris Quercia, le faltó un poco más de carisma. No está, creo yo, a la altura de Marcelo Mazzarello en “Pretendiendo”. Quercia, por más de que físicamente encaja en el papel, en lo actoral aburre y llega a confundir en algunos gags. Angie Jibaja tampoco convence, carece de ese encanto de primeriza que colegas suyas como Tula Rodríguez pusieron de manifiesto en cintas como “Chicha tu madre”, aunque sea sólo para cumplir. A Angie Jibaja, por el contrario, sólo se le puede valorar como cara (figura) bonita.
“El rey de los huevones”. No se puede negar que es un título muy llamativo. Sin embargo, como comedia, posee muy pocos momentos gratos. Sólo se podría rescatar de ella cierto atrevimiento en los minutos finales que alejan a esta obra de un inminente cliché. Pero ello resulta muy poco como para alcanzar una recomendación.

Josué Aguirre Alvarado

The pursuit of happyness

2007-03-22T20:32:00.000-07:00

En busca de la felicidad

En una palabra: tierna

Aunque no puedo negar que “En busca de la felicidad” es una película simpática, que motiva, conmueve y que podría recomendar sinceramente; también debo decir que no me ha complacido con algunos de sus móviles. Y los comentaré, a pesar que me arriesgo a mostrarme antipático ante el mayoritario público que ha salido satisfecho luego de apreciar el filme en su semana de estreno.
De ese modo, el primer detalle que debo criticar es que toda la trama pretende rebatir el argumento de el dinero no hace la felicidad. La felicidad, la alegría. Ésta se resume en la búsqueda de dinero, de empleo, de beneficios monetario que, cuando se ausentan traen irremediable tristeza. Y, en ese sentido, me impresiona que el filme contradiga otras historias como la del taxista interpretado por John Travolta en “Mira quién habla” o la del vagabundo interpretado por James Belushi en “La pequeña pícara”. Sin embargo, por más metalizado que sea éste móvil, sigue siendo una forma válida de hacer que la historia surja. No obstante, lo que fastidia es que en la película se quiera esbozar una moraleja que no termino de asimilar como positiva. Pienso que el filme pudo resultar mejor si no se hubiese apoyado tanto en una función formativa.
Por otro lado, también me he fijado en otro desacierto: la explotación indiscriminada de un niño. Hitchcock tenía como máxima: “ni con niños ni con animales”, pues el director consideraba que rodar una película con alguno de estos caracteres aseguraba de una manera tramposa la empatía con el público. Es debatible. Yo no estoy completamente de acuerdo con ello, pero sí puedo asegurar que en “En busca de la felicidad” el empleo del niño se percibe un poco abusivo: cumple la función de rellenar huecos, de aparecer para poner puntos cumbres en la trama cuando las desgracias (increíblemente constantes) le dan descanso al protagonista.
Sin embargo, a pesar de todo lo dicho no podría calificar a película como mala. Creo que la salvan las actuaciones de Will Smith y de su hijo (en la película y en la vida real), Jaden Smith; y detalles narrativos como la venta de unos aparatos médicos que nadie quiere comprarle al protagonista. Asimismo, aprecio algunos momentos de humor y otros tantos que no llego a identificar como cómicos o dramáticos. Es que no sé si me falta sensibilidad o si es que el filme es demasiado meloso para distinguirlos. En todo caso, sí puedo concluir con que sí los disfruté, como la película, en líneas generales.

Josué Aguirre Alvarado

Wolf Creek

2007-03-22T20:22:00.000-07:00

El cazador

En una palabra: delirante

Aún mantengo que el género de Terror es el que menos satisfacciones me ha dejado en mis años de crítico. Sin embargo, junto a semejante afirmación no puedo evitar mencionar algunas honrosas excepciones como “La llave maestra”, “Toolbox murders”, “Silent Hill” y ésta, recientemente agregado a mi lista, el filme australiano “El cazador”. Y es que esta película tiene el mérito de no infundir el miedo sólo por el consabido canal del golpe de sonido; recurso que, contrario a miles de cintas que lo explotan hasta el hartazgo, “El cazador” lo emplea una única vez, para evitar desgaste en el espectador. De esa forma, se ejercen otros métodos para asustar: secuencias Gore y construcciones de suma tensión, acompañadas todas de una vibrante banda sonora. En ese sentido tendría que destacar una excelente secuencia que, particularmente, tomaría como ejemplo para explicar qué es cine de terror. Me refiero al momento en el que el asesino de la película se muestra como el cazador que es y se lanza a la persecución de sus víctimas en la carretera. Una secuencia delirante. Sin embargo, en el mismo metraje, también se puede destacar otro fragmento que transmite un sentimiento muy distinto, aunque igualmente poderoso: el romance. Hallamos así una escena en la que los jóvenes protagonistas se besan por primera vez entre risas. Es una corta secuencia que, filmada de manera sencilla y sin palabras, se aprecia por su deliciosa ligereza inherente en cada uno de los protagonistas.
Ahora, si de personajes hablamos, mentiríamos si no decimos que el más convincente (y el más original, por cierto) es el cazador: un ser desquiciadamente complejo, aunque siempre justificado. Tanto así: se podría crear un mito al rededor del personaje sin la necesidad de señalar que existe en la vida real, como lo hace reiterativamente el filme.
En “El cazador”, por desgracia, hay algunos errores que impiden que la cinta sea perfecta. Y, en ese sentido, detecto dos deméritos: el primero, que la historia concluye de manera facilona, soltando unos datos reales que conceden un carácter documental, pero que cierran las puertas para una conclusión más original o más trabajada; el segundo, que en algunos momentos, el filme se pone medio turisticón, así vemos en una secuencia toscamente didáctica, cuando los protagonistas llegan a un lugar de interés para el viajero. No obstante, no quisiera hacer mucho hincapié en estos deslices. Son cosas que puedo perdonar considerando que la totalidad del filme constituye un trabajo bien realizado y muy recomendable, por lo demás.

Josué Aguirre Alvarado

The Upside of Anger

2007-03-19T17:37:00.000-07:00

Adorablemente enojada

En una palabra: adorable

Esta semana han llegado a nuestra cartelera dos comedias sutiles: extraña forma de cine que, para el público peruano, acostumbrado al estridente humor disparatado que hace poco nos llegó por cuenta de “Todas contra John”; suele calificar como aburrida. Con todo, este tipo de películas de humor inteligente, representan un manjar para unos pocos que gustamos de momentos amenos, bajos en “azucar” y referidos comúnmente a temas tan cotidianos como la familia. Así nos encontramos con “Adorablemente enojada”, una cinta que, a pesar de tener algunas secuencias cargadas de drama, verdadero drama, no desentona con la pizca de comicidad que propone el director.

Apreciamos una sensación agridulce, como el carácter de Terry Wolfmeyer, protagonista del filme. Recordemos que el título de la cinta, traducido de manera acertada al castellano como “Adorablemente enojada”, señala la complejidad psicológica de esta mujer, una manera de ser que con genialidad logra transmitir la actriz Joan Allen. Allen enfrascada en su papel, y en el centro de la historia, ve girar al mundo de una forma paranoica. No obstante, después va aprendiendo que la gente de su alrededor es más bondadosa de lo que cree. ¿Podríamos, entonces, hablar de una película bonachona y cargada de enseñanzas para la vida? Sí, pero ni este ni ningún filme debe reducirse sólo a eso, pues no es la principal razón de ser del cine. Y no sé si será la culturización o el simple entretenimiento. Pero lo cierto es que en una película siempre se aprecian más cosas que las moralejas. Por ello, en “Adorablemente enojada”, aprecio los modos de narrar; una estructura regresiva que enmarca todos los hechos en un funeral, aprisionándolos en medio de un misterio que impide, y de manera acertada, la espera de un final feliz. Tras conseguir esa tensión, hacia el final hallamos una virtud que hace que de esta película, aunque siempre sencilla en cuanto a su planteamiento, un ejercicio muy poco predecible.

Otros detalles a apreciar: la actuación de Kevin Costner y la del resto del reparto. Creo que se ha hecho un buen cásting; del que es responsable, en parte, el director independiente Mike Binder. Como curiosidad comentaré que el realizador se da el gusto de aparecer en la cinta como el excéntrico productor de radio que, en su momento, profesa un buen discurso acerca de sus anormales preferencias sentimentales.

Josué Aguirre Alvarado

Keeping Mum

2007-03-19T17:29:00.000-07:00

Sálvese quien pueda

En una palabra: divertida

La otra película recientemente estrenada de humor inteligente es “Sálvese quien pueda”. Pero ¡ojo!, no hay que confundirla con “Las vacaciones de Mr Bean”, puesto que, si bien Rowan Atkinson aparece entre los créditos, el actor no encarna a su acostumbrado personaje y a penas pinta como un actor secundario: un vicario anglicano, jefe de familia que, antes bien, su principal problema es no saber hacer reír. Qué ironía.

De esa forma, el protagonismo, y con él el peso cómico del filme, se halla en la figura de Maggie Smith, que caracteriza a una especie de Mary Poppins excéntrica, que llega a la casa del clérigo a mejorar la vida de su familia en un pequeño pueblo inglés; pero de un modo algo violento. La Smith está genial, con una cara de yo no fui y, sin embargo, haciendo el papel de una justiciera criminal. Es sumamente jocosa. Sin embargo, debemos considerar que la compañía perfecta es Kristin Scott Thomas, con una apariencia inocente pero también fresca y presta para la hilaridad. Podría decirse que en “Sálvese quien pueda”, la comicidad está en manos femeninas. Sin embargo, no seríamos justos con un sorprendente Patric Zwayze que, ya pasados sus años mozos, se ha dedicado a burlarse de sus anteriores trabajos como galán de turno encarnando a un personaje extravagante que, al ser norteamericano, funciona en clave de comedia disparatada; un elemento al que las inglesas Smith y Scott Thomas parecen combatir desde sus personajes dentro del filme.

“Sálvese quien pueda” es una cinta dirigida por el británico Niall Johnson, realizador de pequeñas películas, sin mucho presupuesto. Ahora escribe y dirige este filme un tanto comercial que, a grandes rasgos se puede considerar como una interesante alternativa para quienes gusten de la comedia fina hecha para adultos.

Josué Aguirre Alvarado

John Tucker must die

2007-03-11T08:42:00.000-07:00

Todas contra Jhon

En una palabra: divierte

Al contrario de la decepción que sufrí con “Babel” tengo que decir que, en “Todas contra Jhon”, he encontrado más detalles gratos de los que esperaba. Aún ignoro si esto se debe a que quizá tenía puestas las expectativas demasiado bajas en el filme. Sin embargo, lo que sí puedo afirmar es que, aunque “Todas contra Jhon” es la típica e idiota película de escuela norteamericana que bien se ha parodiado en más de una ocasión, cumple con mostrarnos ciertos momentos jocosos; secuencias dadas, en gran parte, por la personalidad del secundario Jesse Metcalfe, en el papel de John Tucker.

En verdad no creo que Jesse Metcalfe, cumpla con la misma efectividad que hubiera tenido Amanda Bynes en “Una chica en apuros”. Tampoco creo que haya resplandecido Brittany Snow, aunque ella repita el mismo papel que la Bynes en la mencionada película. Sin embargo, algo tiene Metcalfe en “Todas contra Jhon” que lo hace simpático, que cae bien y que hace que su papel resulte creíble. No se puede negar, que, los gags que le destina el predecible guión de la película, son refrescados por Metcalfe, potenciándolos en varios puntos. Tiene que ser así. Las otras cuatro protagonistas, que deberían ser graciosas, no simpatizan en ningún momento del filme.

Ahora, la trama, como ya venía adelantando, es de lo más predecible. Tanto así: se pone trabas a sí misma. Y es que por seguir las “reglas” de la comedia de escuela, “Todas contra Tucker” se conduce hacia un final distinto de lo establecido. Entonces, para evitar originalidad, hacia los minutos finales, el guión gira incoherentemente para que el filme se resuelva como siempre ocurre en las miles de comedias de adolescentes en las que un grupo de chicos populares mandan y otro, (dígase, los nerds), obedecen. Todo preestablecido. Holly Jamma Lamma! Y después se preguntan por qué hay matanzas como la de Columbine.

Josué Aguirre Alavarado

Babel

2007-03-11T08:32:00.000-07:00

Babel

En una Papabra: Regular

Decepcionante. Cannes y Hollywood hicieron demasiada alharaca con este filme. Y es que “Babel” es una insípida película que sólo que explota los estereotipos más quemados que existen en el cine para con los latinoamericanos y los musulmanes. Me sorprende un poco esto. Creí que Alejandro González Iñárritu, director de la cinta, por su origen mexicano, podría exponer un punto de vista más enriquecedor acerca de la situación de nuestros pueblos y no la misma perspectiva de un gringo ignorante. ¿Donde vive? Creo que en California.

“Babel” retrata a un grupo de mexicanos que, al perecer y como todos en ese país, viven en el caos mientras organizan salvajes parrandas que resultan incomprensibles para los modos estadounidenses. De la misma manera, vemos que, al otro lado del mundo, a una familia campesina árabe sueña con poseer un arma que, casi por obligación, sería el nuevo juguete de dos niños; dos chiquillos que el director retrata como tiradores natos. Clichés Incluso, en “Babel”, los estadounidenses no se salvan. Y es que, a la par que el director utiliza personajes complejos, como el matrimonio que viaja a Marruecos; aparece la archiconocida imagen del petulante policía gringo de frontera. En esa línea sólo me resta comentar que los únicos carecteres bien construidos son la familia japonesa, puesto que en ella los prejuicios quedan de lado en favor de una historia que, aunque un tanto parca (como casi todo en el filme), se puede resaltar como lo más original de la cinta.

A “Babel” le falta la chispa y la emotividad que sí poseen cintas similares, también nominadas al Oscar en años anteriores, como es el caso de “Crash”, de Paul Haggis. Por eso, en “Babel” se opta por la profusión. Se narra una historia conformada por cuatro pesadas sub tramas que se unen en circunstancias, vale comentar, muy poco verosímiles.

Tengo que mencionar, por otro lado, que tampoco he percibido innovación dentro del cine de González Iñárritu. He visto la misma estructura narrativa que el realizador empleó en sus dos anteriores trabajos: “Amores Perros” y “21 gramos”.

Josué Aguirre Alvarado

Flags of our fathers

2007-03-09T20:59:00.000-08:00

La conquista del honor

En una palabra: extraordinaria

Ahora, la otra cara de la moneda. Afortunadamente. Y es que, tras un mes de estrenos más bien mediocres, ya hacía falta que llegara a nuestro cine una película tan buena como esta.
Antes que nada, voy a tener que pasar de hablar acerca del director de este filme, el maestro Clint Eastwood. Dejaré de hacerlo por cuestiones de espacio y porque continuamente lo cito cuando tengo que hablar del buen cine. Por ello en esta ocasión sólo me remitiré a hablar de la obra.
De ese modo, para comenzar he creído conveniente comentar un pequeño desliz en “La conquista del honor”. Resulta que la película gasta un considerable tiempo en escenas bélicas que carecen de otra función distinta a la pomposidad. Esta longitud de las secuencias me hace pensar si esta cinta pretende competir con la introducción de “Salvando al soldado Ryan”. No obstante, fuera de esa falla (que lamentablemente impide que el filme sea perfecto), esta nueva realización de Clint Eastwood es casi una obra maestra; y no precisamente por adentrase en la belicosidad ni en la gloria del momento cumbre de la Segunda Guerra Mundial, sino por tratar un suceso curioso que, sin embargo, acarrea una serie de dramas humanos poco considerados en el cine; arte que suele rendirse ante el avasallador panorama de la guerra más sangrienta de la historia.
Una cosa que podría parecer un conejo salido de un sombrero de mago sería todo el marco que encasilla la historia. En él, un veterano acapara la narración de la historia hasta que al final la cede a un moribundo ex combatiente que perece contando sólo una anécdota de guerra. Sí, podría parecer un giro absurdo. Sin embargo, personalmente opino que, con esta maniobra de guión, Eastwood aterriza la historia sobre un hecho hermoso, un suceso tan poco relevante (como lo es la historia que trata filme con respecto la Historia Universal) pero que aleja la culminación de la cinta de aquel final desesperanzador que todo espectador imaginaría.
No obstante, ante todo lo dicho, debo recalcar que tanto mi crítica como la obra de Eastwood están incompletas; puesto que “La conquista del honor” es sólo una parte de los hechos. Éstos los podremos apreciar en “Cartas desde Iwo Jima”, un filme que la crítica ha coincidido en calificar como superior artísticamente. Ojalá nuestro cine nos sorprenda esta semana con el estreno de esta película.

Josué Aguirre Alvarado

Ghost Rider

2007-03-09T20:56:00.001-08:00

El vengador fantasma

En una palabra: insufrible

Bien, esta semana tuvimos dos estrenos que, personalmente podría localizar en las antípodas de la cinefilia. Digo: a la par de lo extraordinario, he presenciado lo denigrante. Así organicé esta crítica hoy. Y, como quiéralo o no, la percepción del lector ante su servidor es la de un crítico negativo, le daré en la yema del gusto y comenzaré con lo que sencillamente quiero calificar como una de las peores adaptaciones del cómic al cine: “El vengador fantasma”.
Para comenzar: “Hulk”, “El hombre araña”, “Ultravioleta”, “Batman”, “Superman”, V de venganza”, “Los cuatro fantásticos”, “300”, “Punisher”, “Daredevil”, Gatúbela”, “Elektra”, “Sin City”, “Constantine”, “El cuervo”, “Spawn”, “Blade”... ¿Ya no son demasiados superhéroes adaptados desde cómic? ¿Hacía falta uno más? ¿Acaso no aburre tanto de lo mismo, sobre todo cuando los personajes se presentan con historias más o menos parecidas? Juzgue usted como espectador, yo sólo me remito a comentar el filme. Así, no debo dejar de decir que dentro de los innumerables desaciertos, en el metraje ubico un toque de comedia que nunca se llega a entender. Y no es que una pizca de sentido del humor esté siempre mal. Creo que ésta puede funcionar siempre y cuando un filme no pretenda ser tan oscuro como éste. Otra flaqueza del guión se halla en las contradictorias secuencias iniciales; momento en el que el personaje del diablo maldice al protagonista para que se olvide de su familia, de sus amigos y de su novia. Sin embargo, y como si nada, todo el filme funciona al revés puesto que los tres móviles del personaje central son precisamente recobrar a su novia, vengar la muerte de su padre y simplemente pasar un buen rato con los amigos. Otra cosa que también fastidia: creo que todo superhéroe debe tener enemigos a la altura, obstáculos que proporcionen cierta emoción a la historia; no villanos fáciles de vencer como los idiotas fantasmas que el “Vengador” destruye en un dos por tres.En lo que refiere a las actuaciones, de Nicholas Cage, no tengo más qué decir excepto que era lo esperado. Como ya he comentado con anterioridad, le tengo tan poca estima como a Eva Mendez, su pareja en el filme; pero más que al director, Mark Steven Johnson; responsable de otros bodrios cinematográficos como “Daredevil” o la producción de “Gabtubela”.

Josué Aguirre Alvarado

The illusionist

2007-03-09T20:54:00.000-08:00

El ilusionista

En una palabra: decepcionante

No sería honesto si dejo de mencionar la inminente similitud entre “El ilusionista” y “El gran truco”; película que, personalmente, podría calificar como lo mejor del año pasado (y por ello me entristece que sólo haya durado una semana en cartelera, al igual que “Una historia violenta” o “Solas”). Pero, antes que nada, quiero dejar en claro que esta comparación es, dejando de lado las diferencias entre la maestría de Christopher Nolan y el segundo debut del sobrevalorado Neil Burger.
Así, he de halagar el hecho de que Burger ha hecho suya una historia, que se escribió a manera de cuento (“Eisenheim: The illusionist”), para luego adaptarla a un filme de casi dos horas. Aprecio este trabajo creativo. Sin embargo, también debo criticar la poca agilidad del filme, letargo que en un momento dado casi termina por hacerme dormir. Y eso lo comento dejando de lado el tema del abuso de tópicos, escenas previsibles y un desenlace que, si no fuese por su acartonamiento, parecería cumplir la misma función que el de “El gran truco”.
Vale comentar, y disculpe el lector por abusar de la comparación, que “El ilusionista”, contrario al “El gran truco”, recurre a evidentes e inverosímiles efectos especiales para conseguir con trampas lo que el filme de Nolan hacía de una forma osada y real. Nolan trataba de manera certera describir el mundillo de la mágica de finales del XIX; no con ilusiones defectuosas que dejan todo en el nivel de la fantasía y el cuento de hadas: había una vez + magia + y vivieron felices para siempre.
Sin embargo, hay que reconocer que la atmósfera de “El ilusionista” es más o menos encantadora, que se desarrolla a finales del XIX en Viena (a diferencia de “El gran truco” que se desarrollaría paralelamente en Londres) y en medio de ciertos conflictos políticos que, a mi parecer, han sido bien abordados y levantan este filme de lo absolutamente comercial (aunque este también fuera el recurso de “Gladiador”).
En fin, con todo no creo que pueda dar mis recomendaciones a este filme, por más de que tenía muchas expectativas puestas en él. Y lo siento, pues así tendré que dar una crítica mala sobre un filme de Edward Norton y Paul Giamatti, actores que me han maravillado en otras cintas como “La hora 25” o “Entre copas”. Una lástima.

Josué Aguirre Alvarado

Blood diamond

2007-03-09T20:51:00.000-08:00

Diamante de sangre

En una palabra: Regular

“El último samurai” entusiasma tanto como “Memorias de una geisha”. Por ello, el hecho de presentar a Edward Zwick, director de “Diamante de sangre”, con el supuesto mérito de haber realizado el primer filme mencionado, sólo se puede tomar como una forma de referirse a él como “el realizador de cine comercial de...”
Por ello, aunque su más reciente producción aparentemente gana el favor de la crítica por contener algunos momentos conmovedores (como el discurso del padre que tiene ante sus ojos a su hijo convertido en un criminal apunto de matarlo); la lírica en “Diamante de sangre” es interrumpida constante y horriblemente por ruidos de disparos y explosiones que no parecen circunstanciales, sino harto planeados por el director. ¡Arriba los disparos!, ¡abajo el drama! A ello habría que sumarle la incursión de varias secuencias de acción gratuitas como aquella que se inicia sin más pretexto que un recorrido periodístico. En este sentido “Diamante de sangre” tiene mucho qué aprender de “Hotel Rwanda”, un filme magistral que describe un conflicto bélico más o menos parecido, minimizando las escenas de acción y potenciando las impactantes ambientaciones, de tal modo que se aprecia, en un determinado momento, al protagonista del filme encima de un cerro de cadáveres; cuerpos a los que no los hemos visto ser atravesados por una bala para saber cómo han caídos. ¿Imágenes duras? Sí ¿Disparos? No. En “Diamante de sangre” ocurre todo lo contrario, la acción, la violencia y las muertes impactantes ocupan un rol protagónico con el que este filme pretende atraer; recurso banal si no viene acompañado de otro componente adicional. Así, citando a una cinta de la talla de “El señor de la guerra”, hallamos un metraje documental que gana ampliamente en impacto y violencia; pero también en información y en descripciones dramáticas de los compradores y consumidores de armamento: el agregado, el eje dramático. De ello cojea “Diamante de sangre”, película que sólo se limita a desarrollar una chlicheteada historia a través del personaje interpretado por Djimon Hounsou, una subtrama que se pudo explotar más para que roles como el de Leonardo DiCaprio no queden como el de un Rambo o el de Jennifer Connelly, como el de la doctora Kendricks, en “Lagrimas del sol”. Ya estamos un poco hastiados de ello.

Josué Aguirre Alvarado

Déjà Vu

2007-03-09T20:48:00.000-08:00

Déjà Vu

En una palabra: regularona

Ésta es la otra película que basa su argumento en viajes temporales. Sin embargo, al contrario de “Regresiones de un hombre muerto”, que plantea que el porvenir es muy fácil de cambiar, como en “Volver al futuro”; “Déjà vu” expone que variar el paso del tiempo es muy complicado. Y ello se debe a una suerte de predestinación que queda tratada de una forma un tanto blanda.
Ahora, en “Déjà vu” no veo mayor error en la trama (contrario a “Regresiones de un hombre muerto”). Y no sé si por consecuencia de ello debería comentar que esta película parece estar hecha al “estilo Denzel Washington”. Sin embargo, lo que sí sé es que hay algo que me fastidia de la trama y no es un error formal. Así, ves que hacia el final del filme se derrumba todo lo interesante que planteaba el director desde el comienzo. Y es que tras una amplia introducción que se asocia con el género del Thriller, la cinta desemboca hacia algo un tanto irrisorio, que no podría comentar aquí para no destruir los ánimos de quien esté dispuesto a espectar este filme. En cambio, sólo diré que “Déjà Vu” es otra más de esa cintas que siempre tratan de dejar bien parados a los agentes del FBI y otras organizaciones de seguridad aparentemente infalibles de Estados Unidos. Da lo mismo: de todas formas ya podemos predecir cómo acabará el cuento.
Entonces, salvo por el suspenso inicial, la cinta se hace excesivamente larga. Son dos horas, pero parecen cuatro. Sobreabundan datos innecesarios como aquella compleja descripción de la maquinaria de los “federados”, un tremendo rollo que a nadie le interesa y que quizá se pudo dejar de lado como en “regresiones de un hombre muerto”, puesto que la ficción suele soportar este tipo de cosas.
Para terminar, debo decir que, a diferencia de “Regresiones de un hombre muerto”, “Déjà Vu” no posee brillantes actuaciones. Sí, es cierto que Denzel Washington y el acabado Val Kilmer (nótese el humor con el que se lo dicen en del filme) hacen algo por
el filme, pero esto no resulta suficiente.

Josué Aguirre Alvarado

The jacket

2007-03-09T20:42:00.000-08:00

Regresiones de un hombre muerto

En una palabra: buena

Esta semana se estrenan dos películas que tratan sobre viajes en el tiempo. Por tanto, en esta página, creí conveniente dedicarme a comparar ambos filmes, dejando de lado otras alternativas. Así, la primera película a la que me referiré será a la del inglés John Maybury, desconocido realizador de obras irrelevantes como “Genetron” o “Man to Man”. No obstante, y ya exhibiéndose ante las masas, Maybury ahora nos trae una atractiva cinta que, a pesar de algunos deslices, se puede llegar a disfrutar, sobre todo si el esperador es de los que sabe apreciar metrajes sólo por sus actores.
“Regresiones de un hombre muerto” es un filme que tiene el mérito de ser sencillo. Hablamos, entonces, de una historia simple, de un guión que, como alguien me comentaba recientemente, se podría describir en menos de 20 palabras. Sin embargo, con tan poco, John Maybury monta una inteligente estructura anacrónica que resulta sinceramente cautivante. Ahora, es cierto que hay secuencias innecesarias, como aquellas protagonizadas por Daniel Craig; secciones del filme que no aportan mucho al desarrollo global pero, por su comicidad, sirven como cambios de aire que impiden la monotonía y el agotamiento en el espectador.
Por otro lado, la trama de “Regresiones de un hombre muerto”, posee un grave error que no podría dejar escapar. Toda la historia constituye un círculo vicioso sin inicio ni comienzo. Y es que en el filme el futuro es consecuencia del pasado; y el pasado, del futuro. Luego, no hay un origen lógico para los hechos. Esto se aprecia más claramente en el siguiente ejemplo: el protagonista (Adrien Brody ) viaja al futuro y ahí descubre que su amiga doctora (Jennifer Jason Leigh) ha curado a un chico de sus problemas mentales. Ocurre que ella lo ha hecho porque el personaje central, en el pasado, le había dicho qué hacer. No obstante, éste no le hubiese podido servir de ayuda si es que la doctora en el futuro no le comentara el procedimiento que siguió. Entonces: ¿Quién tuvo originalmente la solución para el chico? ¿La nada?
Con todo, no sabría decir si “Regresiones de un hombre muerto” es una mala película. Lo que sí sé es que, a nivel actoral, la cinta debería tener no menos de 5 estrellas. Las geniales actuaciones de Kris Kristofferson, Adrien Brody, Daniel Craig y Keira Knightley (en ese orden) levantan la calificación de este filme a tal punto que se podría hablar de una película de actores.

Josué Aguirre alvarado

Date Movie

2006-05-23T15:51:00.000-07:00

No es otra película de amor

Malísima/buena

Los guionistas de la burlesca saga “Scary Movie”, Jason Friedberg y Aaron Seltzer, vuelven a las andanzas. Pero, ¡Sálvese quien pueda!, ahora han acaparado el papel de la dirección. El resultado ha sido de los peores: una película poco imaginativa que gira siempre en torno a la vulgaridad. “No es otra película de amor” es el nombre de este mamarracho que, si no tuviese como atractivo parodiar las comedias románticas de Hollywood, podría ser considerada la peor cinta de la historia; aún por debajo de los grotescos filmes del excéntrico John Waters.

Para algunos Friedberg y Seltzer han conseguido algo singular: mofarse de los géneros más populares y mecanizados de Hollywood: el terror y las comedias románticas. No obstante, las películas que escribieron estos personajes, junto a “No es otra tonta película americana”, parecen tener su origen en el humor de las ochenteras “¿Y dónde está el piloto?” o “Police Academy”. De esa manera, hallamos en este grupo fílmico, las siguientes coincidencias: un humor abusivo y descabellado; actores repetidos; reminiscencias a películas inmediatamente anteriores que, supuestamente, habrían de marcar una época. Pero, cómo las cintas originales no tuvieron una larga vida, las parodias de éstas se perdieron en el más completo olvido. Sin duda, similar destino tendrá la saga de “Scary Movie” en unos cuantos años más y esta olvidable producción.

Caso contrario ocurre con “La loca historia de las galaxias” o “Drácula: muerto pero feliz”; dos metrajes que parodian a los clásicos de todos los tiempos: “Drácula de Bram Stoker” y “Star Wars”. Ahora, con esto no estamos diciendo que “No es otra película de amor” no deba ser vista. Todo lo contrario. Si ha de presenciarse, éste es el momento. Después, si esperamos dos años a que la producción sea transmitida por cable (o cuatro años en Tv de señal abierta), sería infinitamente tarde. Las imágenes saltarían por toda la pantalla y el espectador no cesaría de preguntarse ¿Se están burlando de una película? Y es que para fortuna del ser humano, su naturaleza lo ha dotado de mecanismos con los que borra de la mente la información banal. Luego, las películas en las que se basa “No es otra película de amor” son de ese tipo.

Sin embargo, en “Date movie”, hay cuestiones más estructurales que sí valdría la pena mencionar. Hayamos, por ejemplo, la ridiculización del consabido argumento del filme romántico: dos jóvenes que se enamoran perdidamente a pesar de la oposición de sus padres. Quizá esto le dé un poco más de vida a este esperpento antes de pasar al inevitable olvido. Y es que, desafortunadamente, es muy posible que aún se hagan más películas de amor de ese tipo.

Por último, si la escatología fuese una ciencia, “No es otra película de amor”, sería una obra notable. Así es, la cinta de Jason Friedberg y Aaron Seltzer es orgánicamente nauseabunda. Creemos que éste, para algunos su peor defecto, podría llegar a ser una virtud. Y es que no se puede negar que en la representación llega a transmitir una sensación fuerte. Pero, insistimos, dejémoslo como una posibilidad.

Josué Aguirre Alvarado

The Da Vinci code

2006-05-21T15:04:00.000-07:00

El código Da Vinci

Regular

Si hay algo que el director Ron Howard sabe hacer bien es entretener. Lo ha demostrado en atractivas cintas como “Willow”, “Apolo 13” o “El luchador”. De la misma manera, su película número 27, “El código Da Vinci”, aunque por debajo del nivel de las obras mencionadas, no parece ser la excepción. Es el vacilón de fin de semana. Pero nada más. Y es que el filme, basado en el controversial libro del estadounidense Dan Brown, no llega a colmar las expectativas. Y no es por cucufatería…

“El Código Da Vinci” se ha venido anunciando como una película que, al igual que la novela, removería los cimientos de la Iglesia Cristiana y de la Humanidad en general. Sin embargo, las supuestas revelaciones “contra-católicas” no resultan novedosas. Ideas como las de afirmar que Jesús sólo fue un hombre común y que además tuvo descendencia con María Magdalena; ya han rondado en prédicas de otras religiones y en las páginas de autores como el ruso Nikos Kazantzakis o los ingleses Michael Baigent y Richard Leigh. Por ello, estarían explicados los continuos juicios que ha tenido que enfrentar Brown por plagio.

No se puede negar que las mencionadas especulaciones (llámelas leyendas populares) no dejan de remover el interés y crean intriga. ¿A quién no le parecen atrapantes las deducciones de Robert Lagndon o Sir Leigh Teabing? Aquí entran en juego las abultadas ventas del libro de Dan Brown (que superan los 30 millones de ejemplares) y la gran taquilla que seguramente conseguirá la película de Ron Howard. No obstante, todas las deducciones (bien construidas, por cierto) tienen una base endeble: las travesuritas artísticas de Leonardo Da Vinci. Juegos: Sólo eso. ¡Vamos! ¿Qué utilidad tendría, por ejemplo, escribir libros de derecha a izquierda?

Otra disfunción la hallamos en la aparición abusiva de símbolos en casi todos los diálogos. La superposición forzada de todos ellos se percibe tan huachafa como esta conversación entre los protagonistas: --los Caballeros Templarios usaron como pantalla el mandato de recuperar los lugares santos. Lo que realmente querían era proteger el Santo Grial … Por ello, la Iglesia los mandó a matar un viernes trece--.--¡El día de mala suerte!--

Todo esto nos hace especular que el multimillonario Dan Brown ha metido en una cacerola toda clase de argumentos punzantes sólo por el hecho de serlo. Además, éste los ha mezclado con una historia, entretenida, es verdad, pero que más se asemeja a aquellos libritos infantiles de “Resuelve el misterio”. Por si fuera poco, el autor incurre una serie de clichés fastidiosos propios de los Best Sellers. De esa manera, comenzando por que el título del libro recoge el nombre del más famoso pintor de la historia y siguiendo por los hábitos franciscanos de Silas (que, como si estuviésemos en el siglo XVII, ridículamente deben caracterizar a cualquier monje); se puede afirmar que el contenido cognoscitivo del libro y la película es realmente pobre y que cualquiera se da cuenta de ello.

De igual forma podemos encontrar, en el rol protagónico, a un galán con claras reminiscencias a Indiana Jones o a un fofo recorrido turístico (¡cómo si Francia sólo fuese la Torre Eiffel o el Museo del Louvre!). No obstante, la película de Ron Howard desintoxica algunas de estas disfunciones. El director convierte los espacios en sitios oscuros y confusos. Por otro lado, Howard transforma a Lagndon, en un personaje que, si bien sigue siendo plano, se muestra más creíble que el de la novela.

Pero hay que ser justos. Parte del crédito lo tiene la interpretación de Tom Hanks. Él, junto a Audrey Tautou, Jean Reno y Paul Bettany son los mejores componentes de esta mediocre película. Las actuaciones. Sí. Podríamos hablar de una cinta de actores. Lástima que el guión no haya dado para más. Estos muchachos sí podían.

Josué Aguirre Alvarado

p3k: pinocchio 3000

2006-03-12T07:32:00.000-08:00

Pinocho 3000

Calificación: mala

Había una vez una mamá que había leído “Pinocho”, del escritor italiano Carlo Collodi, para comprobar si era cierto eso que decían los críticos de cine: “la película de 1940 realizada por Walt Disney se aleja mucho del espíritu del libro”. Y, en efecto, cuando la madre tomó el libro, pudo comprobar que algunas cosas variaban pero que éstas no contradecían los temas centrales; es decir, el arrepentimiento, el amor de padre a hijo y la amistad. De esa manera, se dio cuenta que la película de su infancia era buena (en una manera poco distinta al libro) y no dejó de entusiasmarse cuando se enteró del estreno de una nueva versión del libro de Collodi: “Pinocho 3000”, una producción canadiense que significaba el debut como director de Daniel Robichaud. Entonces la mamá llevó a sus hijos al cine.

Así, cuando comenzaron a proyectar la película, la madre se sorprendió con algunas variaciones como el uso de la animación por computadora y la ambientación futurista. A priori pensó éstas eran equivalentes a las que realizó Disney hace 65 años y, por ello, mantuvo las expectativas. Sin embargo, después vería algo que la comenzaría a desilusionar: Gepeto, el gran artista de la madera se había transformado en un tecnócrata que sin la ayuda de ninguna magia podía dar la vida a un pedazo de metal. Notó, además, que la famosa hada madrina que originalmente proporcionaba alma a Pinocho no tenía nada que hacer en esta obra más que darle un poco de comicidad al asunto.

No obstante, no pudo reflexionar demasiado porque sus hijos se empezaron a sentir un poco inquietos con los dibujos. ¿Y para que negarlo? Los personajes que aparecían en la pantalla eran antipáticos, poco amigables y demasiado puntiagudos. La madre inventó una respuesta que los tranquilizaría un momento: “son niños del futuro”. Sin embargo, nunca pudo explicarse a sí misma porqué en la película se odia gratuitamente el desarrollo de una gran metrópolis y se protege de modo tan ferviente de la naturaleza. ¿Ecologismo forzoso? En ese momento recordó que sus niños, como todos los que conocía, se han divertido más en un citadino parque de atracciones que en un solitario campo de cultivo.

Con todo, trató de equiparar mentalmente la historia que conocía con la que le estaba ofreciendo “Pinocho 3000”, pero no pudo. Y es que, en la versión original, se podían rescatar las figuras humanas de “Gepeto” y “Pinocho”, cosa que no ocurría con la película que estaban viendo. En ella, los conflictos personales eran dejados de lado en favor de interminables secuencias de acción. “Pinocho 3000” no estaba ahondando en las necesidades humanas de un anciano que quería tener un hijo que la vida nunca le pudo dar, ni tampoco en la psicología beligerante de un niño que debe descubrir qué es el bien y el mal y que debe aprender a no mentir.

De esa manera, en un determinado momento de la película, a Pinocho le comienza a crecer la nariz y los niños, cuando vieron eso, empezaron a hacer preguntas. La madre les explicó que la nariz le crece cuando miente y pensó que era el colmo. ¿Tan descuidados habían sido los guionistas al olvidar explicar la característica fundamental de la historia?

La función terminó. La madre camino a casa encontró, en una tienda de videos, la versión de 1940 de “Pinocho” y la alquiló para que sus hijos vean una buena película. Al cine no regresarían hasta que se exhibieran obras de mayor calidad artística como aparentan ser las cintas de animación “Valiant” o la nueva puesta en escena de “Walt Disney Pictures” y los estudios “PIXAR” (menos mal que se amistaron), “Cars”. Así trataron de vivir felices para siempre.

Josué Aguirre Alvarado

the constant gardener

2006-03-12T07:24:00.000-08:00

El jardinero Fiel

Calificación: Buena (por algunos detalles como la actuación de Ralph Fiennes)

Parece que se ha vuelto una ley. Cada vez que se adapta al cine una novela de suspenso político, el guionista no descarta ninguno de los detalles que aparecen en el libro. Así, en complicidad con los directores, éste se pasa por alto la percepción del público. No considera que el espectador puede llegar a agotarse al recibir mucha información en poco tiempo. Hacerlo no es subestimar al público. En lo absoluto. Es descubrir que una novela está hecha para ser leída en varios días y con descansos estratégicos que permiten al lector procesar de a pocos la información.

El cine no. Este arte se ha hecho para representar historias que puedan ser apreciadas en menos de tres horas (con honrosas excepciones como “Dr. Zhivago”, de 200 minutos o “Lo que el viento se llevó”, de 220) Por ese motivo, exhibir todos los detalles de un libro de casi mil páginas como “La suma de todos los miedos”, de Tom Clancy, sin quitar ningún detalle, en una película de apenas 2 horas, puede causar un efecto contraproducente en el espectador promedio: hace que éste se desconecte de las secuencias explicativas y que se muestre a la espera de momentos de acción que le sirvan de descanso. Lamentablemente, en “El jardinero fiel”, en donde ocurre casi lo mismo, estos escasean. Aquí tenemos un grave punto en contra. Una mala adaptación.

Y realmente es una pena, porque teníamos entre manos una historia muy intrigante que venía por cuenta del autor inglés John Le Carré: Justin Quayle, un diplomático inglés (interpretado por Ralph Fiennes) se casa con Tessa (Rachel Weisz), una activista apasionada con acabar con la corrupción en su país. Juntos viajan a Kenia por cuestiones de trabajo y ahí la mujer descubre las atrocidades que están cometiendo poderosas empresas farmacéuticas británicas. Ella comienza a indagar y, para proteger a su marido, deliberadamente oculta sus averiguaciones. No obstante, tras su muerte, Justin comenzará a descubrir la verdad.

Con mucha buena voluntad (lo que nos lleva a centrarnos únicamente en la historia, despreciando la narración), se pueden extraer algunas cosas valiosas. Una de ellas es la contraposición del racionalismo, encarnado en las figura de Justin Quayle y de sus demás compatriotas ingleses; con el romanticismo, representado en Tessa (nótese que el nombre es de origen extranjero) y otros personajes que se muestran más sensibles como aquel que maldice sus genes latinos por no tener la dureza que esperaba.

De esa manera, lo más interesante del filme lo encontramos en la transformación paulatina de Justin Quayle que lo lleva a hallarse a sí mismo haciendo lo que su esposa consumaba a escondidas. Este proceso se ve finalizado en aquella secuencia en la que el protagonista pretende salvar a una niña aborigen con los mismos argumentos con los que su mujer había tratado de hacerlo antes.

En esta puesta en escena, la interpretación de Ralph Fiennes es la piedra angular. Y es que al actor le ha tocado uno de los trabajos más prolijos que película alguna haya requerido: primero, hacer una intro actuación (aparecer ante cámaras triste, pero fingiendo estar serio); segundo matizar correctamente la transición de personaje racional a completamente apasionado. Una genialidad.

De igual manera se podría comentar que a nivel técnico hayamos unos bien utilizados flashback que nos muestran acertadamente situaciones en alto contraste. Estos efectos constituyen el único soporte para que la atención del público no decaiga. Sin embargo, parecen ser reemplazados hacia la mitad de la cinta por una fastidiosa cámara temblorosa que cubre, sin razón aparente, hasta las pacíficas secuencias de conversación. Y es que el director de esta película, el brasilero Fernando Meirelles, parece creer estar filmando su anterior obra; “Ciudad de Dios”, película en la que por la acción constante, la viabilidad de los recursos técnicos estaba garantizada. Nada que hacer. Meirelles aún es un novato.

Josué Aguirre Alvarado

the brothers grimm

2006-03-12T04:32:00.000-08:00

Los hermanos Grimm

Calificación: Malísima

Una película decepcionante. Una chanfaina desabrida que deshonra la tradición oral germánica compilada y escrita por los hermanos Grimm. Y es que el director Terry William, realizador de los aclamados filmes de ciencia ficción “Doce monos” y “Brazil”, ha aceptado un guión que fusiona los archiconocidos “Rapunzel”, “La caperucita roja”, “La bella durmiente” (entre muchos otros relatos) en una especie de inducción Hollywoodense de la vida de los admirados escritores. ¿Una burla? Sólo basta mencionar a quines ha escogido para los roles protagónicos: Matt Damon y Heath Ledger.

De esa manera Jacob Ludwig Karl Grimm parece convertirse en un Jack (como Jack Black) y Wilhelm Karl, en un Will (como Will smith) y, en tono de aventura disparatada (lo que suena un tanto irrisorio por la seriedad con la que los autores realizaron sus trabajos a finales del siglo XVIII y principios del XIX), recorren pueblos alemanes estafando a gente temerosa de sus propias leyendas. En ese trajín se topan con las tropas de Napoleón -los malos de la película- y mil y un detalles fácilmente reconocibles para quienes hayan leído o escuchado alguno de los cuentos de estos escritores.

Esta trama tímidamente propone una pugna entre dos modos de percibir el mundo: la realidad (representada en las monedas) y la fantasía (representada en las habas mágicas). Estas dos visiones le son presentadas al más romántico de los hermanos. Él, al comienzo elige las habas, lo cual está bien porque el tono con el que se presenta la película es el de la fantasía. Sin embargo, inexplicablemente, después cambia los frutos por las monedas al proferir la siguiente afirmación: “Toda mi vida la he pasado estudiando el folklore. Ahora quiero hacer algo de verdad. ¡Quiero que me crean!”. Perplejidad. La película no nos transmite ninguna percepción valedera porque nunca se aferra a ninguna.

Y es que esta cinta padece de una grave crisis de identidad: No termina de definir si es que va dirigida hacia los niños o a un público adulto. De esa forma vemos que se desarrollan diálogos infantiles como “Me hice popó… Y yo me hice pipí” al mismo tiempo que aparecen groserías (que hasta el doblaje ha dejado pasar), torturas, cabezas amputadas y toda clase de elementos tétricos discordantes.

Parece que “Los hermanos Grimm” pretende ser por ratos una película de horror sin nunca llegar a serlo. Para ello, copia burdamente la estética de “La leyenda del jinete sin cabeza”, de Tim Burton. ¿Por qué? Porque “Los hermanos Grimm” es una película técnicamente muy descuidada, cosa que se aprecia en elementos como una iluminación tan mala que cualquier civil se da cuenta de que en las tomas nocturnas (que aparentan ser naturales) hay un potente faro lateral que ilumina las caras de los protagonistas.

En materia de recursos técnicos, no hay mejor halago que el de no ser percibidos. Y es que si los notásemos, sería a causa de que el efecto es incorrecto o innecesario. Tal es el caso de la animación por computadora, que también requiere de una cierta calidad que la haga pasar desapercibida. Sin embargo, esto no ocurre en “Los hermanos Grimm”. En esta película la animación está hecha de la manera más tosca posible. Nada que ver con un cuento de hadas.

Josué Aguirre Alvarado

just like heaven

2006-03-12T04:28:00.000-08:00

Como si fuera cierto

Calificación: Regular-buena

En 1990 se estrenó el filme de Jerry Zucker “Ghost: La sombra del amor”, una película que planteaba un argumento de apariciones no terroríficas que ya había sido expuesto anteriormente en comedias como “Los fantasmas atacan al jefe”, en 1988 o “El invisible Harvey”, en 1950. No obstante, en la obra de Zucker, este mismo componente se renovó al agregársele algo que en otros tiempos hubiese sido considerado repelente: una historia romántica. Pero no más. En Estados Unidos, las últimas décadas del siglo pasado constituyeron un giro copernicano en cuanto a parámetros cinematográficos. De esa manera, con la herencia de la Nouvelle Vague francesa, surgieron concepciones de mezcla de géneros, como es el caso de la mencionada tragedia fantasmagórica, y nuevas designaciones como “filmes románticos” o “Gore”, que derivaron de las estereotipadas “Drama” y “Horror”, respectivamente.

Así, a finales de la década de 1990’, las nuevas nominaciones se irían mezclando, a su vez, con el suspenso (relativamente reciente, también) y la comedia; géneros que comenzaron a armonizar de una manera conciente con los temas románticos en la película de Zucker. Recordemos que ésta introducía el misterio en la averiguación que realizaba el protagonista (Patrick Swayze) acerca de su nueva condición. De la misma manera, “Ghost: La sombra del amor” contenía algunas pizcas de humor a través de la participación de un personaje secundario (el que interpretaba Woopy Goldberg como una médium fanfarrona).

Los filmes románticos. Las comedias. El misterio. Tres géneros de distintas épocas que parecían haberse mezclado desde la década de 1940’, cuando Howard Hawks rodó “La adorable revoltosa”. Sin embargo, entonces no se consideraba una mezcla ¿Alguien sugeriría “Comedia romántica”? No. Por aquellos años, la película fue hecha pensando sólo en comedia. Y es que se ignoraba la alternativa del género Romántico; género que, como medio para mostrar las relaciones amorosas humanas, admite tanta asociación con otras variedades de cine como personajes que protagonicen sus películas. Y es que, a diferencia de otros tipos de filmes como los Bélicos, donde necesariamente se requiere una personalidad luchadora para el rol principal; en las películas románticas cualquier persona puede enamorarse. De esa manera vimos en anticipados ejemplos que un emperador romano se enamora de una soberana egipcia en “Cleopatra”, de Joseph L. Mankiewicz, o que una pobre florista se enreda sentimentalmente con un señor de la alta sociedad en “My fair lady”, de George Cukor. ¿No sería raro, entonces, que en “Ghost: La sombra del amor”, un humano siga enamorado de su novio, aún cuando éste sea un fantasma?

En “Como si fuera cierto” ocurre algo similar. Su director, Mark Waters, aunque se centra en lo fantasioso y lo cómico, ejemplifica de manera acertada la diversidad de relaciones que admite el género romántico. No obstante, en comparación con “Ghost: La sombra del amor”, “Como si fuera cierto” posee algunas deficiencias que le impiden consagrarse como una obra representativa en su clase. Y es que, mientras en la película de Zucker se respetan las partes líricas dándoles un tiempo apropiado; en la obra de Waters éstas son recortadas. Todo ocurre demasiado rápido.

Es verdad que la historia entretiene pero, por su ligereza, es difícil que perdure en la mente del espectador y que sus secuencias se transformen en íconos como aquella escena erótica que protagonizan Patrick Swayze y Demi Moore mientras preparan un jarrón.

En “Como si fuera cierto”, el 80% de la historia se muestra en menos de la primera media hora: Un desafortunado sujeto que acaba de enviudar (Mark Ruffalo) se muda a un departamento donde comienza a recibir la visita espectral de la antigua dueña (Reese Witherspoon) y que no recuerda que es lo que le ocurrido.

El resto de la película lo conforman una serie de gags efectivos, para qué negarlo, con algún que otro giro interesante. Giros que descargan la trama y que la salvan de convertirse en una melosa historia de amor. Así pues percibimos que el clímax de la película no está en un desperfecto con la relación como ocurría en las melosísimas “Amor en Juego” o “Todopoderoso”, sino en un asunto incidental.

Además, la película tiene puntos a favor como la actuación de Reese Witherspoon en un papel que le viene como anillo al dedo por similares representaciones en películas como “Legalmente rubia”. Ahora, en este punto es preciso alabar la actuación de Mark Ruffalo que, aunque no deja de parecer un hombre duro de “Collateral”, no teme soltar algunas lágrimas por ahí. ¿Cómo si fuera cierto? Vale la pena verlo con sus propios ojos.

Josué Aguirre Alvarado

jarhead

2006-02-27T09:47:00.000-08:00

Soldado anónimo

Calificación: Muy buena

“Apocalipis ahora”, de Francis Ford Coppola”; “Pelotón”, de Oliver Stone y “La chaqueta metálica”, de Stanley Kubrick: tres filmes anti-bélicos que se convirtieron en objeto de culto por rechazar aquellas facetas de la guerra que convertían en héroes a los ejércitos para mostrar, más bien, a hombres torturados anímicamente con la idea de la violencia. Así, en estas tres películas, se dejaron de lado los ideales titánicos que mostraban directores como Howard Hawks en “Sargento York”, Brian G. Hutton en “El desafío de las águilas”; o hasta John Wayne con su controvertida “Las boinas verdes”. Y es que en esta trilogía de “guerra contra la guerra”, se expuso con dramatismo el proceso de conversión de un ser humano en máquina de matar.

No quiero expresar que alguna de las tres películas mencionadas es más profunda que otra. Sin embargo, tengo que confesar que simpatizo más con “La chaqueta metálica”, un filme al que he llegado a apodar cariñosamente “la chaqueta de Kubrick”, porque con él, el director se vistió de gala para recibir sus últimas nominaciones en vida (recordemos que injustamente que el premio siempre le fue esquivo). Y es que “La chaqueta metálica”, sin dejar de alabar los trabajos de Stone y Coppola, contiene, a mi modo de ver, la historia más personal y menos pretenciosa de la trilogía. De esa manera vemos que el protagonista de esta cinta, “guasón”, como soldado ostenta (por decisión propia) el puesto menos emocionante dentro de la guerra: periodista de batalla.

Caso similar ocurre con Swofford (interpretado por Jake Gyllenhaal), el personaje central de la película “Solado anónimo”, de Sam Mendes (laureado director de “Belleza americana” y de “Camino a la perdición”). Aquí, el protagonista llega a la Guerra del Golfo creyendo que es útil pero pronto descubrirá, junto a sus compañeros entrenados por años para disparar un rifle de precisión, que han sido sustituidos por aviones bombarderos. Por ello, se mantienen en inactividad. No ganan medallas ni reconocimientos (como tampoco las ganaría “guasón”). No tienen ni voz no voto. Ellos son “soldados anónimos”, aunque preferirían llamarse “Jarhead”, como el título original de la cinta.

“Jarhead”. Cabeza de jarro y cabeza rapada (sin ninguna alusión a los “skinhead”); dos connotaciones. La primera corresponde a la inexperiencia, un apodo que se les impone a las tropas que no entran en batalla; es decir, como el líquido llena al recipiente, la violencia debe satisfacer sus mentes. No obstante, tras la historia que nos narra el protagonista, el sobrenombre adquiere una segunda acepción. Y es que sin ser útiles en la guerra, estos jóvenes se sienten como un depósito vacío. Por otro lado, el significado “cabeza rapada” hace referencia al llamado bautizo militar: el corte de cabello. Recordemos que en “La chaqueta metálica”, se representa bien este momento en la secuencia inicial: jóvenes reclutas sentados en la peluquería del ejercito mientras suena una triste canción que reza “…adiós hogar y hola Vietnam”. De la misma manera, en “Solado anónimo”, se representa este trance mediante el proceso inverso; es decir, el crecimiento del cabello en el retorno a la sociedad.

Pero la cinta de Mendes puede diferenciarse radicalmente del trabajo de Kubrick, pues en “Soldado anónimo” no hay crítica contra la guerra. En el filme, el director parece querer evadir este punto para plasmar una simple historia de personaje: un chico que se acostumbra de manera irreversible a vivir con sus amigos “Marines”. La crítica es, más bien, social y sólo se aprecia cuando los personajes parten y regresan a casa, un marco que se refleja en las palabras que abren y cierran el filme: “...uno puede construir una casa, (…) cambiar un pañal; pero sus manos nunca van a olvidar las armas que disparó en la guerra”.

De más está decir que en “Soldado anónimo” no se hallan largas y recurrentes secuencias de acción al más puro estilo de “Rambo”. Al contrario, los “flop point” llegan muy tarde y de manera tan discreta que es imposible detectar el clímax principal de la película. Esto podría constituir un punto en contra si se tiene en mente la estructura tradicional de cualquier historia (inicio, conflicto y desenlace). Sin embargo, personalmente detecto que la trama ha sido diseñada así para recrear la ausencia de emoción que sufrieron los soldados en una guerra en la que triunfaron, pero que no ganaron.

Josué Aguirre Alvarado

zathura: a space adventure

2006-02-27T09:35:00.000-08:00

Zathura

Calificación: regular (buena para verla en familia)

¿Para qué engañarnos? Sí usted ya vio “Jumanji”, de Joe Johnston, “Zathura” no le va a parecer nada original. Y es que el argumento central sigue siendo el mismo (un par de niños juegan un extraño juego de mesa que los transporta mágicamente a una fantástica aventura espacial), razón por la cual al proyecto cinematográfico, antes de comenzarse a rodar, recibió el nombre de “Jumanji 2”. Sin embargo, y en vista de que se perfila como una película sana y para verla en familia, uno podría conformarse con la originalidad de la historia secundaria. ¿Bastará?

Dos hermanos muy distintos entre sí acaban de sufrir el divorcio de sus papás. Así, un día cualquiera deben quedarse solos en casa de su padre (Tim Robbins) mientras éste sale a trabajar. Entonces, se inicia lo ya sabido con anterioridad. Fantasía: una fórmula que, de la misma manera que “Jumanji”, nos hace acordar a “Las crónicas de Narnia”, con la diferencia de que aquí no es un ropero el objeto que nos transporta a un mundo fabuloso sino un juego de mesa.

Un juego de mesa distinto a “Jumanji”, además. Y es que mientras éste transportaba a un mundo de animales salvajes y cazadores de la sabana africana; “Zathura” traslada ni más ni menos que al espacio sideral. Por ello, usted no debe tomar a esta cinta como una copia de “Jumanji”, sino como un remake creativo o como una nueva adaptación. Considere que ambas películas se llevan diez años de diferencia y que la gran mayoría de niños (porque a ellos va dirigida la cinta) no vivían para entonces.

Además, hay que tener en cuenta que en esta última década hay cosas que han mejorado, como la animación por computadora. Así, usted debe sincerarse: ¿Qué le parecían aquellos monos que se robaban el automóvil de policía en “Jumanji”? ¿bestias digitalizadas? En “Zathura” no ocurre lo mismo. La animación ha evolucionado tanto que, si es que no fuese porque las cámaras no pueden viajar al espacio exterior, juraríamos que los escenarios son reales.

Desafortunadamente, hay cosas que no progresan a pesar de la tecnología. Así encontramos actuaciones un tanto mediocres como las de unos sobreactuados Jonah Bobo, Josh Hutcherson, una insípida Kristen Stewart y un poco simpático Dax Shepard; muy lejano a Robin Willliams, que tuvo casi el mismo papel en la versión original de “Jumanji”.

La crítica internacional ha sido particularmente dura con esta película. Dan dos razones: la primera, porque ha sido dirigida por Jon Favreau, un actor poco exitoso que no ha demostrado mucha pericia como realizador cinematográfico; la segunda, por la falta de imaginación y el parecido a “Jumanji”, que ya venimos advirtiendo desde el comienzo. Usted puede tomar esto en cuenta, si lo desea. Particularmente creemos que con toda la familia podría pasar un buen rato con “Jumanji”, perdón, “Zathura”.

Josué Aguirre Alvarado

der untergang

2006-02-26T08:31:00.000-08:00

La caída

Calificación: Obra maestra

Hiel Hitler!, Bruno Ganz.
En tantas cintas sobre las atrocidades del nazismo (como “La lista de Schindler” o “El pianista), el führer ha adquirido innumerables caracterizaciones que han coincidido casi siempre en mostrarlo como un ser quimérico. Valdría la pena exceptuar de este grupo a aquella puesta en escena del Gran Charles Chaplin: “El gran dictador”, una caricatura anticipada a las acciones del dictador alemán. Igual mención posee el telefilme del canadiense Christian Duguay “Hitler: El reinado del mal”. Esta última obra se caracterizó por humanizar al personaje al exponer su vida íntima, virtud que ha recogido “La caída” para agregarle, no obstante, una de las mejores caracterizaciones de personaje en la historia del cine: la de Bruno Ganz como el Führer. Hitler ha reencarnado.

Y es que el actor, aunque de origen suizo, más que estudiar los discursos públicos del dictador (donde siempre se mostraba sólido), se valió de una cinta magnética de siete minutos en la que Hitler conversaba después de cenar sin saber que estaba siendo grabado. De ese momento casi mágico de honestidad, Ganz construye a un personaje humano, paternalista; vulnerable, aunque no menos guerrero. Un luchador. Así se muestra el führer en aquellas geniales secuencias en las que se reúne con sus generales y poco a poco su impotencia lo va haciendo evolucionar hasta llegar a decir cosas cada vez más incoherentes. Estos fragmentos de película, vale decir, no tendrían el mismo impacto si es que no estuviese ahí Ganz medio despeinado, soltando babas y moviendo la cabeza en una suerte de convulsión explosiva que no hace más que confirmar la naturaleza irascible de su personaje.

Hitler está furioso y razones no le faltan. En esta historia, él es un rey que, dentro de un tablero de ajedrez, juega su destino y el de su país únicamente con dos peones. Para colmo de males siente que lo traicionan sus generales. Pero ¿lo traicionan en verdad? “La caída” nos plantea esta interrogante: Hitler es un hombre romántico que ha dado su vida por un ideal (aunque condenable). Para él es fácil quitarse la vida al confirmar la imposibilidad de su realización. Sin embargo, otros subordinados suyos constituyen la pareja de opuestos: son racionalistas. Saben que la guerra está perdida, que han peleado hasta que han podido y tratan de no hundirse más; creen que su vida y la de su nación tiene algún valor. No ocurre lo mismo con Hitler y sus acérrimos seguidores. Para ellos la vida humana, tal cual lo plantea el filósofo Hegel, es un eslabón dentro de la cadena evolutiva en la que los más débiles (los nazis se han resignado ante la creencia de que son ellos) no merecen vivir.

Por ello el drama del suicido se plantea extensamente a lo largo del filme; tanto, que se convierte en parte de la cotidianeidad de la película y transporta a secuencias como aquella en la que Hitler le regala a sus secretarias una cápsula con veneno mientras que intenta bromear diciendo: “siento mucho no poderle hacer un regalo mejor”. Y es que ante la caída inminente del régimen, el suicidio se plantea como la única salida y el último triunfo. No obstante, nótese que paradójicamente todos temen al proceso de la muerte; es decir a una agonía lenta y dolorosa, que simbólicamente significa vivir en un mundo sin “nacionalismo”. Por ello, los personajes se matan de la forma más rápida posible. Los nazis sólo quieren huir. Y Hitler parece encabezar este grupo de cobardes.

Pero no hay que confundir las cosas. El director Olivier Hirschbiegel no pretende ser un juez. Más bien, trata de ser imparcial e intenta mostrarnos los hechos de la manera más real posible. Por lo tanto, la actitud de Hitler no la inventa él, la recrea a partir de un documento histórico (el diario de una de las ex secretarias del dictador). Así podemos decir que el realizador alemán nos narra una “anti epopeya”. No hay héroes, dioses ni entes sobre naturales: todo lo contrario, los personajes son reales y se enfrentan ante otra realidad.

Hirschbiegel además tiene la virtud de introducir al espectador en el mismo búnker donde se desarrollan las acciones; un lugar que por estar bajo tierra simbólicamente adquiere dos significados. Primero, el de una madriguera, pues este refugio representa el escondite de un animal salvaje ante de un agresor superior. Segundo, el del infierno, pues el búnker, ante el constante bombardeo de las tropas invasoras, se convierte en el lugar más espantoso del mundo.

Pero no es que el espectador esté oculto las dos horas y media que dura el filme en ese lugar. Hirschbiegel sabe cuándo sacarlo de ahí para evitar que las amplias deliberaciones lo aturdan. Así, una secuencia de acción o una toma panorámica del devastado Berlín se convierte en la excusa perfecta para asomar cabeza y presenciar la imponente ambientación. Detalles: van desde los minuciosos acabados de la vestimenta hasta las coberturas que impedían que un automóvil sea presa de un bombardeo aéreo por tener demasiadas luces.

Blitzkrieg
La guerra ya está decidida. Deliberadamente se han obviado seis años de batalla y una infinidad de historias personales de judíos en un campo de concentración. Estos son temas interesantes, fácilmente manejables; no como el que escogió Hirschbiegel, una historia particularmente difícil de manejar por la escasa documentación que existe al respecto y por lo poco acostumbrado que podría hallarse un público sediento de emoción y aventura ante esta clase de tramas decadentes.

Josué Aguirre Alvarado

cheaper by the dozen 2

2006-02-26T08:06:00.000-08:00

Más barato por docena 2

Calificación: regular

Lo mejor: Steve Martin y Eugene Levy; dos comediantes que saben sacarle el jugo a guiones tan mediocres como el que posee esta película. No ocurre lo mismo con actores como Tom Welling, Piper Perabo, Hilary Duff o Carmen Electra; una colección de famosos que, si bien tiene el mérito de no haberse separado después de la primera parte, no hace más que constituirse como un insípido coro anónimo que no perdura. Por eso es posible afirmar que Martin y Levy (que vuelven a compartir créditos después de “El padre de la novia”), a nivel de actuación, se han convertido en verdaderos conductores de la comedia.

De ese modo, los pocos momentos graciosos en el filme son de ellos. Y aunque éstos no sean más que situaciones trilladas como la típica secuencia en la que los personajes son confundidos como homosexuales; Martin y Levy se las ingenian para arrancar algunas carcajadas. Porque ¿a veces no ocurre que un chiste viejo de pronto se vuelve gracioso en boca de alguien que lo sabe contar?

“Más barato por docena 2” es la historia de Tom Baker (Steve Martin) que, tras el anuncio de la mudanza de dos de sus hijas, decide hacer un viaje junto a su familia con la melancolía de que va a ser la última vez que tomen vacaciones juntos. Sin embargo, al llegar a su destino, la situación se convierte en una competición contra sus adinerados vecinos que pronto incluye a todo su clan.

La película, basada en la novela de Frank Bunker Gilbreth Jr., a simple vista puede ser apreciada como una crítica a favor de las costumbres familiares que parecen estar quedando obsoletas. No obstante, también puede tomarse como la lucha entre dos ideologías que dominan el pensamiento estadounidense: el liberalismo, encarnado en la figura de Tom Baker y la dictadura, representada por el insoportable vecino Jimmy Murtaugh (Eugene Levy). Nótese que no es casualidad que el primero tenga un apellido anglosajón y que el segundo no.

El final de la historia principal se anuncia desde el comienzo. Por ello, es un poco más intrigante advertir cómo se desenvuelven tramas secundarias como el enamoramiento de la pequeña hija de Tom, Sarah (interpretada Alyson Stoner). Precisamente, vale comentar que con esta niña, Martin protagoniza una de las secuencias más divertidas del filme: la planificación de una broma al vecino.

Josué Aguirre Alvarado

toolbox murders

2006-02-26T07:51:00.000-08:00

Terror en el piso 13

Calificación: Buena

Pocas películas de terror estrenadas en nuestro medio han sido tan efectivas en términos de espanto como “Toolbox Murders”, la última película del veterano director Tobe Hooper. Con esta cinta, que constituye un remake de la controversial setententera “The Toolbox Murders” (un filme al que se le reprocha el exceso de violencia gratuita); el realizador alcanza la originalidad creando toda una atmósfera propia del suspenso que mezcla de a pocos con el más sangriento estilo gore.

Esto no es una improvisación. Hooper, aunque menos conocido que sus colegas Wes Craven o John Carpenter, ha demostrado su pericia en el género del terror con cintas como “La masacre de Texas”, de 1974 o “Poltergeist”, de 1982. Sin embargo, no se puede afirmar que la totalidad de su obra es una joya cinematográfica. En la década de 1990’, películas como “The apartment complex” o “El cocodrilo”, hicieron que su filmografía decaiga con relación al nivel que había mostrado años atrás. Pero ahora, con filmes como “Toolbox Murders”, todo parece quedar atrás como una mala racha. Ahora se puede señalar que Hooper ha regresado a lo bueno.

La historia se desarrolla en un hotel de sólo seis pisos (lo que contradice enteramente la nefasta traducción “Terror en el piso 13”). La cámara se interna en el edificio desde una primera escena; ingresa por el lobby, sube el ascensor y entra a una habitación. A partir de ese momento, la máquina no vuelve a salir jamás. Nunca. Como espectadores parecemos encerrados por el director dentro de un espacio aparentemente cordial pero que tiene en las entrañas algo diabólico. Y este “algo” se va poniendo al descubierto poco a poco, en el momento preciso y de manera cuidadosa para no que no llegue a volver inmune al espectador, como suele ocurrir en las típicas películas de horror.

De esa forma, es preciso señalar que Hooper nos asusta sin depender de los recurrentes golpes de sonido. Y es que el director explota todas las formas posibles; desde lo repulsivo (como la cara del villano) hasta las provocadas incoherencias con las que rompe la clásica manera de ver una película de terror. En este último punto no hay mejor ejemplo que aquella secuencia en la que una de las víctimas ve cómo se abre misteriosamente la puerta de su habitación mientras el asesino irrumpe contra todo pronóstico por una ventana.

Asimismo, los detalles narrativos son una delicia. Se alternan paralelamente las historias de los vecinos de piso con una trama principal y, como si fuera poco, también se le entremezcla la leyenda del desaparecido dueño del edificio. De esta manera se va terminando de retocar esta casi perfecta obra que hizo que Hopper –posiblemente muy cansado- renuncie a la tarea de buscar herramientas aterradoras para exhibir sus propios instrumentos en la pantalla grande.

Vale comentar además que “Toolbox morders” ofrece una visión distinta a la que brindan las películas Norteamericanas. Y es que en este filme, la tradicional concepción de equipo se destruye en favor de una narración más realista que tiene al hombre como a un ser egoísta por naturaleza. Así, cuando cazan a uno de los compañeros en medio de una excursión, nadie regresa a salvarlo; más bien, el que puede huye para no se atacado. Esto nos lleva a preguntarnos: ¿Eso haríamos en la realidad?

Josué Aguirre Alvarado

la mujer de mi hermano

2006-02-23T04:55:00.000-08:00

La mujer de mi hermano

Calificación: buena

“Y el menos malo es…” Esta parece ser la decisión que deberá tomar la protagonista del filme; Zoe, interpretada por una radiante Barbara Mori. Y es que este personaje se va a entregar, por decirlo de un modo, como un premio a uno de dos hermanos. Lo interesante es que uno de ellos es su esposo Ignacio (Christian Meier). Él lleva consigo un secreto que le impide convertirse en el hombre perfecto. Sin embargo, en comparación con su consanguíneo Gonzalo (Manolo Cardona), que con su apariencia descuidada y su lujurioso estilo de vida personifica al demonio mismo; Ignacio es un santo. Su modo de vestir, su nombre de mártir y la música que oye son reminiscencias a lo divino.

Zoe, por otro lado, representa a la humanidad en sí: a la voluntad racional que oscila entre ambos caminos. ¿El del bien y el del mal? No. Aquí debemos considerar que, a Jaime Bayly, siempre le ha interesado (con la sexualidad de por medio) mostrar a los seres humanos como un compuesto de bondad y maldad. Por ello, si al comienzo todo se veía en blanco y negro -siguiendo con esta analogía- al final el gris predomina.

¿O deberíamos decir el celeste? Sí. En términos técnicos, el color celeste tiene cierta predominancia con respecto a los demás colores a lo largo de la película. Y es que esta tonalidad vuelve más frías las atmósferas y carga las acciones que acontecen de un pesimismo absoluto. Pero, ciertamente, ésta no es la única connotación que tiene el celeste. Si nos metemos al plano narrativo podemos decir que este color es el mismo que poseen las aguas de la piscina de la casa de Ignacio y Zoe; un lugar común que une y desune a los protagonistas, que siempre permanece bien cuidado y que hasta sirve como un escape ante la impotencia. También es un espacio en el que, al principio del filme, Ignacio rescata a un insecto y dice una frase que bien podría ser aplicable a la condición de su hermano y de su mujer: “Qué sería de ti sin mí”.

Pero centrémonos en la estética. Y, ya que hablamos del uso de los colores. ¿Por qué no decir algo sobre el uso de la luz, la duración de cada plano, los encuadres, los decorados? Por que todo parece ser un plagio de un estilo cinematográfico japonés que parece no cuajar muy bien con las maneras latinoamericanas. ¿Será por culpa del debutante director peruano Ricardo de Montreuil o será una imposición de la multimillonaria productora “Twenty Century Fox”? No lo sabremos. Pero lo que queda claro es que el dinero sobró y, a causa de ello, no faltaron algunas contrataciones intrascendentes como la de Beto Cuevas o la de Angélica Aragón: una estrategia de marketing. Taquilla. Cualquier otro actor sin ser tan famoso pudo haber llevado mejor papeles tan secundarios.

Con todo, no se puede dejar de mencionar que la historia atrapa de principio a fin, que los nudos son fuertes y que los personajes centrales están bien constituidos. La dirección de actores también es digna de reconocimiento y, aunque Bayly proteste (porque seguro que habrá metido su cuchara), hay que decir que a la película tiene el mérito de no mostrar ni una parte íntima del cuerpo en sucesivas y largas escenas eróticas que, sin embargo, no pierden ningún contenido lírico.

Ahora, también hay que mencionar algunos desaciertos como aquel horroroso dejo de mexicano que ha tenido que asumir cada actor. Y es que ninguno de los protagonistas es azteca: Mori es uruguaya; Meier, peruano y Cardona, colombiano. ¿Homogeneización? Horrible. La película pudo evitar este lenguaje vulgar porque su tono era más refinado y menos poblado de esas jergas que nos recuerdan a una telenovela mexicana.

Josué Aguirre Alvarado

fever pitch

2006-02-23T04:47:00.000-08:00

Amor en juego

Calificación: mala

La película acaba y el espectador se queda con algunas preguntas: ¿En realidad se enamoraron los protagonistas? ¿Qué es lo más importante: la trama del romance o un homenaje a los “Red Sox”? Pobre. Qué mala pasada le han hecho los directores Peter y Bobby Farrelly con esta cinta. Y eso que ya tienen experiencia y algunos aciertos en el género de la comedia romántica como “Loco por Mary” o “Ciego amor”.

“Amor en juego”. Todo parece querer ser un juego; el juego de hacer una película de Hollywood y de olvidarse de detalles importantes como el de plantear una trama con un nudo fuerte y hacer un “Home run”, en términos de deporte gringo. Y es que aquí se ha planteado una historia basada en un comienzo y un final empolvado por los siglos: “había una vez… (coloque una argumento banal)… y vivieron felices para siempre”.

Además, falta justificar algunas cosas como la reconciliación entre los protagonistas que se percibe tan repentina y tan pomposa que, después de una decisión tan terminante por parte de la chica, podría representar una cachetada para el espectador.

No obstante, la película tiene dos cosas buenas: lo primero es la belleza de Drew Barrimore, sólo su belleza. Sabemos que semejante afirmación le representa un estigma que la actriz ha querido desechar en filmes como “Confesiones de una mente peligrosa”. ¿Lo logrará? No lo sabemos. En todo caso, esta película le ha supuesto un retroceso en sus ambiciones. Lo segundo son algunos pocos golpes de humor que arrancan ligeras carcajadas. ¡Pero ojo! Sólo algunos; es decir, los que no protagoniza Jimmy Fallon, que se ha empecinado en contar miles de chistes malos y hacer tantas payasadas que se vuelve francamente odioso.

De al misma manera, algo que le queda muy mal a la película es el narrador, el viejito que vende esponjas. Él es un personaje simpático. No lo negamos. Sin embargo, no pinta ningún mono en la película y, por ello, no posee la suficiente autoridad como para hablar de la vida del protagonista.

Josué Aguirre Alvarado

the chronicles of Narnia

2006-02-22T08:10:00.000-08:00

Las crónicas de Narnia: el león, la bruja y el ropero

Calificación: Buena y un poco más

Hace seis décadas, C.S. Lewis y J.R.R. Tolkien se reunían en un bar de Oxford para conversar de literatura y escribir una serie de libros de aventura y fantasía con la que tomaron la posta a Oscar Wilde y a Rudyard Kipling. Pero no sólo hicieron eso. Mediante la ilusión y la introducción de mundos mágicos dotaron al género de una utilidad antes no imaginada: la de escape temporal a la devastación que significó la Segunda Guerra Mundial. De esa manera se originó la “Tierra Media” y “Narnia”.

Aunque parezca raro, en la actualidad, el contexto no es tan distinto al de la época de Lewis y Tolkien, ya que el conflicto de Oriente Medio ha ocupado el lugar de la guerra del mundo y, en contraposición, autores como J.K. Rowling se encargan de llenar la vida de magia. Y ¡Vaya coincidencia! Dos cineastas neozelandeses (Peter Jackson con la saga de “El señor de los anillos” y Andrew Adamson con “Las crónicas de Narnia”) parecen coincidir en su pretensión de darle espacio en el séptimo arte a las aventuras fantásticas de los antiguos amigos del bar.

Lewis y Tolkien. Ambos han plasmado características comunes en sus obras. Una de ellas fue la creación de mundos ajenos al espacio y tiempo en el que vivimos. Otra es la introducción simbólica de temas religiosos. Ejemplo de ello leemos en “El señor de los Anillos” que a Frodo se le encarga una misión muy similar a la de Jesús y sus apóstoles. De la misma manera, en “Las crónicas de Narnia”, podemos ver cómo el león se sacrifica por los suyos de la misma manera en la que lo hizo Cristo.

Pero, por otro lado, Tolkien y Lewis tenían elementos distintivos. Por ejemplo: Tolkien crea sus personajes basándose en el folklore europeo, en obras como el poema épico alemán el “Cantar de los nibelungos” que narra la historia de un guerreo que se apodera de una espada mágica, tal como el anillo de la historia. Lewis, por el contrario, introduce directamente personajes de la mitología griega como Faunos y minotauros a la par que introduce animales comunes y silvestres que parecen estar vedados en la obra tolkieniana.

La película
Ya habíamos hablado del horror de la II Guerra Mundial y el escape que la fantasía implica. Para Lewis el escape debe darse por medio de una transición lógica para que esté al alcance de todos (al contrario de Tolkien, que iba de frente al grano). De esa forma vemos que la historia se inicia con la guerra real de la que los protagonistas escapan para introducirse en un mundo ficticio. Y, una vez inmersos ahí, la guerra les sigue los pasos en “Narnia” de una manera limpia y más honorable que el cobarde bombardeo Nazi del que escapan al comienzo del filme.

Pero una batalla es una batalla, al fin y al cabo. Y, como tal, es normal que la gente muera o que salga herida, cuando menos. La adaptación cinematográfica aquí peca de ser demasiado blanca. Quizá ocurra porque la productora Disney tiene que cuidar un mercado. Sin embargo, lo cierto es que en todas las secuencias de lucha no se aprecia ni una sola gota de sangre.

Ahora, este es un detalle mínimo que no le quita mucho brillo a la película, pues no parece faltarle nada a excepción de un tránsito más pausado que de coherencia a la conversión de los niños en guerreros; ni sobrarle nada a excepción de unos castores demasiado gratuitos que nos hacían recordar a la odiosa ardilla de “La era del hielo”. Hay otras cosas buenas que posee el filme. Así, podemos mencionar la excelente participación de Georgie Henley en el rol de la pequeña Lucy, una carita de ángel de la cualquiera se enamora. También valdría la pena nombrar a Skandar Keynes interpretando al hermano “malo”, bien escogido por sus características físicas oscuras y su mirada agria.

Josué Aguirre Alvarado

the door in the floor

2006-02-22T07:52:00.000-08:00

Una mujer infiel

Calificación: Muy buena

El archiconocido escritor John Irving debe estar contento. “Una mujer difícil” es la tercera novela suya que es adaptada a la gran pantalla. Sí, una parte de su obra publicada en 1998 le ha servido al director Tod Williams para rodar su segunda cinta después de haber sido seleccionado en el festival de cine independiente de Sundance con “The Adventures of Sebastian Cole”. Estamos hablando de “Una mujer infiel”, un filme que, según The New York Times, puede considerarse como “una de esas escasas películas que son mejores que el libro en el que se basan".

“Una mujer infiel” nos trae la historia de un campechano escritor (Jeff Bridges) que, tras la muerte de sus dos hijos en un accidente automovilístico, comienza a sentir que su matrimonio se desgasta a tal punto que toma la decisión de renunciar a su esposa (Kim Basinger). En ese momento, un personaje entra en sus vidas: un joven aspirante a escritor (Jon Foster).

Pero, ¿por qué se dice que “Una mujer infiel” puede considerarse como una película mejor que el libro en el que se basa? Antes de responder, debemos hacer una acotación: ninguna obra de arte puede ser mejor que otra, sólo puede ser distinta. No obstante, si hablamos en términos de expresividad, sí es posible expresar que una es más competente que otra; “Una mujer infiel”, en este caso. Y es que el filme posee una excelente composición de personajes que va perfectamente complementada por un duro trabajo de guión y una buena selección de actores.

De esa manera apreciamos a un inigualable Jeff Bridges algo subido de peso, con una apariencia descuidada, vestido con bata e interpretando a un escritor de comportamiento romántico que irónicamente sólo escribe cuentos para niños. La aparición de este personaje (en torno al cual gira toda la historia) tiene doble significado. Por un lado, representa al arte mismo y por eso lo percibimos indeciso, libre, indefenso, sencillo. Por otro lado, su comportamiento es el de un niño, el del protagonista de su propio cuento que, a propósito, concede el título original a la cinta “The door in the floor”. Es por ello que podemos ver en él a un personaje juguetón (el único que aporta comedia a la cinta), a un ser que no teme desnudarse de las dos maneras posibles: físicamente, al tomar una ducha frente al joven escritor; y espiritualmente, al narrar la historia de la muerte de sus dos hijos.

A propósito, vale la pena mencionar que el clímax de la película consiste únicamente en la narración de aquel acontecimiento: pero una narración pura. A un lado quedan los acostumbrados flash back, las voces en off u otros recursos audiovisuales. Y es que el director parece haber querido que la película, más que basada en una obra literaria, sea un homenaje hacia el oficio de narrador oral y literario.

Sin embargo, esto no quiere decir que los elementos cinematográficos se vean despreciados. Su aparición sigue siendo importante y eso se nota en tomas misteriosas como la de aquella una luz direccional que acompañará el desarrollo del filme. Esta imagen, que al principio puede ser entendida como un “seguir adelante” o un “cambia de rumbo”, no perderá significado hacia final, mas nos sorprenderá de donde ha sido extraída.

Josué Aguirre Alvarado

In her shoes

2006-02-21T08:47:00.000-08:00

En sus zapatos

Calificación: buena

Tras una corta pero admirable filmografía que incluye títulos como “L.A. Confidential” u “8 millas”, Curtis Hanson nos trae una nueva película; un lío de faldas entre dos hermanas con vidas opuestas. Una de ellas es Rose Feller (interpretada por una inmejorable Toni Collette), una mujer con tan baja autoestima que llega al punto de regalarse a sí misma zapatos porque considera que es lo único que le queda bien. La otra hermana es Maggie Feller, una chica rubia, guapa y conquistadora cuya vida es un completo desorden. ¿A alguien se le ocurre mejor actriz que Cameron Diaz para este papel?

Posiblemente no. Y es que todos hemos visto el lado divertido de Cameron Diaz en cintas como “Los ángeles de Charlie” o “La cosa más dulce”. Pero ahora, en “En sus zapatos”, presenciamos la parte oscura de aquella vida libertina; un modo de vivir que en la realidad ocasiona muchos conflictos entre los seres queridos. Por ello, en este filme tenemos un drama familiar que golpea duro en secuencias como aquella en la que, tras una pelea, a Maggie no se le ocurre otra cosa más gruesa que decirle a Rose “cerda asquerosa” mientras que su hermana le reprocha no tener nada más punzante para insultar después de haber convivido tanto tiempo. No menos fuerte es aquella secuencia posterior en la que Maggie es tratada como una prostituta por el amante de su hermana sin que este último sea conciente de sus actos.

Sin embargo, después de estas secuencias, los golpes dramáticos cesan para convertir al filme en una obra más digerible por todos los públicos. Y en ese objetivo, la cinta parece ir casi transformándose en una ligera comedia romántica. Así, conforme va avanzando la historia, comienzan a aparecer algunos clichés como los antipatiquísimos primeros planos de las mascotas, el príncipe azul perfecto por sus cuatro costados o el final con boda incluida. ¿Un fracaso? Recordemos que dijimos “casi”.

“En sus zapatos” está repleta de detalles originales que le ganan por puntos a los elementos convencionales. Detalles. Estos se encuentran a lo largo de la historia. Uno de ellos son los zapatos, objetos que pueden considerarse elementos de cohesión. Y es que, por la coincidencia de tallas, el calzado simboliza la historia que tienen en común ambas hermanas. En otras palabras: las dos calzan en los mismos zapatos, por ello, ambas se han puesto o se ponen en el lugar de la otra, como dice la frase popular. Estamos hablando de una serie de vivencias que continuamente son sacadas a la luz en los momentos de alegría y que se encargan de reunir a las protagonistas con la ayuda de un familiar que parecía haber desaparecido: la abuela.

La abuela, interpretada por una Shirley MacLaine que últimamente ha construido una imagen de abuela jocosa en películas como “Carolina” o “Hechizada”, también representa otro elemento de cohesión para los protagonistas y para la historia en sí, pues su incursión hace que la trama (que ya se encontraba separada en dos planos) se vuelva a unir.

Asimismo, también es fácilmente apreciable un elemento de “salvación”: el arte. Éste, materializado en la poesía anglosajona de autores como Emily Dickinson, cumple el rol de reconstruir poco a poco la interioridad de Maggie. De esa manera, contraria a la concepción freudiana del arte como catarsis, la lírica cumple el rol de recargar de conciencia a un personaje en una especie de “levantamuertos”.

Dentro de los recursos técnicos debemos decir que las escenografías están muy bien compuestas, son expresivas: se van haciendo cada vez más cálidas conforme se desarrolla la película. Además, vale la pena comentar acerca de los montajes que, a manera de flashes del pasado o de resumen de una historia remota, se encuentran correctamente dosificados. No se perciben abusivos como en otros filmes horriblemente efectistas.

Josué Aguirre Alvarado

the final cut

2006-02-21T08:23:00.000-08:00

Más allá de la muerte

Calificación: Mala

Robin Williams debió haber interpretado a superman en lugar de un editor de memorias. Al veterano actor de “Papá por siempre” o “La sociedad de los poetas muertos”, en “Más allá de la muerte”, lo encontramos tan inexpresivo que parece ser un hombre de acero. Valga la analogía; incluso lo golpean y le disparan y ni siquiera se queja del dolor. Parece que ha rodado la película obligado. Incluso Mira Sorvino, aunque con su personaje de amante del protagonista que no tenía nada que hacer en el filme, se le ve mucho más expresiva y más compenetrada con este pobre guión que, más allá de la ciencia ficción, no atrae de ninguna forma.

Vale comentar que este filme, debut del director Omar Naïm, parece haber sido mal montado por uno de esos “editores descuidados” (como los llaman en un momento de la película) que olvidaron colocarle un buen desenlace. De esa manera, no hace falta decir que la cinta resulta demasiado corta (dura a penas hora y media) y más aún cuando se pretende solucionar tantas interrogantes que ahogan la trama para finalmente dejar todo lo intrigante de lado (los crímenes que tenía que maquillar el editor o el conflicto que generan las organizaciones contrarias a la inserción del chip Zoe) para solucionar un intrascendente trauma infantil que padece el protagonista.

Ahora, la película tiene algunas pequeñas cosas novedosas. Una de ellas es la ambientación de la trama en un presente alterno, cosa que no ocurre con la mayoría de filmes semejantes en los que se recrea un futuro muy costoso de exhibir y mucho menos expresivo que el de “Más allá de la muerte”; “La memoria de los muertos, como se tituló en España; o “The final cut”, el título original: quizá una remembranza al nombre del último disco de los británicos “Pink Floyd”.

Josué Aguirre Alvarado

o casamento de romeu e julieta

2006-02-16T10:24:00.000-08:00

El Casamiento de Romeo y Julieta

Calificación: Buena

Así como Orson Welles en 1962 adaptó la novela de Franz Kafka “El proceso”, Milos Forman en 1989 rodó “Valmont” basándose en la obra “Las amistades peligrosas” de Pierre-Ambroise Choderlos y Peter Jackson condensó cada volumen de “El señor de los anillos” de John Ronald Reuel Tolkien; el director brasilero Bruno Barreto ha demostrado que también se puede realizar un proceso inverso y dilatar, en una película de hora y media, algo tan pequeño como el cuento “Historia de amor”, de Mario Pratta.

Así surgió “El casamiento de Romeo y Julieta”, una cinta a la que no le sobra nada, un filme bastante jocoso que, aunque no se puede negar que está hecho para el deleite de la colectividad, por su trasfondo social, puede catalogarse como una pequeña joya del cine carioca.

Ahora, quizá para el público peruano, la idea de una rivalidad tan grande como la que se tienen dentro del filme los fanáticos del “Palmeiras” con los del “Corinthians” puede resultar un tanto increíble. Sin embargo, debemos tomarlo como una nueva adaptación de la enemistad que se tenían las familias Capuleto y Montesco en la conocida obra de William Shakespeare. Por ello, no en vano los protagonistas se llaman “Romeo” y “Julieta”.

Pero nada más. Fuera de estas analogías no debemos tomar elementos de la obra del dramaturgo inglés como su conocido el trágico final para compararlo con el “y vivieron felices para siempre” que nos ofrece esta película al más puro estilo de Hollywood.

Este parece ser el único defecto que, además, se ve aumentado por haberle precedido un gran conflicto entre personajes que se quedó en el aire. Podríamos agregar que fastidia un poco el hecho de que los micro clímax se vean deliberadamente interrumpidos por la introducción de situaciones cómicas. Sin embargo, nos saldríamos del contexto, pues ya dijimos que la película está destinada al entretenimiento y, en ese sentido, debe tentar a ser más divertida que profunda.

Aún así, podemos apreciar claramente dos tipos de recursos narrativos. Por un lado el empleo de la caricatura en figuras como la del suegro de Romeo, un acérrimo “Palmeiriano” y la furibunda bisabuela (¿tendrá la edad suficiente pare serlo?), comandante de la barra brava del “Corinthians”. Por otro lado, presenciamos la introducción de símbolos como el despojo de la camiseta de Romeo en las escenas finales. Aquí vemos que el protagonista ha renunciado a ser etiquetado por el amor. Además, también podemos percibir una fuerte discusión entre ambas familias en una plataforma deportiva que paulatinamente se convierte en un partido de fútbol con barras incluidas.

Josué Aguirre Alvarado

house of the dead

2006-02-16T09:58:00.000-08:00

La casa de los muertos

Caificación: Mala con ganas

Muchos zombis y poca imaginación. “La casa de los muertos” Es la típica historia de un grupo de jóvenes víctimas de una macabra emboscada. Sí, jóvenes y hermosos: una constante en el cine de terror que se infunde espanto al enfrentar a éstos con la monstruosidad absoluta. Estamos hablando de una disputa que se da desde que se reconoce al “terror” como género cinematográfico y que parece seguir siendo efectiva en la actualidad en filmes como “La casa de cera”, “La llave maestra” y, como era de esperarse, en “La casa de los muertos”.

Este enfrentamiento no es condenable siempre y cuando posea un trasfondo sólido, una justificación; una característica que se ausenta en “La casa de los muertos”, el último trabajo del director alemán Uwe Boll: una película poseedora de una trama tan vacía que sólo sirve para llevar a los personajes a una secuencia de acción. Por ello vale decir que el realizador está abismalmente lejos del tratamiento bizarramente humano que bien dominaba George Romero, pionero en este tipo de cine llamado de “case b”.

De esa manera, en “La casa de los muertos”, los conflictos sicológicos y entre personajes que bien aparecían en las películas del buen Romero, se omiten en favor de gratuitas secuencias de acción donde los protagonistas, jóvenes cabeza hueca que se dirigían a una fiesta, se transforman inverosímilmente en auténticos guerreros. Y todo mediante abusivos efectos de cámara y transiciones marcadas por las pantallas del videojuego que inspiró el filme.

Seguramente Boll pensó que éstas podrían darle cierta originalidad al filme. Sin embargo, ocasionan un efecto contraproducente: risas. Recordemos que este recurso había sido utilizado cómicamente en la década de 1960’ con la popular serie televisiva “Batman”. En ella, los golpes eran representados gráficamente por cartelitos que decían “Pow!” o “Awww!”.

Ahora, por este desacierto, y como el director parece haber advertido que la película causaba todo tipo de reacciones menos las que debería, sobre la edición debe haber ordenado subir en un 500% el volumen de las secuencias de terror. Por eso, le recomendamos al espectador llevar algodones para los oídos porque esta es una película con altísimos contrates de sonido. Mucho ruido y pocas nueces.

De esa manera veremos al inicio algunos desnudos y escenas de sexo muy desenfadadas pero que no aportan absolutamente nada al desarrollo de la trama. Además, escucharemos la intromisión de un narrador completamente inútil que lo único que hace es quitar toda la intriga al comentar, desde el comienzo, quiénes van a morir. Pero ¡ojo!, esto no es siempre algo negativo. Puede representar un reto perfectamente aceptable para el guionista que tenga la capacidad de crear otra clase de intrigas que desvíen la atención de lo comentando en el inicio. Pero de nuevamente: esto no ocurre con “La casa de los muertos”.

Josué Aguirre Alvarado

king kong

2006-02-15T09:11:00.000-08:00

King Kong

Calificación: Muy buena

Con la versión cinematográfica de “El señor de los anillos, Peter Jackson ha marcado un hito en historia del cine. Y es que el director neozelandés tiene el mérito de haber transportado coherentemente a la pantalla grande todo el universo mágico que habría imaginado John Ronald Reuel Tolkien al escribir su conocida obra. Fantasía. ¿Cómo sospechar que detrás del genio creativo del realizador se esconde una fascinación por el bizarro cine de terror de “serie b”? ¿Increible? Ambas cosas coexisten en la mente Peter Jackson, creador de los filmes de culto “Braindead: tu madre se ha comido a mi perro” y “El delirante mundo de los Feebles”; ambas obras de Gore.

De esa manera, con “King Kong”, la nueva adaptación del clásico filme de 1933 de la desaparecida productora RKO (la que hizo posibles filmes como el laureado “Ciudadano Kane”), el realizador ha sacado de la manga algunos recursos excluidos en su trabajo previo. Así, ahora nos muestra elementos aparentemente muy dispares, pero que se ajustan más a sus inicios como director: la inserción de largas secuencias en las que aparecen repugnantes insectos gigantes o rarísimas persecuciones de dinosaurios que terminan en un nudo, literalmente hablando.

Sin embargo, es preciso comentar que Jackson no sólo se queda en lo extraño. Avanza un paso más, se pasa de la raya y muestra inverosímiles escenas de “lucha libre” entre “King Kong” y cuatro saurios (recordemos que el la cinta de los años 30’, la pelea era más moderada y era de uno contra uno). Esto constituye un desatino, pues aquí la bestia peluda parece convertirse en un luchador profesional dejando de lado todos los gestos que bien lo caracterizaban como a un animal salvaje. Éste defecto, junto al abuso de una insípida cámara lenta, parecen ser los dos únicos errores de Jackson en el filme, dos tropiezos que se pierden en un mar de aciertos.

Uno de estos tinos está en el trabajo de cásting que puso en el rol protagónico a una deslumbrante Naomi Watts. La actriz lleva muy bien el papel de Ann Darrow pues, con sus ojos grandes y llorosos, le imprime el drama y la duda que necesita un personaje protagonista de un extraño triángulo amoroso. También es digno de reconocimiento el desempeño del “pianista”, Adrien Brody, que parece convertirse, contra todo pronóstico, en uno de los personajes cómicos del filme cuando esperábamos que Jack Black ponga la cuota del humor. Y es que el actor de “Ciego amor” interpreta al productor Carl Denhamun, un ser obsesivo que va evolucionando hasta convertirse en el malo del filme.

Carl Denhamun. Este personaje, que bien podría pasar desapercibido, cumple la importante función de registrar los fabulosos hechos que están aconteciendo en la expedición. De esa forma, su profesión de cineasta se confunde con la de un periodista o un historiador. Para él, el destino le prepara un drama: perder todo su material fílmico en una persecución. Por ello, y de manera apasionada, ambiciona un plan más arriesgado; todo para que su público (al que nunca olvida) pueda presenciar lo que él ha visto. Es un romántico.

Pero él no es el único que evoluciona. El mismísimo “King Kong” paulatinamente se va humanizando. De ello pueden dar fe la contemplación de atardeceres o la frenética búsqueda de la protagonista en la ciudad. La transformación de este personaje está marcada por el afecto que le tiene a Ann Darrow. Esto también es un tanto bizarro. Sin embargo, no es obra de Jackson, pues este argumento también se repite en la cinta original de 1933 dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. Vale comentar que el filme original estaba basado en la historia de “La bella y la bestia” con la que también se realizó un bien recibido remake en 1976.

Estas dos obras, junto al actual filme de Jackson, son dignas representantes de los efectos especiales. La primera película dio a conocer la novedosa técnica de la animación cuadro por cuadro; la segunda, el empleo de robots; y la tercera, la animación por computadora que parece haber alcanzado un nivel definitivo con esta realización. Más aún si la animación fue realizada con el registro de movimientos y gestos del actor Andy Serkis, el mismo que le dio vida a “Gollum”, en “El señor de los anillos”.

“King Kong” es una película a la que no le falta nada. Posee, a pesar de sus tres horas de duración, una acción justa y bien dosificada. Por tanto, es casi imposible que el espectador se pueda aburrir con semejante obra que bien se puede clasificar como una aventura, aunque con algunos toques románticos.

Josué Aguirre Alvarado

chicken little

2006-02-15T08:32:00.000-08:00

Chicken Little

Calificación: Muy mala

Sería absurdo criticarle a “Piratas en el callao”el no tener una calidad gráfica semejante a la de cualquier película de animación del mercado cinematográfico mundial. Sabemos bien que esta cinta nacional es pionera en Latinoamérica, un lugar donde ciertamente no se produce este tipo de cine. Además, es de saber público que el filme apenas contó con un presupuesto de unos cuantos cientos de miles de soles, una miseria si lo comparamos con cualquier realización de Hollywood.

No obstante, no es absurdo –y por lo contrario es necesario– quejarnos del mediocre trabajo digital que representa “Chicken Little”, una película de animación que, a pesar de contar con un presupuesto multimillonario y el respaldo de la productora “Disney Pictures”, bien puede quedar al mismo nivel que su contrincante peruana. Y es que la productora anglosajona, sin el apoyo creativo de los estudios digitales “PIXAR”, ha dejado de rodar cintas de altísima calidad estética como “Toy Story” o “Buscando a Nemo” para emprender, en términos cualitativos, una caída vertiginosa en la que “Chicken Little” parece ser uno de los puntos más bajos.

El mediocre trabajo gráfico de “Chicken Little” se aprecia, por ejemplo, en el diseño de los personajes: animales de granja poco simpáticos, poco carismáticos e incapaces de producir alguna emoción. Parecen haber sido construidos en base a la exageración de sus defectos. De esa manera, nos encontramos con estereotipos elevados a la máxima potencia: pequeñísimos, demasiado gordinflones, muy feos y muy juguetones; dependiendo del caso.

Éstos no hacen reír por sí solos. Menos si es que van a protagonizar una serie de guiños a otros filmes famosos o a entonar canciones setenteteras (efectos muy recurrentes en la mayoría de películas infantiles). Éstas reminiscencias constituyen el único elemento con que se trata de dar vida a una historia que carece de todo suspenso, de todo conflicto; en definitiva. Y es que la trama se resuelve avisadamente como un cordón anudado del que basta tirar por sus extremos para que se desate.

Mención aparte merece la agresiva campaña publicitaria. Estamos hablando de un tráiler con una melosa tonada en el que aparecía bailando sin cesar el pollo protagonista tras una pregunta: “¿puede un pequeño pollito salvar al mundo, bailando?” La respuesta parece haber sido que no, pues el protagonista no baila en ningún momento de la película. Menos aún sale de un cascarón como insistieron en publicitar los carteles: “Una película con huevos” en nuestro medio o “Un nuevo héroe sale del cascarón”, en otros países con más decoro. Todo con tal de enganchar al público.

Y, precisamente, de esa forma se ocultaba la misma historia de siempre, la misma fórmula (padres / hijos + ambiciones = triunfo asegurado). No obstante, se puede comentar que aquí se ha empleado una variante: se entrelaza una trama en la que toda la ciudad odia al protagonista por no mostrar lo que ve. Estamos hablando de un argumento que, en pocas palabras, deja un desesperanzador mensaje: “ver para creer”.

Josué Aguirre Alvarado

raise your voice

2006-02-15T08:00:00.000-08:00

La chica del verano

Calificación: Regular

Terri Fletcher (Hilary Duff), como la mayoría de protagonistas de película hollywoodense, debe luchar por sus metas a pesar de la oposición de su padre. Ella no es corredora de autos Nascar ni jinete profesional, ni es patinadora. Es algo muy parecido para los efectos de filme: es cantante. Por ello debe viajar hacia una excéntrica academia estilo “Operación triunfo” en donde puede seguir desarrollando su talento. Este es el insípido argumento que se desarrolla en “La chica del verano”, una película que posee algunos atractivos que la salvan de la mediocridad, de convertirse en un extenso video clip de la Duff.

Valga la aclaración. No tenemos nada contra la joven cantante. De hecho, su aparición (sólo su aparición) parece ser acertada, pues hay que reconocer que tiene cierto carisma para llorar cuando tiene que hacerlo y reír en los pocos momentos que le concede el guión. No obstante, mejor están David Keith, en el papel de un duro padre de familia, con su cara de hierro; y Rita Wilson, en el de una vulnerable madre. Vale comentar que la actriz acababa de interpretar a un personaje cómico en “Virgen a los 40”, por tanto, su flexibilidad de caracterización es admirable.

Otro acierto parece ser el de iniciar con un frase de Beethoven. Y, aunque nos deja con la duda de que si sería o no apropiado citar al compositor alemán en una película de este calibre, no se puede dejar de señalar que el músico parece estar siempre presente por ahí; interpretado por una chica “dark” o, de manera huachafa, detrás de una tonadilla “hiphopera”. Qué ironía.

Vale la pena rescatar además el trabajo de fotografía. Ésta se luce enteramente en la composición de cada encuadre, en los románticos contraluces de playa, caóticos edificios nocturnos y emotivos primeros planos que captan con precisión las expresiones faciales de los actores.

¡Tantas cosas buenas! ¿cómo decir entonces que es un trabajo mediocre? Recordemos que estamos hablando de elementos que funcionan bien por separado. Y es que la trama central falla; ella, la encargada de unir todo y de dar sentido. Sólo parece tener fuerza al inicio de la película, en unos primeros minutos cargados de sorpresas narrativas. Pero esto es una cucharadita de otro helado. Después de eso la trama se vuelve predecible y poco interesante. Después del inicio, el director Sean McNamara (el mismo de “Gasparín”) se muestra muy complaciente y se avergüenza del tremendo inicio que nos brindó.

Josué Aguirre Alvarado

the exorcism of emily rose

2006-02-14T12:04:00.000-08:00

El exorcismo de Emily Rose

Calificación: Buena

Son las tres de la madrugada y el que ha visto “El exorcismo de Emily Rose” no pude dormir. Recuerda lo que se decía en la cinta acerca de este horario. Ve el reloj y tiembla. Y es que el aparato mecánico, gracias a este filme, se ha convertido en un objeto de terror y se suma a una larga lista que incluye teléfonos (por cortesía del filme japonés “El aro”) y perros rhod weyler (gracias filme de terror “La profecía”). Valdría la pena nombrar, además, al vampiro que antes de las decimonónicas historias de “Drácula” no causaba ningún temor en las personas.

El reloj como elemento de terror es uno de los tantos detalles que le dan fuerza al filme, a una obra que ya cuenta con la desventaja de reciclar el concepto del terror religioso que se inauguró en el cine en 1977, gracias a la película “El exorcista”, de William Friedkin. Este último filme, nos mostraba un contexto sobrenatural que ha ido perdiendo filo en sus secuelas y que ha sido tomado como objeto de burla en series televisivas como “Los Simpson” y en spots publicitarios como los de Mtv.

Por ello, era necesario poseer una gran dosis de novedad, de lo contrario no habría una historia espeluznante. Este parece haber sido el problema del director Scott Derrickson, que solucionó todo con par de ideas: Primero, comentar a viva voz que la película estaba basada en hechos reales; segundo, reservar el tema religioso para los clímax y narrar toda la historia como si se tratase de un juicio contra el exorcista.

Comentemos esta última idea. El planteamiento permite, entre otras cosas, poner sobre el tapete un conflicto entre la iglesia y el cientificismo. Por consecuencia de esto, se le puede alabar la osadía del realizar al contarnos una historia acrónica. Sin embargo, es preciso recriminarle a Derrickson que no nos ofrece una justificación lógica para montar un juicio. Nótese en la historia que al clérigo se le acusa de haber sido negligente cuando nadie ha presentado tales cargos.

No obstante, si ignoramos esta traba y nos dejamos llevar, descubriremos algunas virtudes como la ironía, que está insertada en figuras como la del fiscal: un hombre de fe que quiere condenar a un sacerdote. Además, está la abogada defensora, que es agnóstica y que decide defender la teoría de un exorcismo. Todo parece estar sospechosamente bien calculado. Y es que tanta coincidencia nos puede llevar a preguntarnos si es que estos personajes son reales o si es que pertenecen a la imaginación de director.

En fin, “El exorcismo de Emily Rose”, no es una película que trascenderá como “El exorcista”. Sin embargo, es una buena alternativa para el fin de semana. Al menos, los sustos están garantizados aunque éstos siguen apoyándose en los típicos golpes de sonido, cosa que no es del todo mala si se tiene en cuenta que no llegan a ser excesivos como en otras producciones hollywoodenses.

Josué Aguirre Alvarado

tim burton’s corpse bride

2006-02-14T11:56:00.000-08:00

El cadáver de la novia

Calificación: mala

Tim Burton, Tim Burton... ¿Qué pasó? Nos habías regalado joyitas del sétimo arte como “Beetlejuice”, “El joven manos de tijera”, “Batman”, “Ed Wood”, “El gran pez”; historias para todos los públicos, filmes de una estética sombría y cómica, a la vez. Tus obras eran impecables, se adentraban en la fantasía y siempre eran originales ¿Qué pasó ahora? ¿Por qué con “El cadáver de la novia” nos has ofrecido una película tan insípida, tan común y tan sobrecargada de chistes malos sobre muertos?

Parece que se hubiesen acabado tus fórmulas. Da la impresión de que quisiste copiar la estética de “Beetlejuice” y que diseñaste personajes en plastilina y 3D similares a los que utilizaste en “Batman”. Continuaste trabajando en un género en el que nunca te moviste muy bien: el infantil. Contrataste a los mismos actores de “Charlie en la fábrica de chocolate” (Johnny Deep y Christopher Lee) y no te ayudaron demasiado en otro ámbito que no fue el financiero. Hiciste una película groseramente corta, tan banal y con un final tan forzado que daba la impresión de que quisiste adaptar con violencia un relato de muertos vivientes a un cuento de los hermanos Grimm.

Repetiste sin éxito muchos detalles. Sin embargo, lo que debió aparecer, lo que debía ser una constante no se dejó ver. Nos referimos a tu estilo. Y es que “El cadáver de la novia”, como película, parece una obra tan comercial y descuidada que nos da la impresión de haber sido dirigida por Steven Spielberg en banca rota.

Lo peor de todo es que la productora “Warner Bros.” no ha querido que pases desapercibido. Por ello, y a pesar de que esta cinta la dirigiste conjuntamente con Mike Johnson, han puesto tu nombre en el título para que la gente no se olvide tan fácilmente de este desacierto: “Tim Burton’s Corpse Bride”.

Algunas cosas se pueden rescatar. La historia que nos cuentas, dentro de lo vacía que es, no tiene errores. El diseño de los personajes no tiene más fallas que las de exponer físicamente los estereotipos. Además, es agradable la percepción de los colores que paradójicamente en el mundo de los muertos cobra más intensidad. Estas tres cosas bien hechas nos hacen confiar en que “El cadáver de la Novia” es sólo una caída. Ojalá. Detestaríamos que tu brillante carrera termine así.

Josué Aguirre Alvarado

harry potter and the goblet of fire

2006-02-12T16:14:00.000-08:00

Harry Potter y el cáliz de fuego

Calificación: Muy buena

La literatura. El cine. Hoy sabemos que estas dos artes no pueden colocarse en un mismo pedestal para decir que una es superior a la otra como sí se hacía en el renacimiento o en la edad media con la pintura y a la poesía. Estamos hablando de dos cosas distintas. Lo único que podemos hacer, por tanto, es valorar qué han heredado una de la otra. Así llegamos a la conclusión de que el cine ha influido en la literatura dotándola de recursos audiovisuales que sólo podían concebirse en planos de película; de que la literatura ha influido en el cine confiriéndole una estructura narrativa y miles de historias. Éstas van desde las adaptaciones de “Drácula”, de Bram Stoker, en la película de cine mudo “Nosferatu, el vampiro”; pasando por las numerosas versiones de “Don Quijote de la Mancha”, entre las que podemos destacar la de Roberto Gavaldón y Manuel Gutiérrez Aragón; hasta las dos grandes sagas cinematográficas de principios del siglo XXI: “El señor de los anillos” y “Harry Potter”.

Entonces, por aquel motivo parece completamente inapropiado que Joanne Kathleen Rowling, autora de la colección de libros de “Harry Potter”, esté continuamente metiendo la mano en el trabajo fílmico de los directores para cerciorarse de que las películas sean realizadas a imagen y semejanza de sus creaciones. ¿Con qué objeto? ¿Para que el público no aprecie un nuevo enfoque de la obra o para asegurar su imperio del niño mago?

Pero la intromisión de la Rowling no se queda ahí, pues así como sus obras son una continuidad, también quiere que las películas lo sean y por ello bajo contrato solicita la conservación de una misma estética fílmica, de un mismo cásting y una misma escenografía. Trabas artísticas.

Esto no ocurría con una de las sagas más prolíficas del cine: la de “James Bond”. Aquí, sí podía variar lo que considerase el director de turno, que siempre plasmaba su perspectiva a pesar de que Ian Fleming seguía vivo y escribiendo. Tampoco ocurría lo mismo con “El Señor de los Anillos”, obra de John Ronald Reuel Tolkien con la que el director Peter Jackson tuvo plena libertad de adaptación, de escenario y de personajes.

Con “Harry Potter”, los directores no tienen tanta suerte, se les cambia como camisas y casi son tratados como títeres... Casi. Y es que al margen de los impedimentos que deben sortear, dos realizadores decidieron ser desobedientes. El primero es el mexicano Alfonzo Cuarón, que con el tercer libro de Harry Potter dirigió un filme artísticamente impecable, una trama más psicológica que la historia que se narraba libro, sin embargo, menos agradable para el público infantil. El segundo rebelde es el británico Mike Newell, director de “4 bodas y un funeral”, que ha asumido la responsabilidad de esta película, “Harry Potter y el cáliz de fuego”.

Newell ha hecho con Potter algo que es digno de reconocimiento: ha realizado un exhaustivo trabajo de edición literaria para seleccionar los hechos que permitan construir un thriller. De esta manera, ha dejado de lado muchos hechos que Rowling y la productora Warner no querían dejar de contar en una extensa película de dos partes, una historia que Newell narró sólo en dos horas y 25 minutos.

Y, aunque resultó un poco corta para quienes hayan leído el libro, no podemos dejar de señalar que, como obra cinematográfica autónoma no le falta nada. Incluso, podemos decir que si no se tratase de un eslabón más en la cadena de historias del niño mago, se le podrían recortar algunas partes que a priori resultan completamente intrascendentes. Este el es caso de el baile de navidad o el enamoramiento de Harry. De ser omitidas el filme podría ganar en agilidad.

Pero aquí lo que contenta a los cinéfilos, molesta a los lectores; ya que éstos últimos han manifestado en el Internet sus elogios hacia las mencionadas secuencias. No obstante, muchos de ellos han discrepado con el violento y trágico final, un final que los cinéfilos no dejan de halagar. Y es que Harry sigue creciendo. Está en cuarto año de la escuela Hogwarts y sus aventuras cada vez se van poniendo más oscuras. Una oscuridad que promete.

Josué Aguirre Alvarado

kung fu hustle

2006-02-12T15:58:00.000-08:00

Kung-fusión

Calificación: buena

Guerra a los tráiler. Hace tiempo que este tipo de publicidad viene mostrando los filmes muy distintos a lo que son. “Kung-fusión” es un ejemplo de ello, pues se le presentó como una mezcla de comedia hollywoodense protagonizada por Crhis Farley y una cinta de artes marciales barata. Gracias a Dios que no fue así.

Desde los primeros segundos, la película golpea y golpea duro. Por ello, el que se fió de los avances y esperaba reírse de principio a fin, se tropezará con una violenta escena inicial. Y es que el salvajismo, en este filme, es un ingrediente fundamental que parece no tener nada en común con su complemento: un fuerte humor negro. No obstante, debemos considerar que “Kung-fusión”, aparte de ser la historia cómica de un barrio, es también una película de mafiosos en un pueblo de la China de la década de 1940.

Las partes humorísticas están representadas por la caricatura y las de violencia por una inquieta cámara e impresionantes efectos especiales que Stephen Chow, responsable de esta cinta, conoce muy bien desde su anterior filme: “Shaolín Soccer”. Pero Chow no sólo es director; es productor, guionista y protagonista. Y, además es chino. Por eso nos trae un homenaje al cine oriental de artes marciales, una realización que contó con la participación de Yuen Wo Ping, coreógrafo de “Kill Bill” y “Matrix”.

Precisamente estos dos filmes occidentales parecen haber sido asimilados en “Kung-Fusión”. Por tanto, podemos decir que de “Kill Bill” hereda el sentido de homenaje al cine de artes marciales y de “Matrix” recoge conceptos como el de “El elegido”, y errores como el de dejar la historia de lado para mostrar una efectista pelea como es el caso de la última escena.

Pero no todas las secuencias de lucha son disparatadas. Hay partes como aquella en donde un dúo de hombres ciegos asesinan a tres peleadores del barrio. Esta batalla, por su calidad artística (la música y el empleo de los colores, sobre todo), bien puede calificarse como lírica, surrealista y hasta magicista.

Josué Aguirre Alvarado

un día sin sexo

2006-02-09T10:15:00.000-08:00

Un día sin sexo

Calificación: regular

Humor y drama; conversaciones y conflictos sentimentales. Ésta es la columna vertebral de “Un día sin sexo”, filme peruano que narra la historia de cuatro parejas que experimentan la ausencia de sexo por una noche. Gonzalo y Daniela, Lisa y Gabriel, Patricia y Felipe, Alexa y Nicolás. El primer par es un matrimonio joven con problemas; el segundo, dos jóvenes que se conocen casualmente; el tercero, dos esposos mayores que tienen problemas de impotencia; y el cuarto, dos chiquillos que tienen relaciones sexuales por primera vez.

La película debería tener un título más “Woody-Allenesco” como “cuatro historias de una noche”o algo parecido. Pero la producción ha decidido rotular únicamente con la circunstancia, con una oración que contenga la palabra “sexo”. Y es que este término vende muy bien. Suena a exhibición de carne, a película gringa qué tanto gusta al público peruano. Por ello, debemos advertir que ”Un día sin sexo” dice poco de la cinta. Con esta afirmación nos referimos a que no vamos a encontrar las escenas de desnudo y de sexo explícito que bien promovía “Mañana te cuento”, aunque sí hallaremos algunas similitudes como el protagonismo de Melania Urbina y Bruno Ascenso.

De la Urbina podemos decir que interpreta de manera creíble a una chica medio rebelde, un personaje muy distinto a la inocente prostituta de “Mañana te cuento”. Además su transformación física, llama la atención. Pocos podrán reconocerla bajo tanto maquillaje. Con todo, logra cierta química con Giovanni Ciccia, que también ha cambiado de personaje: deja la seriedad para convertirse en una especie de bufón. Y no se le ve mal. De hecho, es admirable esa capacidad propia que tiene para burlarse de sus poses de niño malo.

Vale comentar que la actriz también tiene créditos como co-guionista junto al debutante Frank Pérez-Garland, director del filme, que ganó el premio del público por el cortometraje “Mejor mañana” en la Filmoteca de Lima. Sin embargo, su trabajo presenta un defecto: nos trae cuatro historias bien narradas solamente como tramas autónomas. Y es que hay tramas como la que protagoniza Bruno Ascenso en el papel de Nicolás, que no aportan nada a la macro estructura de la película y que dejan algunas cosas en el aire como aquella relación medio misteriosa que tiene él con otra chica.

La historia de Nicolás bien pudo no aparecer, aunque ello podría haberle costado al filme el público juvenil de “Travesuras del corazón”. Caso contrario ocurre con otra trama inconexa: la de aquel matrimonio mayor protagonizado por Ivonne Frayssinet y Gianfranco Brero. Aquí, aunque seguimos hablando de párrafos sueltos, no podemos dejar de señalar que la sub-trama no deja nada al aire y que el talento de los actores mantiene al público en suspenso.

Desconexiones: un desacierto que hace ver a “Un día sin sexo”, como un enorme muñeco de plástico que al levantarlo se desarma. Tiene validez, entonces, la frase popular: “mírame y no me toques”.

Vale la pena comentar, para el fanático de Mar de copas, que la banda sonora de la película está constituida mayoritariamente por temas de esta agrupación y, en menor grado, por otras canciones de conjuntos como “Campo de almas”. No obstante, la similitud de estilo que proponen semejantes artistas le imprime cierta monotonía al ritmo de la película.

house of flying daggers

2006-02-09T09:50:00.000-08:00

La casa de los cuchillos

Calificación: Muy Buena

Quien dice que todos los chinos son iguales no ha sido testigo de la brillante filmografía de Zhang Yimou, director preocupado por tratar temas humanos como el amor, la amistad o el valor de la vida en un país donde está muy enraizada la costumbre de presenciar cine propagandístico. Por esa razón, el realizador en su tierra viene siendo acusado de haberse “occidentalizado”, de haber profanado la tradición china para adaptarla a historias hollywoodenses, como ocurre en el caso de “Héroe” o “La casa de los cuchillos” (¿no pasaba lo mismo con Akira Kurosawa en Japón?).

Algo de razón tienen, aunque en lugar de “occidentalizado” deberían decir “humanizado” y en lugar de “profanado”, “incorporado”. Y es que ésta, su última película, si no la apreciamos con detenimiento, podríamos caer en el error de resumirla como una mezcla de “La era de hielo” y una cinta barata de Kung Fu. Pero fuera de la grave equivocación que pueda provocar este juicio la debemos asociar con la orientalísima “El tigre y el dragón”, de Ang Lee. Sin embargo, sólo sería a ese plano, porque Lee muestra las pasiones de una forma más bien fría para acentuar la tradición.

Yimou hace todo lo contrario. Los sentimientos, en su filmografía, siempre tienen un lugar preferencial y muchas veces rompen con la cultura oriental que los limita para protagonizar historias de alcance universal. Quizá el ejemplo más evidente de esta exaltación por el individuo puede encontrarse en “El camino a casa”, de 2000; una profunda historia de amor narrada en un pueblo humilde de la China. También podríamos mencionar a “Sorgo rojo”, de 1987, ganadora de un Oso de oro en el Festival de cine de Berín; “Qiu Ju, una mujer china”, de 1992, premiada con el León de oro en el Festival de cine de Venecia, al igual que “Ni uno menos”, en 1999.

¿Pero, qué es lo que diferenciaría a “La casa de los cuchillos” de “La era de hielo” y de una típica película de kung-fu? En primer lugar, el final. Lamentablemente, de él no se puede decir nada porque le arruinaríamos la sorpresa al espectador. Sin embargo, lo resumimos diciendo que después de verlo podríamos escribir toda una crítica repleta de halagos.

La escenografía sería el segundo detalle, pues locaciones donde se desarrolla la acción son ciertamente exquisitas. Y, aunque no se muestran las inconfundibles pagodas más que al inicio, las escenas del bosque y del campo, a las que ya nos tiene acostumbrados Yimou, se lucen en todo su esplendor como atmósferas recargadas con colores brillantes, como laberintos naturales donde los protagonistas se pierden en una serie de batallas que nos introducen en la fantasía.

Las batallas, felizmente no son agotadoras. Ni son gratuitas ni sobran. Por lo contrario, están bien insertadas, en momentos fílmicos bien pensados para no lograr un agotamiento en el espectador. Las coreografías son un deleite, casi un valet chino. De ellas vale la pena mencionar la que se lleva las palmas: aquella que se desarrolla en un bosque de bambú. No obstante, un detalle en ellas causa fastidio. Nos referimos al exceso de artilugios digitales que por ratos parecen transformar la película en un comercial de “Panasonic”.

La película es perfecta en todos los aspectos menos en uno: en el cásting. Y es que Yimou ha cometido un pequeño error tan pequeño que bien podría pasar desapercibido. Resulta que, si la historia se desarrolla en el año 859, no existirían entre los chinos algún personaje con facciones mestizas como la de Takeshi Kaneshiro, interpretando a uno de los protagonistas: Jin, el Viento.

Josué Aguirre Alvarado

the 40 year old virgin

2006-02-09T09:37:00.000-08:00

Virgen a los 40

Calificación: regular

No hay nada que hacer. En la actualidad, si las comedias quieren ser un éxito de taquilla, tienen que ser cada vez más indecentes, sobre todo en el ámbito sexual. Este concepto se está extendiendo en menor grado con las películas infantiles, ya que en éstas no se ve raro que los personajes se eructen, echen gases, muestren el trasero y hagan todo tipo de groserías. Todo de la manera más normal. Y claro, nos da risa, seamos sinceros. Sin embrago, todo abuso es malo. Por eso da asco cuando aparecen películas que sólo basan su trama en estos actos escatológicos sin tener justificación.

“Virgen a los 40”, se había venido promocionando como una cinta netamente vulgar, una película de humor sexual. No se le había dado un correcto énfasis a lo que sí importaba de ella: la historia que nos trae. Por un lado está lo que las masas quieren ver: un hombre virgen desesperado por dejar de serlo con tres sujetos que se burlan cruelmente de él. Aparece, entonces, el elemento estereotipado del perdedor con suerte que constantemente se ve asediado por las insinuaciones de su jefa. Sin embargo, la película también nos muestra, casi de contrabando, una historia de amor en la que el protagonista intenta demostrar que el sexo no es la cosa más importante del mundo.

En resumen, el filme, con la actuación de Steve Carell, logra cosas interesantes como un personaje creíble en apariencia y en la forma de comportarse. Fuera de esto, y de algunas sonrisas que nos arrancará, la película no llega a ser más que una cinta de fin de semana, lo cual no es del todo malo si tenemos en cuenta que “Virgen a los 40” es el debut como director, del productor y guionista Judd Apatow.

Josué Aguirre Alvarado

cinderella man

2006-02-08T15:53:00.000-08:00

El luchador

Calificación: Regular

De alguna forma u otra, todos los que presenciamos una película sabemos que tras la historia que se exhibe hay, cuando menos, una cámara. Es por ello que somos conscientes de que lo que estamos viendo no está ocurriendo en el mismo lugar y tiempo que en el que vivimos. Y es que psicológicamente nos hacemos la idea de que los sucesos registrados forman parte de una realidad que se desarrolló en el preciso momento en el que hubo una filmadora que lo registró. Así se crea la magia.

Por ello, experimentos como “El proyecto de la bruja de Blair” (donde la cámara está más cercana a la acción) han tenido tanto éxito en el público. Recordemos que en este ejemplo no se pretende siquiera disimular el uso de la máquina. Todo lo contrario: constantemente aparece retratada en los reflejos para dar más realismo a lo ficticio. De la misma manera, el director danés Lars Von Trier, en filmes como “Los idiotas”, no duda en dejar que se crucen los camarógrafos en medio de las escenas. Esto tampoco afecta demasiado al público. ¿Por qué? Porque el público, de alguna forma, ya está acostumbrado a percibir la cámara de manera invisible; a tal grado, que cuando se muestra abiertamente, ésta no causa demasiado impacto.

Lo contrario. No mostrar cámaras en una situación en la que por leyes físicas debe delatarse es ofrecer una versión inverosímil de la ficción que nos gusta ver como realidad. Por ello, nos causó mucha sorpresa aquel momento en la película “El luchador”, en el que la máquina fílmica no es reflejada por un reluciente plato de comida que aparecía directamente hacia ella. Había sido borrada de manera digital. ¿Con qué motivo? ¿Para convencernos de que la película es ficción? Ron Howard, director de este filme, cometió un sacrilegio en aquel momento, un crimen cinematográfico, que bien se pudo evitar, ya que esta toma, que duró más de cinco segundos (lo que nos hace pensar que fue planeada), era innecesaria. Howard mató al cine.

A causa de eso, todo lo bonito que podía ofrecernos la película se ve embarrado. De nada vale comentar que el film se basa en la historia del boxeador Jim Braddock, en su apogeo, caída y vuelta al ring. Menos aún debe decirse que todo se desarrolla en un contexto paralelo: los Estados Unidos en la bonanza de la década de 1920, la gran depresión de 1929 y la paulatina recuperación de la economía. Si lo hiciéramos, estaríamos halagando a quien utilizó un contexto histórico para de reflejar de manera efectiva un drama personal. Quizá este símil sea una de las mejores cosas que tiene esta película que, junto al uso de abruptas elipsis, nos muestra un crudo contraste entre las buenas y malas épocas.

“El luchador” es una película de dos dramas muy tímidamente abordados: el de la familia pobre y el del peligro que ofrece el boxeo. No se detiene específicamente a profundizar, por ejemplo, en los conflictos familiares como en “Toro salvaje” de Martin Scorsese o en dramas personales como el del manejador arruinado de “Golpes del destino”, de Clint Eastwood. Por eso, y porque las historias son asombrosamente similares, al salir de ver la película nos terminamos preguntando si es que no acabamos de ver un remake de “Rocky”, dirigida por John G. Avildsen.

Más bien, lo mejor de esta película lo podemos encontrar en actuación de Renée Zellweger, que no ha dudado en dejar su belleza física de lado para interpretar esta clase de papeles sufridos. Russell Crowe, por su parte, repite el mismo personaje de “Gladiador” con la diferencia de que en esta ocasión habla un poco más.

Josué Aguirre Alvarado

flightplan

2006-02-08T15:16:00.000-08:00

Plan de vuelo

Calificación: regular (buena para fanáticos de Jodie Foster)

Puede definirse como un filme de suspenso o como película de acción. No importa. Lo cierto es que aparece Jodie Foster interpretando a un personaje muy similar al que caracterizó en “La habitación del pánico”, es decir, una mujer amenazada por criminales dentro de un espacio claustrofóbico. No obstante, vale la pena enumerar dos características que le dan cierta originalidad a “Plan de Vuelo”. La primera de ellas está en la escenografía, que corresponde a la de un avión donde se extravía la hija de la protagonista. La segunda la percibimos en la primacía del suspenso psicológico, pues en esta ocasión la mujer debe enfrentarse ante agresores invisibles.

“Plan de vuelo” es una cinta que se inicia de manera ruidosa. Con muchos golpes de sonido e imágenes a manera de flash, el director rápidamente va construyendo la trama. En este sentido, la película alcanza un punto a favor; nos muestra directamente lo que se va a contar. Además, la acción no decae nunca y posee un ritmo siempre ascendente con algunas pausas estratégicas (como la intervención de una terapeuta) y algunos clímax pequeños (como la secuencia en la que toda la tripulación busca a la niña perdida).

Vale reconocer, además, que todas las acciones se desarrollan fluidamente en un avión sin producir la más mínima monotonía de explotar un mismo escenario. No obstante, el buen ritmo del filme se ve opacado por la inserción gratuita de una serie de miraditas sospechosas que pretenden hacer creer al público que hay mucha gente vigilando al personaje central. Realmente una molestia.

Esta artimaña no se queda ahí. Se potencia con en el reconocimiento de unos supuestos terroristas árabes que espiaban a la protagonista una noche antes del viaje. Pero no pasa nada con ellos. La película, de esta manera, le falta el respeto al espectador, que mentalmente trata de armar el rompecabezas del caso. Nunca lo va a poder hacer. El director le ha dado piezas de otro juego.

Además, es una pena que actuaciones como la de Marlene Lawston, la niña que interpreta a la hija de la protagonista, haya sido tan parca. ¿Será por eso que permaneció dormida durante casi toda la película? No lo sabemos. Lo que sí es que este sueño parece ser la mejor salida, ya que en los pocos momentos en los que la menor estaba conciente era Jodie Foster la que tenía que manejarla como un títere para que haga alguna gracia.

“Plan de Vuelo” es el debut del alemán Robert Schwentke en Hollywood. El director ya había dirigido en su país “Eierdiebe”, en 2003 y “Tatoo”, en 2002.

Josué Aguirre Alvarado

goal!

2006-02-07T20:30:00.000-08:00

¡Goool!

Calificación: Buena

Un partido bien ganado. Quizá no con una goleada, pero se consiguió lo que los cinéfilos esperábamos: el triunfo del espectador. No fue fácil. El cine basura hizo jugadas peligrosas en el área chica con la aparición innecesaria de Beckham, Zidane y Raúl. Mala costumbre del marketing. Las expectativas además eran las de un enlatado que de provechoso únicamente contendría el desgastadísimo ideal de alcanzar un sueño. Pero, felizmente no fue así. El filme no se derrumbó y, aunque se le puede criticar por presentar a algunos personajes estereotipados, en líneas generales gustó y ganó.

Lo dirigió el británico Danny Cannon, responsable de “Aún sé lo que hicieron el verano pasado” y “Judge Dredd”; y muy fanático del Newcastle, seguro. Por ello, ha escogido a este equipo inglés para desarrollar una trama bien conocida por todos, la historia de un chico poseedor de una habilidad innata para el fútbol que debe abrirse paso entre los grandes. Y es que a simple vista puede parecerse a la historia de Oliver Átom en la serie de animación japonesa “Supercampeones”. Sin embargo, “¡Gol!” tiene algo más que mostrar, una característica que la diferenciaría de cualquier otra película sobre fútbol y que le permite mostrarse como una historia universal que gusta, incluso, a quienes saben poco del deporte Rey.

Ellos podrían perderse únicamente del reconocimiento de estrellas del balompié en una fugaz aparición. Pero, como ya dijimos, este detalle es completamente intrascendente. Tampoco se sentirán confundidos ante muchas secuencias en las que se juegue o hable de fútbol, pues éstas son pocas, cortas y sirven para demostrar dos cosas: primero, la adaptación del protagonista en el medio; y segundo, el conflicto que tiene éste con sus entrenadores. Por cierto, un conflicto que nadie puede dejar de lado por estar expresado con diálogos muy profundos e inteligentes.

Ahora, ¿Qué es lo que convierte esta historia en un objeto universal? Un drama intenso que se pone de manifiesto en la figura de Santiago Muñez (caracterizado por Kuno Becker) y las dificultades (¡vaya dificultades!) que tiene que superar para alcanzar sus sueños.

Sueños. Esta es una palabra peligrosa. Muchas películas suelen prostituirla a su antojo para construir con ella historias fantasiosas con sabor a nada. Aquí, aunque este ideal no deja de ser el motor, el realismo con que se imprime la cinta potencia y humaniza la historia y nos permite, como espectadores, presenciar distintas realidades que otras obras omiten para no darnos algo valioso: conocimientos. “¡Gol!” es una de las pocas películas en las que se expone la vida desordenada de un futbolista millonario, la acción inescrupulosa de la prensa amarilla y, de manera jocosa, el grado de fanatismo de los británicos. Por ello, el filme tiene el mérito de crear, para todas estas realidades, un retrato convincente.

Sin embargo, quizá el retrato mejor logrado sea el que se manifiesta en la primera parte de la película con la familia de Santiago, una familia que ha inmigrado ilegalmente a Estados Unidos en busca del “sueño americano” pero que se encuentra de todo menos con eso. Aún así, el padre del protagonista consigue un miserable trabajo como jardinero y Santiago hace lo suyo en un restaurante chino, lavando verduras. Aquí el drama más grande para el muchacho, puesto que en este momento ni siquiera se le cruza por la cabeza jugar en la Premier League, es el no poder ascender a camarero porque no es chino.

Otro retrato valioso se puede apreciar en la mezcla cultural representada a lo largo de todo filme. Dos ejemplos de ello: la familia de Santiago, un grupo de mexicanos que hablan español e inglés indistintamente; y en el equipo del Newcastle, donde interactúan jugadores de varias partes del mundo. A propósito, nótese que Santiago justamente se hace amigo de los extranjeros a tal punto que llega a convivir con el alemán al que toda la ciudad odia por su vanidad: Gavin Harris (Alessandro Nivola).

El filme destaca, además, por ser una obra muy paisajística, ya que nos ofrece una amplia variedad de escenarios contrastantes: o muy llenos de calma en Los Ángeles o muy crueles en Newcastle. La distinción se logra con el cambio de colores. Así, en las tomas que se realizan en Estados Unidos predominan tonos amarillos que producen una sensación de calidez y cordialidad; una sensación que varía en Inglaterra. En este contexto, los colores se vuelven fríos al poner en relevancia el azul, que produce una impresión de rechazo potenciada por lluvia, fango y niebla. El espectador leerá claramente el mensaje: “adversidad”. Sin embargo, el paisaje va cambiando tan pronto el protagonista se adecue al medio. Así, al final, podremos ubicarlo en el famoso estadio del Newcastle, en un día soleado. Un final un tanto pomposo. Es cierto. ¿Clásico final de Hollywood? Parece que no. Mediante una llamada telefónica, el joven vuelve a su intimidad y reduce la gloria colectiva a un triunfo personal: un antiguo conflicto familiar que quedó años y kilómetros atrás se ha resuelto.

“¡Gol!” es la primera parte de una trilogía que finalizaría con la llegada de Santiago a la Copa del Mundo. De esa forma, la siguiente película trataría acerca del fichaje de Santiago por el “Real Madrid”. Esperemos que éstas secuelas mantengan el nivel de la primera.

Josué Aguirre Alvarado

the legend of zorro

2006-02-07T17:43:00.000-08:00

La leyenda del Zorro

¡Malísima!, perdón, no pude esperar. Calificación: Muy mala (que suene reiterativo)

¡Horror! Hollywood ha convertido al héroe de la California española en “El Capitán América”. Sí, el Zorro, un personaje caracterizado por estar ligado al pueblo hispano-mexicano, en esta película se convierte en el defensor de los ideales liberalistas de Estados Unidos. Pero él no es el único. Todos los habitantes repentinamente alaban a ese país y no dudan en agitar miles de banderitas estadounidenses cuando ven al Zorro. Por eso fastidia y fastidia en el alma; para quienes seguíamos en rastro hispano del héroe en películas como “La venganza del Zorro”, de Joaquín Luis Romero Marchent o la teleserie de “Walt Disney”, de 1957; verlo ahora presentarse enmarcado entre dos pabellones gringos.

Incluso en el anterior filme del héroe, “La máscara del Zorro”, también dirigido por Martin Campbell y también producido por Steven Spielberg, se podía encontrar intacta su imagen. Recordemos en esta película se mostraba a un Diego de la Vega decadente (Anthony Hopkins) que ve en el ladrón Alejandro Murieta (Antonio Banderas) a su pupilo. Esta obra tenía mérito, entre otras cosas, por adaptar al guión la leyenda de los hermanos Murieta. Era una cinta bien hecha. Y, a pesar de estar destinada al entretenimiento, se podían destacar algunos detalles como la deliciosa sub-trama del romance entre los protagonistas, que tiene sus clímax en un audaz baile y en una pelea de espadas.

Sin embargo, en “La leyenda del Zorro” no hay otra cosa más importante que las larguísimas e inverosímiles secuencias de acción en las que participan peleando como Bruce Lee el Zorro, el fraile Bernardo, Elena y hasta su pequeño hijo Joaquin. Todo aparentemente justificado porque Alejandro y Elena son amates de la política y de la decisión del pueblo que quiere ser libre (¿libre de qué?, nunca se llega a explicar claramente). Esto, para ellos debe traducirse en violencia, definitivamente un concepto errado de lo que realmente significa política: la respuesta lógica al problema de la violencia.

Pero la película no se queda ahí. Los errores brotan a flor de piel. El primero y más notorio tiene que ver con la falta de continuidad entre la cinta anterior y ésta. Resulta que Alejandro Murieta ahora apellida De la Vega. Inimaginable. Recordemos que no había ningún parentesco entre este personaje y el Diego de la Vega original, mas sí entre éste y Elena. Por lo tanto, al casarse Alejandro con Elena no podría recibir el apellido.

Otro error es que la ciudad, de la noche a la mañana, brutalmente pasa a convertirse en un pueblo del Oeste. Cambian súbitamente las vestimentas, las instituciones y la gente. No hay justificación para que las personas se conviertan en una especie de semi vaqueros hispanos. Pero, un momento, ¿los vaqueros no usan pistolas? Sí, la gente de esta película porta armas de fuego ¿y las espadas? Si no usan espadas ¿Cómo El Zorro, virtuoso espadachín, se va a lucir si nadie se le enfrenta con tal armamento? Muy facil: todos tienen espadas y pistolas. No importa que se vea raro, es mejor que estén más armados y además molestos porque así habrá más secuencias de acción.

Otro defecto está en la constitución del villano, que no llega a convencer como tal. Más bien, puede ser confundido como un romántico personaje que es engañado por una descorazonada Elena. Y es que su sicología no se ha desarrollado lo suficiente como verse como el director quiere que se vea: un ser diabólico.

Hay muy poco para rescatar en esta película. Cosas mínimas como la belleza de Catherine Zeta Jones en el papel de Elena o la gracia de Adrián Alonso interpretando Joaquín. Estas últimas cosas quizá puedan evitar que abandonemos las butacas antes de que termine la película.

Josué Aguirre Alvarado

ice princess

2006-02-07T17:26:00.000-08:00

Sueños sobre hielo

Calificiación: regular

Casey Carlyle (Michelle Trachtenberg) es una adolescente que se debate entre su sueño de ser patinadora profesional y la voluntad de su madre (Joan Cusack), que la obliga a buscar una beca en Harvard. Sin embargo, su amistad con Nikki (Kirsten Olson), Tiffany (Jocelyn Lai) y Gen (Hayden Panettiere) y un loco sueño que la persigue a todas partes, hacen que finalmente se decida por los patines.

“Sueños sobre hielo”, al igual que “Herbie a toda marcha”, “Rayas: una cebra veloz” o “Winnie Pooh y el pequeño Efelante” son ejemplos perfectos de la nueva técnica que está empleando la productora “Walt Dinsey” para vender películas a los niños: mostrar a adolescentes capaces de todo por lograr un sueño. No es malo. Tener en cuenta que hay jóvenes apasionados que a base constancia alcanzan sus metas sirve para alentar al público a vencer dificultades. Sin embargo, lo que sí es perjudicial es la forma en la que se están planteando las barreras. Y es que para las películas de “Disney” los obstáculos siempre van a ser los padres. De esa forma, la contraparte, los hijos, son expuestos como víctimas que, al desobedecer la voluntad de sus progenitores, se convierten en héroes. Es tan contundente este mensaje que siempre en las películas los apoderados terminan disculpándose. Justo lo que los niños quieren ver. Nada que hacer, las ventas ante todo.

Pero al margen de estos mensajes poco saludables, y si nos centramos ya en particularidades, podemos afirmar que “Sueños sobre hielo” es una película que formula una contraposición entre el arte del patinaje y la ciencia que, como se muestra al comienzo, parece regir al mundo. Este conflicto se ve encarnado en la protagonista, una muchacha con mucho potencial en esta materia que, poco a poco, va abandonando su afición por las ciencias (incluso en sus conversaciones), porque se da cuenta que hay algo más, algo que sólo puede encontrar en el arte.

Esta trama tiene algunas virtudes que la vuelven más o menos realista como el hecho de que la protagonista no gane el primer lugar como siempre ocurre en la este tipo de películas fantasiosas. Pero también adolece de otros errores o, más bien, descuidos. Un ejemplo de ello podría constituir el abrupto cambio de carácter de la entrenadora que intermitentemente se convierte en la buena o la mala de la película. Sin embargo, nunca será la mala principal, pues ese papel, como ya lo dijimos, está reservado para la madre.

La joven actriz Michelle Trachtenberg, que se inició en el cine en 1996 haciendo el papel de una excéntrica niña-espía en “Harriet The Spy”, está muy bien en su papel. Para comenzar, porque ya es un rostro conocido para el público infantil. Y, para seguir, porque es un tipo de persona que posee rasgos delicados; ojos claros y enormes que bien le valen para transmitir esa sensación de fragilidad que posee la protagonista.

Josué Aguirre Alvarado

land of the dead

2006-02-07T12:53:00.000-08:00

Tierra de los muertos

Calificación: Buena

No es una película futurista como ” Mad Max”, de George Miller o “Waterworld”, de Kevin Costner. Sin embargo, en “Tierra de los muertos” se repite la condición humana de vivir en una situación claustrofóbica: subsistir sitiados por una inmensa plaga de “zombis” o “muertos vivientes” (como George A. Romero se ha encargado de darlos a conocer durante 25 años). Por ello, esta obra no puede ser calificada como una película de terror, valga la aclaración. Lo sería si es que el susto sería el principal atractivo. No obstante, lo que más pesa (y lo que más mérito tiene, además) es la preocupación por mostrar un conflicto humano ante un problema eminentemente ficticio.

Por ello, tiene explicación la ambigüedad del título “Land of the dead”, ambigüedad (que literalmente significaría “Tierra de los muertos”) que nos lleva a preguntarnos ¿a qué territorio se refiere? ¿al que es dominado por empresarios corruptos o al que es dominado por muertos vivientes? Al inicio de la cinta, tras ver las monstruosas imágenes de los “hediondos”, como les llaman en el filme, coincidiremos en lo primero. Sin embargo, tras adentrarnos en la civilización decadente donde viven los últimos humanos, comenzaremos a dudar. Y esto se verá reforzado por todas las imágenes en las que las personas cometen crueldades (si se puede utilizar el término en este caso) con los zombis.

De todas formas, y por ello, aparece la figura de un “hediondo vengador”, que parece ser lo más original de la cinta. Estamos hablando de un personaje que llega a ser, incluso bizarramente romántico: quiere salvar a sus compañeros de las garras de los humanos y, además, se enamora de la ciudad de los hombres y anhela conquistarla. Así, el transcurso de sus acciones y las de su “ejército” se puede catalogar como “1000 formas de comerse a un humano crudo”. Y todo esto en la más completa oscuridad. Vale la pena comentar que la película está filmada de la manera más oscura posible, en términos de iluminación.

No obstante, el resto de elementos se tornan repetitivos: un héroe, un antagonista femenino y un malo, el empresario Mr. Kauffmann, interpretado por el genial Dennis Hopper. Incluso, la inserción de “muertos vivientes” se torna una poco repetitiva. Pero hay que darle crédito a Romero, pues él fue el primero en darles un espacio en el cine. Además, estas circunstancias no están mostradas sólo para dar un par de sustos (inevitablemente hay un par de sustos regados por ahí) sino que también son una excusa para exponer el clásico humor negro al que el director nos tiene acostumbrados. Ello se ve desde el inicio, cuando aparecen los zombis sin presentación y sin nada (han sido tan ampliamente utilizados que no la necesitan) ante un cartel que dice “comestibles” apuntando hacia la ciudad de los hombres.

Josué Aguirre Alvarado

red eye

2006-02-07T12:31:00.000-08:00

Vuelo nocturno

Calificación: regular

Wes Craven ha dirigido una regular cantidad de filmes. De ellos, la mayoría son muy flojos, comerciales o simplemente insoportables como “La marca de la bestia”, la trilogía de “Scream” o “Un vampiro suelto en Brooklyn”; ejemplos claros de que el Wes Craven que realizó en la década de 1970’ las obras de culto “La última casa a la izquierda” o “Las colinas tienen ojos” ha muerto. Sin embargo, parece seguir viva la fama que consiguió en aquella época y por ello aún ostenta el derecho de publicitar películas con su nombre. Así se ha comercializado “Vuelo nocturno”, una cinta que, aunque no llega a colmar las expectativas de un buen filme, se puede incluir dentro de las mejores obras de Craven.

Repasemos esta doble afirmación. Primero: ¿por qué decimos que “Vuelo nocturno” es una de las mejores obras de Wes Craven? Básicamente, por la primera parte. El filme tiene un inicio magistral: una agente hotelera (Rachel McAdams, bellísima) conoce a un simpático sujeto (Brian Cox) mientras espera su vuelo en una terminal. Pero hay un problema: este personaje, por el cual ella parece sentirse atraída, realmente es un terrorista que quiere pedirle un favor a cambio de la vida de su padre.

El desarrollo de este planteamiento inicial, que no deja de ser original y está perfectamente acompañado con una banda sonora que sirve de telón; es decir, da inicio a las acciones y después se ausenta completamente para dejarnos en suspenso. Así, la música que al comienzo nos mostraba una mezcla de dos texturas contrapuestas (que representaba la doble personalidad del terrorista) nos obliga a preguntarnos si el momento del encuentro corresponde a una historia de amor (como erróneamente nos lo mostraba el trailer) o si es que se trata de algo ampliamente planificado. Vale la pena comentar que en estas escenas acompañan a los personajes mucho ruido de fondo: conversaciones, campanadas, llamadas de vuelos, etc. Estos sonidos resultan perfectos para la descripción de espacios como el aeropuerto y su caos o como el de un avión y la diversidad de personajes que lo abordan.

Estas situaciones parecen servirle a Craven para situar a su protagonista. Y, aunque no es lógico que ella viaje en ese lugar (debería volar, por su condición económica, en primera clase) el director se toma una licencia para resaltar la sensación de desorden y claustrofobia en la que se sumergen los protagonistas. No es raro, por ello, que en ese espacio se desarrolle el primer clímax de la película: el despegue, secuencia en la que se aprecia toda la capacidad de Craven para convertir ese momento tan cotidiano en una escena de acción. ¿Cómo? Con primeros planos muy cortos y el sonido ensordecedor de las turbinas. Además, la acción aumenta cuando el acompañante de la protagonista tras una extensa sucesión de preguntas confiesa su verdadera identidad.

Ahora, ¿por qué decimos que “Vuelo nocturno” no es necesariamente una película buena? Porque el suspense del filme acaba irónicamente con el aterrizaje del avión. En ese momento, todo cambia rotundamente: Lisa, la protagonista, una mujer que había sido mostrada como un ser frágil y con muchos temores de pronto burla a toda la seguridad de un aeropuerto y se convierte en una encarnación de Bruce Willis en “Duro de Matar”. Y los personajes, que se mostraban tan humanos, ¡Qué bien constituidos estaban los personajes!, de pronto no dudan en matar a tiros a sus adversarios.

Todo se transforma en lo mismo de siempre. Y aparecen, por ello, larguísimas escenas de acción; incoherentes y gratuitas, escenas que, además, son muy parecidas a aquellas que Craven desarrolló en “La Marca de la Bestia”. En otras palabras: persecución y matanza dentro de una pequeña casa.

Josué Aguirre Alvarado

must love dogs

2006-02-07T12:13:00.000-08:00

Se busca pareja

Calificación: Regular

La comedia romántica se ha convertido en uno de los grandes géneros del cine de finales del siglo pasado. Lamentablemente, en la actualidad las temáticas están perdiendo brío reduciéndose a tratar únicamente situaciones de encuentros y desencuentros juveniles. Con este enlatado algunos productores han hecho alguna que otra variante como la que nos presenta Gary David Goldberg (además director y guionista) de “Se busca pareja”, filme protagonizado por Diane Lane y John Cusack. Y es que aquí la originalidad radica en que los personajes, aparte de no ser tan jóvenes, son divorciados. Sin embargo, el resto de la historia adolece de dos de los mismos clichés a los que recurren la mayoría de películas:

Primer cliché: personajes estereotipados. Aquí hallaremos a la típica mujer perfecta, hombre perfecto, hermanas chismosas, amigos gays y amantes playboy. No obstante, no podríamos meter en este saco al padre viudo de la protagonista (interpretado por Christopher Plummer) que, vaga la redundancia, es un padre. Y es que en las producciones convencionales se omiten a este tipo de personajes para que los protagonistas gocen de más libertad. Pero en esta cinta vemos todo lo contrario: la protagonista, ya mayor, busca a su progenitor para ser aconsejada, porque se siente desprotegida. Por ello, no estamos frente al típico anhelo de libertad que profesan los filmes Hollywoodenses, sino ante una visión más afectiva, menos egoísta, quizá.

Pero no hay que confundir constitución de personajes con actuación. En este último punto, la película se lleva las palmas, ya que, aparte del cásting (Diane Lane está bellísima y John Cusack aún conserva su encanto), los protagonistas están bien centrados en sus personajes y se nota que hubieran dado más si es que el guión se los hubiera permitido.

Segundo cliché: el desenlace. Para este tipo de películas se ha vuelto una regla terminar de la misma manera y casi al mismo tiempo: una hora y media. Es escandalosa la manera como historias como ésta parecen dar saltos (y tropiezos) al momento de culminar en un avisado final feliz ¿Por qué todo tiene que terminar con la unión de la pareja protagonista? En este sentido, aún nos quedaremos con las ganas de que algún osado guionista escriba un final en el que, por ejemplo, la pareja que se une descubra que no eran el uno para el otro. Pero en fin, por ahora todo puede resumirse en un comentario que expide el protagonista: “esos finales dramáticos parecen estar hechos para otra época. Ahora la gente no los soportaría”.

Fastidia igualmente el abuso de primeros planos de perros. La combinación de estas tomas es uno de los recursos más utilizados en las películas infantiles. Por tanto, le quitan un poco de fuerza a las escenas que se cargan de dramatismo. No obstante, Esto puede tener su explicación en título original: “Must Love Dogs”, que en buen castellano debe decir “Debe amar a los perros”. Esto hace referencia al anuncio que deja la protagonista en Internet para buscar pareja.

Gary David Goldberg también es conocido por películas como “Bye, Bye, Love”, de 1995 y “Mi padre”, de 1998, un drama de largo aliento protagonizado por Jack Lemmon, quizá su película más representativa.

Josué Aguirre Alvarado

deuce bigalow: european gigoló

2006-02-05T10:21:00.000-08:00

Gigoló por accidente en Europa

Calificación: Buena para el que sólo quieran divertirse

¿Qué podemos esperar? Las películas escritas y protagonizadas por Rob Schneider no serán las mejor cuidadas en el aspecto técnico ni narrativo, sin embargo, pasarán a la posteridad como parte de las más hilarantes comedias disparatadas. Un buen ejemplo de estas dudosas joyas es “Gigoló por accidente en Europa”, una obra la que, bajo la responsabilidad del novato director Mike Bigelow, pone nuevamente en escena a Schneider para protagonizar quizá el film más asquerosamente escatológico que se haya exhibido en mucho tiempo. Sí, leyó bien, escatológico, que no es sinónimo de aburrimiento, mas sí de obscenidad. Por ello, una recomendación: no es una película para una cita.

Disfrútela entre amigos, si quiere. Y ríase. Pero por ninguna razón vaya a tomársela muy en serio. Sería un error. Simbologías, críticas sociales, dramas personales, valores humanos; todo lo que normalmente constituye un manjar para quienes nos gusta reflexionar luego de ver una obra del séptimo arte, parece desaparecer para dar paso a la burla. ¡Y qué burla! Schneider se mofa de la actitud liberalista de los holandeses, de la reputación de los gigoloes y hasta de él mismo. Imposible contenerse. Hay que carcajear en algún momento. ¿Acaso no reímos igual con los hermanos Marx?

“Gigoló por accidente en Europa” es la segunda parte de “Deuce Bigalow: Male Gigolo”, una cinta que narra la historia de un limpiador de peceras (Rob Schneider) que comienza a suplantar a un conocido prostituto. Pero ahora, en esta secuela, las aventuras continúan en Ámsterdam, donde Deuce debe acostarse con todas las mujeres que pueda para descubrir cuál es la asesina de gigoloes por la que han apresado a su proxeneta amigo T.J.(Eddie Griffin).

SQuedan cosas sin resolver como la muerte de la esposa de Deuce o los desordenes psicomotrices de su nueva novia (que se pudieron explotar más) Pero, como ya dijimos antes, aquí el que piensa pierde. Además, no se puede negar que la trama es comprensible y mantiene un mínimo grosor para aguantar el peso todos los gags que, por cierto, están correctamente distribuidos y no llegan a ser excesivos.

Dentro de estas situaciones jocosas hay unas que le darán motivos para seguir la película hasta el final. Se trata de la aparición de clientas que contratan los servicios de Deuce: verdaderos fenómenos. Algo normal para el gigoló, pues desde la anterior película él está acostumbrado para lo peor. También es algo normal para Schneider que, en filmes como “Este cuerpo no es mío o “Animal”, parece disfrutar haciendo papeles de desgraciado.

Vale comentar, a manera de dato curioso, que Rob Schneider y Adam Sandler siempre se alcahuetean las apariciones como extras, al estilo Alfred Hitchcock (aunque sus intervenciones son más indiscretas). De esa manera podemos encontrar a Schneider gritando “you can do it!” (su clásica frase) como reo en “Golpe bajo” y a Sandler le devolviéndole el favor al aparecer en una proyección que recuerda a todos los gigoloes asesinados en “Gigoló por accidente en Europa”.

Josué Aguirre Alvarado

the adventures of sharkboy and lavagirl in 3D

2006-02-04T06:08:00.000-08:00

Las aventuras del niño tiburón y la niña de fuego
Calificación: Muy mala

Cuando los ojos se terminen de acostumbrar al rojo y azul, y después de que pase la euforia de ver una película en tercera dimensión, nos encontraremos expuestos ante una cinta incoherente, descuidada estéticamente y sumamente floja en el aspecto narrativo.

Y es que bajo la excusa de que un niño debe soñar, se muestra un mundo hecho en animación por computadora en el que tres superhéroes deben vencer a un malo, un malo gratuito. Argumentos infantiles. La historia se basa sólo en los obstáculos por los que tienen que pasar los protagonistas. Parece, por ello, un videojuego. Y se deja de lado una trama que podía explotarse por su contenido dramático: una posible separación de los padres del protagonista. Todo esto tiene su explicación en que la película fue escrita por el menor hijo de Robert Rodríguez, Racer Rodríguez.

Por ello, algunos críticos han calificado esta película como una cinta casera de la familiar Rodríguez. Y, de hecho, ésta comienza con un rótulo que dice “Rodríguez family’s film”. ¿Es broma? Por ahora no lo sabremos. Lo que sí es que esta película es muy floja (desde los gráficos hasta las actuaciones) y le falta mucho para ser entretenida. Ni el hecho de estar realizada para ser disfrutada con gafas 3D parece compensar lo suficiente el sentón de hora y media que nos vamos a llevar. Quizá sea producto del apuro, de repetir la fórmula de “Spy Kids” para no arriesgarlo todo con la otra película del director que se ha estrenado al mismo tiempo: “La ciudad del pecado”.

En “Las aventuras del niño tiburón y la niña de fuego” se nota que todo ha sido hecho poniendo énfasis en las miles de cosas que salen de la pantalla que, francamente, resultan innecesarias: escupitajos, salpicaduras y unas burbujas cantarinas. Todo parece estar hecho con el fin de justificar el uso del antiguo sistema “anaglifo”, que degrada las imágenes y el color de los objetos. Recordemos que hay nuevos sistemas como el de polarización (uso lentes especiales que electrónicamente varían la transparencia del filme). ¿Alguna vez llegarán este tipo de películas?

Josué Aguirre Alvarado

sin city

2006-02-04T05:37:00.000-08:00

La ciudad del pecado

Calicicación: Regular

Para “La ciudad del pecado” el mejor elogio puede ser la peor crítica. ¿Por qué? Porque si bien la audacia de su director, Robert Rodríguez, que combina el lenguaje del cómic con cinematográfico ha sido alabada por tratarse de un procedimiento revolucionario, también puede ser objeto de duras críticas por dejar de lado muchos recursos audiovisuales como movimientos de cámara, que sólo aparecen con la animación por computadora; decorados, ya que sólo se recurre a fondos planos; o las mismas actuaciones, pues la capacidad actoral parece pesar menos que la sola aparición de una serie de caras conocidas como la de Bruce Willis Jessica Alba, Mickey Rourke, Elijah Wood, Benicio Del Toro, Alexis Bledel, Michael Clarke Duncan, Josh Hartnett, Brittany Murphy o Clive Owen.

Pero valgan verdades, hay cosas que merecen reconocimiento. La sinceridad de la película en cuanto a la estética que nos va a presentar, por ejemplo. Y es que nada parece interponerse en el momento en que Rodríguez empieza a mostrar su planteamiento fílmico: oscuras escenas en blanco y negro, en alto contraste; con algunas licencias en el colorido de algún elemento como la vestimenta de un personaje, el color de la sangre o los ojos de una mujer. Sin embargo, esta estética se vuelve tan monótona y pierde tanta efectividad que al final de la película terminaremos cansados de ver tanto de lo mismo; tanta sangre amarilla, lluvia blanca o sombras deformadas de persiana.

De manera injustificada se quiere hacer todo tan parecido a una historieta que se puede afirmar que Rodríguez ha copiado milimétricamente la obra de Frank Miller. Y, por ello, no parece ser coincidencia que este escritor-dibujante (el mismo de “Batman Año 1”) también tenga créditos como director, al igual que Quentin Tarantino. Tan mecánicamente adaptada está “La ciudad del pecado”, que incluso la manera en que se estila plasmar pensamiento de los personajes de cómic (en recuadros, en primera persona y en presente), en la película se introduce con una única variación: mediante voz en off. No vale la pena hablar de creatividad, por tanto.

Del mismo modo, es preciso comentar que la puesta en escena que se ha promocionado como revolucionaria en el cine, no lo es del todo. Recordemos que el director polaco Krzysztof Kiéslowski ya había experimentado con estas técnicas a favor de la lírica en su conocida “Trilogía de los colores” (“Blanco”, “Azul”, y “Rojo”), de 1993 a 1994. También valdría la pena mencionar, ya que hablamos de experimentación, al director danés Lars Von Trier que, después de fundar la corriente “Dogma 95”, llevó a cabo un filme en el que no existen decorados: “Dogville”.

Hay que comentar que estos dos casos expuestos emplean la vanguardia a favor de la expresividad. En las cintas de Kiéslowski se emplean los efectos de color blanco, azul y rojo para simbolizar igualdad, libertad y amor, respectivamente. Además, estos tres colores corresponden a la bandera de Francia y a sus ideales revolucionarios. Y en el caso de Von Trier, la ausencia de toda escenografía (salvo por unas cuantas palabras inscritas en el suelo) sirve para dar relevancia a los acontecimientos y a la actuación de los personajes. Sin embargo, y por otro lado, en la “Ciudad del pecado”, no parece haber nada que justifique estos efectos más que captar a todos los jóvenes aficionados al cómic y a la violencia.

Muy parecida a “Pulp Fiction”, de 1994 o “Four Rooms”, de 1995, “La ciudad del pecado” narra 4 historias en paralelo que confluyen en un mismo espacio, un barrio llamado “pueblo viejo” (o simplemente “Sin city”), que se encuentra controlado por prostitutas armadas. Este lugar, asimismo, se sitúa dentro de una metrópolis llena de policías, políticos y eclesiásticos corruptos que se pelean por ser los más poderosos, los más crueles, en definitiva. Por ello, y a manera de antítesis, aparecerán cuatro antihéroes que protagonizan cuatro historias. Todos tendrán un final trágico por seguir sus ideales. Todos son asesinos, además. Están condenados ¿Por qué? Por tener blando el corazón.

Josué Aguirre Alavarado

the longest yard

2006-02-02T08:56:00.000-08:00

Golpe bajo: el juego final

Calificación: Regular (el final malogra todo)

No cabe la menor duda. Para nosotros, el football americano no es un deporte que nos apasione tanto como a los estadounidenses. Por eso, la película “Golpe bajo: el juego final” tiene un punto en contra para el espectador promedio, pues el objetivo de la película (reír) se va a ver ligeramente diezmado debido a la poca claridad de los términos (pocos sabrán qué es un “Quarterback”, por ejemplo). Sin embargo, la capacidad de Adam Sandler y de Chris Rock para burlarse conjuntamente parece levantar a este filme que nos plantea una situación bastante jalada de los pelos.

Peter Segal es el director de la obra y repite la experiencia junto a Sandler en películas como “Locos de ira”, con Jack Nicholson o “Como la primera vez”, con Drew Barrymore. Vale mencionar que la filmografía de Segal está lejos de las mejores, no obstante, se le reconoce cierta capacidad para entretener. Y más aún, una valentía, pues las cintas del realizador duran aproximadamente dos horas: todo un riesgo si tomamos al cine únicamente como objeto de esparcimiento.

“Golpe bajo: el juego final” no es la excepción. Con sus 120 minutos de duración, se puede calificar como una eficaz fórmula que gusta, por su sabor, al espectador juvenil. Ingredientes adicionales: música de moda, personajes caricaturizados y algunos hombres musculosos, para el deleite del público femenino. Esta mezcla no debe parecernos rara. No, al menos, para aquellos que ven “Mtv”, productora de esta película que nos narra la historia de un grupo de prisioneros que se entrenan para jugar un partido de football americano contra sus guardias. La motivación: poder golpear a quienes los oprimen a diario.

Vale mencionar que la película es sincera en cuanto a lo que nos muestra. Expone la injusticia en las cárceles, ambientes decadentes y homosexualidad. Sin embargo, lo hace con tal sentido del humor que hacia el final ésta podría resultar insoportable. Y es que el desenlace se da en un estadio de football profesional, frente a miles de espectadores. Entonces, la película se descarrila, se torna burlezca y quiere asemejarse más al mismo sonsonete de todas las películas americanas: el equipo gana en el último momento, de manera espectacular y con discursos sentimentalones de por medio.

“Golpe bajo: el juego final” es un remake de la cinta homónima de 1974, “The Longest Yard”, de Robert Aldrich (el mismo director de la versión original de “el vuelo del fénix”). El filme fue protagonizado por Burt Reynolds, que aparece ahora como el entrenador del equipo, a manera de homenaje.

Josué Aguirre Alvarado

no sos vos, soy yo

2006-02-02T08:49:00.000-08:00

No eres tú... soy yo

Calificación: Buena

¡Increíble! Ahora, hasta los títulos en español tienen que traducirse. Tal es el caso de la película argentina “No sos vos, soy yo”, que ha llegado a las salas peruanas con el nombre de “No eres tú... soy yo”. Esto es producto de una disparidad en el idioma que le quita cierto atractivo a un cine que, aunque geográficamente cercano, nos parece más distante que el anglosajón. De esa manera, nos resulta más fácil encontrar información de la película bajo el nombre alienado: “It's not you, it's me”.

Como sea, no deja de ser bueno ensalzarnos con un poco de arte en nuestro idioma. Más aún si se trata de películas enmarcadas en una realidad afín que nos ofrece historias más cercanas, más acordes con nuestra problemática. El cine argentino ha sabido explotar este contexto. Así, forjado en un ecosistema de crisis económica, han aparecido cineastas como Héctor Alterio, Juan José Campanella, Diego Arsuaga y, el director de esta cinta, Juan Taratuto. De estos realizadores, presumiendo un poco, podríamos decir que están cumpliendo el mismo rol que Luchino Visconti, Vittorio de Sica o Roberto Rossellini con el Neorrealismo Italiano, después de la Segunda Guerra Mundial.

Pero regresemos a la película de Taratuto, que el año pasado se coronó como la más taquillera en Argentina. Recordemos que la recaudación y la calidad fílmica no son términos amigos. Por ello, pocas veces se da el caso de que un filme como “No eres tú... soy yo”, un melodrama bien realizado de casi dos horas de duración, resulte tan atractivo para el público. La explicación a esta rareza puede hallarse en la sencillez de la obra que le ha permitido al director calar en la emotividad del asunto.

Así, el guión elaborado también por Taratuto, nos narra la historia de Javier (Diego Peretti), un medico poco agraciado, que es abandonado por su esposa María (Soledad Villamil). A partir de ahí, él se las arreglará para rehacer su vida, olvidarse de su mujer y conseguir otra compañera. Esto puede constituir una pequeña introducción. El 80% restante está dedicado a explorar la condición humana frente a un abandono. Sin embargo, el abuso de los gags difuminarán un poco el desarrollo del filme. Taratuto casi se pasó de la raya, en este sentido.

Flores para el cásting. Para este filme no hay mejor protagonista que Diego Peretti, esmirriado personaje de voz débil y de nariz andina; el ideal de hombre desgraciado que produce inmediatamente la reacción general: “¿qué será de él?”. Pero, ¡ojo! El personaje que interpreta es un médico cardiólogo que en cuestiones económicas no puede quejarse. Estas características parecen gritar a voces aquel viejo dicho popular: “el dinero no hace la felicidad”.

Josué Aguirre Alvarado

les choristes

2006-02-02T08:33:00.000-08:00

Los coristas

Calificación: Muy buena

Opera prima del francés Christophe Barratier. Una obra imprescindible llena de sinceridad, sencillez, humanismo y pizcas de comedia. Estamos hablando de la dos veces nominada al Oscar “Los coristas”; un drama que habla acerca de la salvación humana representada en las enseñanzas de un profesor, un elemento externo, que ve en un grupo de niños fracasados el potencial necesario para formar un coro. En este sentido, la película podría tomarse como la representación de la existencia de Jesús en el mundo de los hombres, ya que la trama narra la vida de un hombre que vino a cambiar las reglas de “acción y reacción” por las del afecto y trabajo en equipo.

Los primeros planos de la cinta nos pueden traer erróneamente la sensación de que nos encontramos frente a una copia de “Cinema paradiso”, de Giuseppe Tornatore. Esta sensación se refuerza al encontrarnos con el mismo protagonista de esta cinta: Jacques Perrin. Pero lo cierto es que después de esto y del flash back (recordemos que la historia es redonda y que está enmarcada por lo que ocurre en el presente), la película adquiere rumbo propio y se adentra en lo que quiere contar, en lo propio: la vida de un grupo de jóvenes y la de su tutor en un correccional para menores, un ambiente que se ha vuelto común en muchas películas francesas como “Los cuatrocientos golpes”, de François Truffaut.

Ya habíamos hablado de un carácter divino en la obra. Pero vale la pena mencionar que Christophe Barratier realmente basó la película en su propia infancia y en su formación musical que dejó inconclusa. Esto también es característica del maestro Clément Mathieu, interpretado por Gérard Jugnot. Y quizá ese sea el secreto de la naturalidad con la que está compuesto este personaje. Sin embargo, tampoco se le pueden quitar méritos al actor, pues su caracterización de hombre bonachón se ve acentuada, además de su talento, por su fisonomía: un rostro de formas ovaladas que, aparte de valerle el apodo de “crane d'obus”, representan la blandeza o la inocencia. Otro actor que está muy bien escogido es el joven Jean-Baptiste Maunier, en el rol de Pierre Morhange, un niño triste, de ojos grandes y enorme expresividad. Él es en realidad solista en un coro en Lyon y, además, se parece mucho a Jacques Perrin, que tiene el papel de Pierre adulto.

De la misma manera, la música es digna de alabanza. Compuesta por el director y fundamentalmente por el músico Bruno Coulais, las melodías son profundas, románticas y escapan de la imagen que tiene la gente acerca de los coros infantiles, donde sólo se entonan canciones navideñas. Por lo contrario, la música que interpreta este conjunto encaja con la personalidad del profesor, pues es sencilla, no tiene pretensiones y juega más con la emoción que con la originalidad.

Josué Aguirre Alvarado

hostage

2006-02-02T08:26:00.000-08:00

Bajo amenaza

Calificación: regular

Dos hermanos junto a un maniático que recién acaban de conocer (Ben Foster) asaltan una millonaria residencia tomando como rehenes a toda una familia. Jeff Talley (Bruce Willis), un experto negociador y ex agente de S.W.A.T. acaba de cambiar de empleo a un simple policía y se ve repentinamente involucrado en el incidente al perder en él a una compañera. Y no podrá zafarse tan rápidamente, pues una peligrosa banda de criminales le arrebatan a su familia para obligarlo a quedarse en el caso y cuidar unos DVD que se encuentran en la residencia y que contienen información comprometedora.

Este argumento, aunque basado en un libro de Robert Crais, se semeja mucho a otra cinta protagonizada por Bruce Willis en 1988: “Duro de matar”, de John McTiernan. Así encontramos ciertas similitudes: ambas tratan de un secuestro en el que los maleantes quieren escapar en helicóptero, las dos están recargadas de disparos introducidos a alto volumen dentro de la cinta. Asimismo, tienen algunas diferencias: esta vez el policía héroe aparece uniformado y estará al otro lado del muro. Además, este personaje tendrá que dividirse entre dos bandos criminales para salvar a dos grupos de inocentes: a su familia y a unos extraños.

Pero dejemos de comparaciones porque, aunque vale la pena saber qué hay antes de cada cosa, también es importante ver a una película como a una obra autónoma. Así, y sólo así, se pueden rescatar algunas cosas como el diseño de los créditos iniciales y finales o la actuación de Bruce Willis, que por fin parece dejar de mirar a los costados para disimular su poca expresividad y comienza gesticular ¡Oh, maravilla!, hasta suelta algunas lágrimas.

Ahora, también hay que criticar que “Bajo amenaza” es otra más de esas películas superficiales en las que todo le sale redondo a los protagonistas. Y aquí parece ser una ley, porque al novato director, el francés Florent Siri, antaño diseñador de videojuegos, no quiere dejar nada sin resolver. Lo peor de todo lo hace a la fuerza: los personajes se terminan matando entre sí. Y como ésta parece ser la única forma de que todo finalice bien, nos preguntamos: ¿es necesario que una película acabe siempre de una manera positiva? Para el cine de Hollywood la respuesta siempre será “sí”. Por esta razón veremos a Bruce Willis, como siempre, matando a tiro limpio a los villanos. ¡Abajo el drama! ¡Vivan los disparos!

Josué Aguirre Alvarado

stealth

2006-02-02T08:18:00.000-08:00

Stealth: la amenaza invisible

Calificación: Buena (para quienes gusten de la acción)

Se pueden criticar muchas cosas de esta cinta, pero no hay que olvidar lo que en realidad el director Rob Cohen quiso mostrar desde el comienzo: escenas de acción. El resto de la película, incluida la trama y composición de personajes, para el realizador, son sólo un instrumento (una excusa, más bien) para exponer secuencias de bombardeos a alta velocidad y explosiones que, seamos sinceros, resultan atrayentes.

El buen género de acción. ¿quién no ha vibrado con una buena coreografía de lucha o una larga persecución en automóvil? El que no, que tire la primera piedra. Seguramente eso habría pensado Quentin Tarantino, aclamado director de “Reservoir Dogs” y “Pulp Fiction”, cuando afirmó que las películas de acción poseen cierta superioridad con respecto a los demás géneros. Y es que resulta que este tipo de cine es el único que sacia el apetito por presenciar situaciones extremas a las que, posiblemente, el ser humano promedio jamás habría de tener acceso. Pero valga la aclaración, estamos hablando de un deseo carnal. No buscamos en las películas de acción nada que nos ayude a formarnos como personas. Éstas sólo cumplen con divertir a las masas. Estamos, por ello, ante uno de los más grandes instrumentos de estandarización: todos queremos ser como los héroes de acción.

Esta es la razón por la cual los gobiernos han intentado difundir ideas a través de esta clase de películas. Lo hicieron los soviéticos con películas como “El acorazado Potemkín” o “La madre” y hoy lo hacen los norteamericanos con este tipo de filmes. “Stealth: la amenaza invisible” es un buen ejemplo de esta estrategia, ya que también puede ser catalogada como un video publicitario que busca reclutar soldados para enviarlos a Irak. Concretamente se aprecian dos mensajes dentro de este filme: primero, la vida de los Marines es una vida cómoda; segundo, todos serán héroes por lanzar bombas desde lo alto. Además, nótese que todos los enemigos de Norteamérica aparecen caricaturizados y su presencia no hace más que justificar las secuencias de acción, secuencias que, como repetimos, visualmente son muy atractivas.

Pero regresemos al tema de la estandarización. No olvidemos que una de las formas más efectivas de generalizar los gustos es la creación de estereotipos. Y en esta película los encontramos a granel. Por ello los protagonistas y el robot piloto (una reencarnación del famoso “HAL-9000”, de “2001: una odisea en el espacio”) son mitad “Águilas de acero” y mitad “Cuatro fantásticos”. Además, sus personalidades son las más manoseadas de todo el cine: el galán joven que le gusta romper las reglas, la chica hermosa que está enamorada de este sujeto y el personaje cómico del grupo que representa a la raza afro americana.

Ahora, y retornando al punto de las secuencias de acción, resulta curioso que de entre todas las sucesos frenéticos que tienen que ver con aeronaves, los más emocionantes tienen que ver con la caída de la protagonista en una región inhóspita de Corea del Norte. Mencionamos esta secuencia porque es la única que se distingue claramente del resto por centrarse en un sentimiento humano: el temor. Aparte de eso, es destacable porque logra un buen resultado al cambiar la música por la trasmisión radial del personaje.

Josué Aguirre Alvarado

bewitched

2006-02-02T08:09:00.000-08:00

Hechizada

Calificación: Muy mala

A Nora Ephron, no se le puede negar cierto mérito como guionista en “Cuando Harry encontró a Sally”, de Rob Reiner. Quizá por eso, y por haber tomado la batuta de algunos filmes como “Tienes un e-mail” o “Un día de locos”, los productores de Hollywood no dudaron en poner en sus manos el más reciente intento por revivir nostalgia sesentera: llevar a la gran pantalla la clásica serie de televisión “Hechizada”. Sin embargo, los resultados no han sido de los mejores, ya que la película, al margen contar con la participación de la hermosa Nicole Kidman, ha resultado ser una más de esas cintas melosas que se asemejan mucho a una telenovela barata.

“Hechizada” es esa clase de películas que vienen bien promocionadas, de esas que generalmente se aprecian a sala llena y en las que el espectador se ríe al ver cómo se ha adaptado una historia que ya conoce. No obstante, esta vez será diferente. Para comenzar, la historia no es la misma de “Hechizada”, sino la de un intento por producir la serie. Esto, sin duda es lo más original de la película y uno de los pocos detalles positivos que vale la pena rescatar.

Repasemos entonces la trama para darnos quizá el único gusto: un actor (Will Ferrell) cuya carrera se ha venido a menos gracias a un pésimo trabajo previo intenta revivir la clásica serie “Hechizada” con el único fin de restituir su imagen personal. Para ello, buscará a una actriz desconocida que no haga otra cosa más que mover la nariz y aparecer de relleno. Sin embargo, se topará con una bruja de verdad (Nicole Kidman) que quiere dejar los hechizos a un lado y convertirse en una persona normal.

Vale mencionar que en esta historia aparecen los legendarios Michael Caine y Shirley MacLaine en un papel secundario. En este punto no podemos quejarnos. Tenemos en frente a un reparto de lujo y, salvo por Will Ferrell, que queda como el bufón de la película, todos están bien centrados en sus papeles.

Pero nada más. El resto de la película puede resumirse como un montón de gruesas fallas de guión. Una de ellas, la más importante, es que el amor que comienzan sentir los protagonistas es gratuito y quizá no haya explicación más lógica que las primeras palabras de la protagonista al levantarse: “pasó algo mágico, solo”. Sí, no se equivocó, aunque más adecuado sería el término “absurdo” en vez de “mágico”.

El desenlace será el mismo de siempre, el final en el que los novios vivieron felices para siempre y en el que aparecen muchas flores y se escucha música románica. Ni siquiera intenta recompensar al público por haber aguantado un filme tan tedioso y largo. ¿Largo? No, en realidad. El filme sólo dura 100 minutos. Pero nos pronunciamos en contra de su extensión porque éste nunca llega a contar nada que realmente valga la pena. Incluso, la historia se alarga al rebobinarse (literalmente, hablando) con la excusa de que a la protagonista le había salido mal un hechizo. Pero lo que en realidad ocurrió es que trama no posee un nudo consistente y la directora ha pretendido maquillar esta falla con trucos que pretenden ser mágicos.

Josué Aguirre Alvarado

a lot like love

2006-02-02T08:05:00.000-08:00

Muy parecido al amor

Calificación: Buena

“Muy parecida a una buena película”. Así puede calificarse la nueva cinta del británico Nigel Cole, el mismo director de “Las chicas del calendario”. Y es que “Muy parecido al amor” no llega a gustar del todo pero tampoco puede despreciarse, pues posee un guión sencillo y bien trabajado que nos muestra cuatro episodios de encuentros y desencuentros protagonizados por una pareja inspirada en aquella conformada por Billy Crystal y Meg Ryan, en el filme de Rob Reiner “Cuando Harry encontró a Sally”.

En “Muy parecido al amor” la originalidad e intriga de la trama radica en la infinidad de situaciones divertidas que, sin duda, mantendrán al espectador atento de principio a fin. No hay, por tanto, una historia compleja, personajes que evolucionan, conflictos psicológicos o detalles que aparecen a manera de crítica social. Pero, en cambio, hay algunos elementos que compensa las carencias mencionadas.

Para comenzar, aquí la trama compleja no parece ser necesaria. Y es que en algunas películas como “Muy parecido al amor”, la virtud está en la sencillez. Además, los vacíos dramáticos pasan desapercibidos gracias al carisma que posee la pareja conformada por Ashton Kutcher y Amanda Peet que, aunque lejos de Crystal y Ryan, tienen lo necesario: química y muchas ganas de reírse juntos.

Con respecto a la evolución de los personajes, es preciso comentar que no todos los agentes de la acción están en la obligación de hacerlo. Recordemos que existen buenas películas como la saga de “James Bond”, en donde el personaje central es plano porque sirve para un fin específico: darle relevancia a las acciones en contraposición a los conflictos personales.

Ahora, en referente a la historia en sí, vale la pena afirmar que la construcción de las primeras secuencias es sumamente atrapante: el ritmo es ágil y las tomas son muy cortas, salvo aquella escena genial en la que los protagonistas se encuentran en la sala de espera del aeropuerto y ninguno se anima a comenzar una conversación. De la misma manera se desarrollará toda la película, sólo que variando constantemente de lugar y de circunstancias según el episodio. Vale señalar una en especial, por el dinamismo y la carga emotiva: aquella fiesta de año nuevo y los minutos antes de las doce de la noche.

Nuevamente. Si comparamos mucho a “Muy parecido al amor” con “Cuando Harry encontró a Sally” podríamos acabar convencidos de que la película de Nigel Cole es una repetición. No obstante, al reírnos con cada situación cómica que nos propone el guión, el planteamiento se nos viene a pique. Así que qué diablos, que venga uno de esos finales con besos y música sentimental de cualquier comedia romántica.

Josué Aguirre Alvarado

racing stripes

2006-02-02T07:55:00.000-08:00

Rayas: una cebra veloz

Calificación: Regular

Hay que ser sinceros: una cebra no es el animal más simpático del mundo. Sin embargo, el hecho de ser cuadrúpeda y veloz es suficiente para que protagonice esta película que narra las peripecias de un “rayado” en su afán de convertirse en caballo de carrera; una cinta más para aquella colección de filmes que dejan la inocente moraleja: “que no te importe lo que diga el resto, lucha por tus sueños”.

Pero hablar de “Rayas: una cebra veloz” no tendría sentido si dejamos de lado su más cercano precedente: “Babe: el puerquito valiente”. En esta última película encontramos una trama que se repite casi exactamente con la excepción de que el protagonista era un cerdito el que quería ser un perro de pastoreo. De la misma manera, habría que considerar que ambos filmes comparten la característica de que los animales conversan entre sí como si fuesen personas.

Respecto a este punto hay que ser cuidadosos: la voz humana puede quitarle el encanto a cualquier animal, objeto inanimado e incluso personas; si no se usa adecuadamente. Por esa razón, el gran Charles Chaplin persistió en mantener mudo a Charlot hasta muy entrada la época del cine sonoro. Sin embargo, resulta que ahora se le pone voz a cualquier cosa con la única finalidad de hacer que figuren celebridades como Dustin Hoffman o Whoopi Goldberg, en el caso de “Rayas: una cebra veloz”. Pero no sólo eso. En este filme, el hecho de que los animales hablen, posibilita una serie de situaciones realmente descabelladas que bien pudieron omitirse como en otra película similar: “Herbie: a toda marcha”, de Angela Robinson. En este filme, recordemos, el automóvil protagonista era mudo, pero su modo de actuar iba forjando su personalidad; cosa que no ocurre con “Rayas: una cebra veloz”, donde los personajes hacen reír pero resultan completamente antipáticos.

Además, y como ya se está haciendo costumbre en casi todas las producciones de Hollywood, no pueden dejar de faltar guiños a otras películas al puro estilo de “Los Simpson”. Así encontramos la curiosa frase: “algún productor despertará con tu cabeza en la cama” que nos recuerda a una clásica escena de “El padrino”, de Francis Ford Coppola. También hallamos un montaje en paralelo de dos entrenamientos, que parece evocar a “Rocky IV”, de Sylvester Stallone.

Ahora, hay tres cosas que se rescatan por la originalidad que aportan: primero, los actores no son muy conocidos (decimos esto porque las voces de Goldberg y Hoffman no permanecen en las versiones dobladas). Esta “desventaja” representa un reto para cualquier director, pues tiene que usar más su ingenio para que el filme se muestre atractivo. Y es que resulta fácil vender la película cuando se tiene a Lindsay Lohan o a Michael Keaton en el reparto, tomando como ejemplo la antes mencionada “Herbie: a toda marcha”. Segundo: los protagonistas no son precisamente los típicos personajes con fortuna, son pobres y viven muy apartados de la sociedad. Tercero: la naturalidad con la que actúan los animales; merito absoluto de los poco reconocidos adiestradores.

Para terminar, echémosle un vistazo a la trama y saquemos nuestras propias conclusiones: un circo deja abandonada (no se sabe si por descuido o adrede) a una cebra en medio de la carretera. Ésta es rescatada por el antiguo criador de purasangres Nolan Walsh (Bruce Greenwood) que, tras llevarla a su viejo establo y presentársela a su hija (Hayden Panettiere), terminará en un derby. Y es que la cebra quiere ser un caballo de carreras.

No hay más que decir: la historia no es la más original del mundo pero, sin duda, logrará entretener a los más pequeños del hogar. Eso ya es bastante.

Josué Aguirre Alvarado

undertow

2006-01-30T12:29:00.000-08:00

Legado de violencia

Calificación: Buena

La historia nos sitúa en una zona rural pantanosa al sur de los Estados Unidos y nos introduce en la vida de la familia Munn, compuesta por John Munn (Dermot Mulroney) un granjero viudo, y sus dos hijos adolescentes, Chris (Jamie Bell) de diecisiete años y Tim (Devon Alan) de diez. Llevan una vida relativamente tranquila, a pesar de las dificultades ocasionadas por su pobreza y sus problemáticas personalidades: el padre, demasiado estricto; el hijo mayor, un rebelde siempre en problemas con la policía; y el hijo menor, un niño retraído con un desorden alimenticio que lo hace vomitar lo que come. Este precario equilibrio se rompe con la llegada del hermano de John, el tío Deel (Josh Lucas), quien acaba de salir de prisión. Lo que al principio parecía una buena oportunidad para mejorar la situación en el hogar, pronto termina convirtiéndose en tragedia, debido a los intereses ocultos del recién llegado. Los chicos se verán obligados a huir de su tío, llevando consigo el tesoro de la familia, unas monedas de oro mexicanas, causantes de la codicia de Deel. Ahora, por primera vez solos, deberán enfrentarse al mundo real, del que su padre los había mantenido aislados.

Legado de violencia, del joven director norteamericano David Gordon Green, cuenta con muchos aciertos. La película tiene una estética propia y agradable, que logra evocar sin mucho problema los films de serie B de la década del setenta. Todos los personajes que aparecen a lo largo del film se hacen creíbles; son humanos y complejos. Además de esto, las actuaciones son muy buenas, destacando la del inglés Jamie Bell quien interpretara años atrás a Billy Elliot, en la película del mismo nombre. Lo bien logrado de la crudeza del ambiente, sumado al hecho de que el film está basado en acontecimientos reales, le dan autenticidad a lo que se ve.

Técnicamente, la película también tiene elementos muy propios. Desde el principio llama la atención el modo en que está filmada, con el uso de imágenes congeladas durante la transición de escenas, que se repetirá arbitrariamente hasta el final, y que le dan un ritmo pausado y parejo. La música, un poco repetitiva por ratos, sobre todo en las escenas de persecución, está compuesta principalmente por coros con voces de niños que contrasta en varias escenas con el ambiente crudo y violento del film, creando una atmósfera macabra y cautivante al mismo tiempo.

Mención aparte tiene la constante presencia de cosas que no se dicen directamente pero que se dejan sugeridas. En este sentido resaltan muchas situaciones cargadas de simbolismos religiosos, como el conflicto entre hermanos, con un desenlace a lo Caín y Abel, o el clavo atravesando el pie del protagonista casi al inicio del film, que podría guardar alguna relación con la imagen de Cristo.

Sólo hay un par de cosas cuestionables en el film. El director falla por momentos en establecer hacia dónde quiere llegar con la historia, esto es, que se detiene muchas veces en la creación de imágenes poéticas, simbólicas o estéticamente agradables, dejando de lado el rumbo de la acción. Aparte de eso, el ritmo puede ser un poco tedioso a veces; las escenas de persecución, hacia el final, se hacen repetitivas; y el desenlace resulta medio forzado.

Pero en general Legado de violencia es una película que, si bien tiene algunos problemas en su estructura y en la claridad de su planteamiento, destaca por su poesía visual, sus buenas actuaciones y como reflejo social de la condición humana en la pobreza. Es una película interesante, distinta en varios niveles al resto de producciones de Hollywood, y que se deja disfrutar.

Angel Hoyos Calderón

george and the dragon

2006-01-30T12:23:00.000-08:00

El Caballero y el Dragón

Calificación: MUY mala

Por el título original de la película podemos deducir que ésta se relaciona con la historia del legendario San Jorge, de la tradición cristiana. La leyenda en resumidas cuentas narraba la historia de una princesa secuestrada por un temible dragón, el cual la lleva a su lago para devorarla; sin embargo es detenido por un San Jorge recién llegado de las cruzadas, que lo asesinará con una estocada de su lanza, rescatando así a la princesa, con conversión de cristianos de por medio y alegorías dragón/demonio para darle un trasfondo religioso a la historia; una trama simple y harto conocida, repetida en innumerables cuentos de caballería.

Pero en esta versión -bastante libre- del desconocido director Tom Reeve, se le da un giro a la historia que podría hacer de ésta una película más interesante; sino fuera por la pobrísima realización de la misma. La trama de la película parte de la misma premisa de la leyenda: George (James Purefoy) al volver de las cruzadas y buscando llevar una vida pacífica en el campo, se topa con un pueblo cuya princesa ha desaparecido. George promete al rey devolverle a su hija y sale en búsqueda de la princesa junto al prometido de ésta, Sir Garth (un Patrick Swayze cincuentón, en un papel en el que no termina de encajar). Y es aquí donde empiezan las diferencias: resulta que la tal princesa Lunna (Piper Perabo), quien no es precisamente el “manso corderito” que su prometido asegura (ni el que pintan los cuadros que recrean la batalla de San Jorge y el dragón), no parece haber sido secuestrada, sino que ha huido para evitar casarse con Garth a quien no ama. Es durante su huida que es encontrada por el dragón (o dragona, para ser más exactos), quien la lleva a su guarida para encargarle el cuidado de su único huevo, pues ella, la dragona, está agonizando. George no tardará mucho en encontrar a la princesa y al huevo, y de ahí en adelante la historia girará en torno al acercamiento entre estos dos personajes y la protección del último dragón.

La película cuenta con unos pocos aciertos, como el ya mencionado giro de la historia original, personajes interesantes (un villano al que se le llega a coger cierto cariño), buenas interpretaciones y algunas alusiones a otras películas, como la pelea de la princesa Lunna con unos bandidos que recuerda mucho a la de Fiona en “Shreck”, o el momento en que George termina chocando contra un árbol mientras Lunna le grita ¡cuidado con el árbol! en claro homenaje a “George de la selva”.

Pero por lo demás la película resulta lineal y aburrida, con un desarrollo de la historia que es bien predecible, habitual en este tipo de producciones que parecen hechas directamente para la televisión; no aporta nada nuevo a las películas del género fantástico, el de aventura o incluso al de comedia, en el cual se ha de clasificar. La mayoría de gags cómicos no son muy ingeniosos; encontramos desde slapstick (humor basado en golpes y caídas, muy propio del cine mudo) hasta el humor cliché que abunda en las comedias hollywoodenses y que suele caer en la ridiculez, como en la escena, casi al comienzo de la película, en la que un monje huye de una multitud enardecida montado en un skateboard. Finalmente, la animación digital de los dragones es bastante mala para ser una película del 2004, aunque da lo mismo, porque estos aparecen sólo unos cuantos segundos durante todo el film.

La película es, en general, bastante infantil. Por ese motivo podría llegar a ser disfrutada por un público de menor edad; a pesar de que su censura diga que es para mayores de 14 años. La película no contiene escenas muy violentas, tiene un humor simple, final feliz y moraleja ambientalista. Ahora, si lo que pretenden es encontrar batallas épicas espectaculares, héroes memorables, una trama oscura o una comedia que los haga caer del asiento de risa, mejor no pierdan su tiempo: “El Caballero y el Dragón” no colmará esas expectativas.

Angel Hoyos Calderón

haute tension

2006-01-29T10:07:00.000-08:00

El despertar del miedo

Calificación: Buena

Quienes gusten de grandes dosis de sangre, escenas de tortura y mutilaciones a granel pueden estar contentos porque “El despertar del miedo” reúne todas las características necesarias para saciar la sed de violencia de cualquier espectador y, de paso, asustar un poco.

Todo comienza cuando Alex (Maiwenn Le Besco) invita a su amiga Marie (una genial Cécile De France) a pasar unos días en su casa de campo junto a sus padres. Sin embargo, y tras la aparición de un asesino (Philippe Nahon) que extermina cruelmente de la a toda la familia de Alex y que secuestra a esta última, Marie deberá decidir si convertirse en la heroína de la película o en una temible asesina.

Ahora bien, es preciso recalcar, en primer lugar, que el filme tiene muchos detalles dignos de experimentar como espectador. Uno de ellos es la prolija inserción de los efectos de sonido. Éstos no se quedan con los golpes en secuencias silentes que tanto se repiten en las películas Hollywoodenses, son ruidos constantes que se escuchan a veces sin significado pero que brindan realismo a la película. Ahora, dependiendo del momento y del manejo de volúmenes, ayudan a crear ansiedad y ésta es alargada lo más posible, a tal grado que los sonidos más cotidianos pueden aterrar: el motor de un camión, la brisa del bosque o la música de una radio.

Otro detalle que vale la pena reconocer es el excelente trabajo de montaje. Y es que la composición de varias tomas estáticas (apoyadas por los efectos de sonido), casi al estilo del gran Alfred Hitchcock, concretan una eficaz composición de los anticlímax que aterra al espectador antes de producir el efecto de repugnancia ante los macabros asesinatos.

No obstante hay que decir que la cinta se torna algo oscura hacia al final y puede resultar incomprensible, pues por un lado la protagonista y el criminal son dos seres distintos y por el otro son la misma persona. Considerando estos detalles podemos sacar dos conclusiones: primero, que el director perdió los papeles al tratar de darle un efecto misterioso a la película; segundo, que si juzgamos a los personajes por sus actos (que son los mismos), el villano y la joven son la misma persona, sólo que enfocados desde distintos puntos de vista: el del asesino y el de la gente.

Esta última alternativa tiene sus defectos, pues si la aceptamos sería imposible explicar la pelea que tienen ambos personajes hacia el final de la cinta. Por eso no hay que dejar de lado la primera hipótesis, después de todo, está es la película debut del realizador Alexandre Aja. No sería justo que esperemos de él la perfección en su primera obra.

Josué Aguirre Alvarado

monster-in-law

2006-01-29T09:39:00.000-08:00

Una suegra de cuidado

Calificación: ¡Malísima!

Ni siquiera la actuación de la veterana Jane Fonda pudo salvar a este mamarracho que llega al cine en forma de comedia disparatada. Y es que la intérprete de 68 años no pudo lucirse gracias al abominable genio del director Robert Luketic (el mismo de “Legalmente rubia”) que redujo su capacidad actoral a un papel tan hueco y grotesco que hasta el mismo Jack Nicholson hubiese rechazado. Atrás quedaron para la actriz los años en los que era considerada una sex symbol por “Barbarella”, en 1968 o que era galardonada con el Oscar por su soberbio trabajo en “El regreso”, en la década de 1970’.

¡Ojo! No estamos ante “Una suegra de cuidado” sino ante una “película de cuidado”, pues si no tomamos nuestras precauciones al momento de verla (dejar el intelecto a un lado) podemos quedar más brutos de lo que somos. Esto viene al caso porque el filme es la plataforma ideal para la aparición de varias monstruosidades que están subrayadas con el título original de la cinta: “Monster-in-Law” (tradúzcase como “una suegra monstruosa”; tradúzcase literalmente como “monstruo en ley”). El catálogo está a continuación:

Primer monstruo: la copia. Para quienes han visto el filme coincidirán en que la cinta trata de ser una burda imitación de las recientemente estrenadas “Meet the Fockers” y “Conquistando a mi suegro” (de esta última se ha plagiado una secuencia en la que yerno y suegro se acuestan juntos). Ahora bien, teniendo en cuenta que estos filmes que no son ni muy buenos ni muy originales, cabe preguntarnos si es que esta emulación responde a una falta de imaginación o a una moda pasajera.

Segundo monstruo: Jennifer Lopez. La cantante y show-girl sólo tuvo una actuación más o menos decente en “Selena”, de Gregory Nava. Fuera de eso, el resto de participaciones suyas en el cine han sido desastrosas y recurrentes: empleada doméstica o latina exhibicionista. Y como su rol no varía casi en nada, en esta obra no posee ni la talla ni el carisma suficiente para poder enfrentar a Jane Fonda.

Tercer monstruo: La historia. Si bien la historia puede resultar hilarante en cuanto a su planteamiento, no podemos dejar de señalar que ésta es inconsistente y que se puede reducir a una pelea de niñas malcriadas que termina cursilonamente con disculpas inverosímiles. Además, se deja de lado al personaje del novio, a quien se le pudo sacar más provecho en cuanto a su actitud como mediador.

Echémosle un vistazo a la trama: Viola (Jane Fonda), una popular conductora de televisión, es despedida del cargo que conservó durante décadas. Por eso, y luego de algunos arranques de ira y de algunos tratamientos psiquiátricos, termina por aceptar que a su edad lo mejor es dedicarse a la familia. Sin embargo, Kevin (Michael Vartan), su único hijo, decide visitarla junto a su novia Charlie (Jennifer López), a quien pedirá matrimonio.

Último monstruo: los personajes cliché. Estamos hablando aquí de la aparición repetitiva de personajes estereotipados como la mujer de color que -acaso por regla cinematográfica- se muestra medio achorada; del compañero gay de la protagonista y de la latina que se saca la suerte al casarse con un acaudalado médico.

Josué Aguirre Alvarado

charlie and the chocolate factory

2006-01-29T09:19:00.000-08:00

Charlie y la fábrica de chocolate

Calificación: Muy buena

Una misteriosa fábrica de chocolate abre sus puertas tras años de aislamiento para recompensar a cinco niños chocolateros. La forma de ganar es simple: el que encuentre un boleto dorado en el empaque de la golosina, obtiene el privilegio de conocer, junto a un acompañante, al excéntrico Willy Wonka y el mundo surrealista que oculta dentro de su factoría. Un premio adicional: el niño que sea más bueno ganará el derecho de trabajar junto a Wonka en la fábrica.

Este es el argumento de “Charlie y la fábrica de chocolate”, la nueva película del aclamado Tim Burton, el mismo realizador de “El hombre manos de tijera”, de 1990; Batman, de 1989; “Batman vuelve”, de 1992; o “Ed Wood”, de 1994, quizá su mejor obra. No deja de merecer mención, asimismo, la cinta de 1988 “Beetlejuice”, donde su genio creativo revolucionó el género del humor negro.

Pero, ahora, Burton se ha sumergido en el ámbito infantil. Y hay que reconocer que lo ha hecho muy muy bien, pues “Charlie y la Fábrica de chocolate”, para comenzar, es poseedora de una fantástica ambientación. Se emplean adecuadamente los colores brillantes y el diseño de escenografías podría catalogarse como psicodélico, surrealista y minimalista (dependiendo de los ambientes que se visiten los personajes). En segundo lugar, hay que rescatar algunos detalles dentro de la cinta que evocan a otras películas como el filme de Stanley Kubrick: “2001: una odisea en el espacio” o, más indirectamente, a “El hombre manos de tijera”.

Pero la película tiene otros ingredientes: los principales, los que la vuelven atractiva. Primero, grandes dosis de Johnny Depp interpretando al rarísimo y poco masculino Willy Wonka. Deep es uno de los actores fetiches de Burton (el otro lo fue, en su momento, Michael Keaton), juntos han dado vida algunos de los personajes más creativos en la historia del cine. Segundo, Freddie Highmore, que también apareció en “Descubriendo Nunca Jamás”, da vida al pequeño Charlie. Y, como reseña, no se puede dejar de mencionar la aparición de Christopher Lee en un plano secundario.

“Charlie y fábrica de chocolate” es el segundo remake de Tim Burton en su carrera cinematográfica. El primero de ellos fue el nefasto filme “El planeta de los simios”, de 2001, que fracasó ante la crítica y la taquilla por tratar de reinventar, a la fuerza, la icónica (aunque no tan buena) cinta de Franklin J. Schaffner y, entre otras cosas, por poseer un pésimo reparto. Sin embargo, con esta nueva adaptación del filme setentero “Willy Wonka” de Mel Stuart, Burton sí que se lleva las palmas.

Josué Aguirre Alvarado

be cool

2006-01-28T13:41:00.000-08:00

Tómalo con calma

Calificación: mala

En efecto, tómese esta película con calma porque si usted se pone a analizarla en profundidad terminará más que decepcionado. Y es que el filme posee una trama que puede resultar medio cursilona: la historia de un productor (John Travolta) que trata de convertir a una chica pobre pero con un mucho talento en una famosa cantante. Por eso, y para salvar la cinta de transformarse en algo infantil, se han insertado en la historia algunos obstáculos un poco más realistas: la intervención de una pandilla de hiphoperos ricos y la intromisión de la mafia rusa.

Ambos elementos hacen que la trama se enrede tanto que la película pierde la dirección y termina siendo una historia de estafadores y estafados, tal como ocurre en “La estafa maestra”, anterior filme del director F. Gary Gray, que también realizó “The italian job” y “El Negociador”. En este sentido podríamos estar casi en frente de una secuela de una de estas películas. Sin embargo, esto no sería posible, ya que “Tómalo con calma” es, en realidad, la continuación de la cinta de Barry Sonnenfeld "El nombre del juego".

Pero, le repetimos, tómese esta película con calma. Véala tranquilo, no piense mucho, déjese llevar por los gags y quizá éstos le arranquen una sonrisa. Sí, ríase. La búsqueda de detalles que aporten a la estructura narrativa resultará una pérdida de tiempo. Y si usted encuentra alguno como el disco de Bob Dylan o el cambio de automóvil del protagonista, será meramente decorativo. No se moleste en examinar simbolismos. No los hay. Por lo contrario, hay un desparrame brutal de estrellas de la música y de Hollywood que aparecen únicamente para vender bien el filme. Porque, vamos, ¿no es atractivo que, aparte de los protagonistas, aparezcan otros famosos como Danny de Vito, Steven Tyler o Harvey Keitel; aunque sea en un papel muy secundario?

Pero volvamos a la premisa, tranquilícese. Poner a celebridades para que hagan de celebridades en un filme es muy fácil; su sola aparición ahorra un trabajo enorme al director, ya que de ese modo no tiene que preocuparse por dotar al actor de elementos que lo caractericen como un famoso. Sería interesante que algún realizador ponga a un actor poco conocido para el papel de una celebridad y así apreciar el talento que posee éste para trabajar con menos presupuesto y más imaginación.

Pero todo lo contrario ocurre con “Tómalo con Calma”, pues estamos ante una cinta donde falta imaginación y sobra el presupuesto. La poca imaginación se ve reflejada en la imitación casi hecha en fotocopiadora de una de las escenas más representativas de la historia del cine: la secuencia del baile de Travolta y Thurman (también repetidos), en “Tiempos Violentos”, de Quentin Tarantino. La poca creatividad también se ve reflejada en el desaprovechamiento del formato panorámico con el que es registrada la película. Y es que, en lugar de incluir más planos generales de la ciudad de Los Ángeles, casi todas las tomas corresponden a interiores y a detalles.

Por otro lado, recalcamos el despilfarro del presupuesto porque la cinta, en primer lugar, es demasiado larga para lo que se quiere contar. ¿Por qué?, porque el director consideró que debía tener más secuencias cómicas y más personajes, para que realicen estas funciones. Lamentablemente, parece que cuando reflexionó acerca de esto ya llevaba media cinta rodada. Da la casualidad de que, a partir de este punto, el humor que se presentó inicialmente como fino se torna más disparatado e incurre en lo de siempre: la burla. Esto sumado a la innecesaria aparición del 50% de celebridades, dan cuenta del millonario desembolso que habrá hecho las productoras Metro-Goldwyn-Mayer y Jersey Films.

Josué Aguirre Alvarado

cursed

2006-01-28T13:33:00.000-08:00

La marca de la bestia

Calificación: muy mala

Wes Craven, director de varias cintas de terror como la trilogía “Scream”, es el responsable de “La marca de la bestia”, una de las peores huachaferías del cine de las últimas décadas, una mezcla incoherente entre la nefasta comedia norteamericana de escuela preparatoria y el terror más barato que espectador alguno pueda imaginar.

La trama es la típica historia de un muchacho sin suerte (Jesse Eisenberg) que se enamora de una atractiva compañera de clases, la novia de uno de los estudiantes más populares de la escuela. Para variar, este joven es el más cruel de todos los estudiantes en la escuela y se junta con un grupo de jóvenes de igual condición. Ahora lo más corriente: el desafortunado protagonista de pronto recibirá algunos superpoderes y, de la misma manera que ocurre en un montón de películas como “Spiderman”, el muchacho juega un papel de héroe al darle su merecido al “chico malo” y quedarse con la novia de éste.

Pero la historia no se queda ahí. Luego, el abusador sufre una repentina e inexplicable transformación con la que confiesa gay (para variar) y, para colmo, declara sentirse atraído por su antiguo adversario.

Ahora bien, dicho de este modo, “La marca de la bestia” no parece una película de terror. Y es que, salvo por algunos hechos que le dan a la trama un carácter más monstruoso, la película difícilmente podría ser calificada dentro de ese género. Estos sucesos ocurren cuando el protagonista y su hermana (interpretada por Christina Ricci) sufren el ataque de un hombre lobo que les trasmite su maldición y los condena a transformarse también en bestias.

Sin embargo, la trama no es lo único que está trillado en la película. Todos los recursos son clichés. Y, por si fuera poco, la mayoría de ellos son los más despreciables de todos: los monstruos 3d, el beso de una pareja cuando todo ha terminado y una mascota que intenta darle gracia al filme. A esto hay que sumarle otras disfunciones que tienen que ver con el descuido del director. Estamos hablando, por ejemplo, de la aparición y desaparición de personajes que en apariencia toman relevancia pero que después quedan en el olvido: la psíquica, los amigos populares del bravucón y la chica de la que se enamora el protagonista, de lejos el personaje más flojo de todos.

Hay, no obstante, algunas cosas (casi mínimas) que se pueden rescatar. Primero, la correcta forma de entrelazar las historias de los dos hermanos, un modo de presentar la trama que pasa desapercibido ante lo vacío del relato. Segundo, la aparición de la simpática Christina Ricci. Pero, ojo, sólo se puede reconocer su presencia, pues no vale la pena hablar de actuaciones aquí.

En resumen: lo máximo que puede ofrecer “la marca de la bestia” es un par de sustos y sonrisas. Sin embargo, es preciso comentar que una película de terror que asuste o una comedia que haga reír no es necesariamente sinónimo de un buen filme. Una buena obra cinematográfica es aquella que posee una innovadora estructura narrativa o, al menos, una historia bien desarrollada y que posea un eficiente empleo técnico de los recursos disponibles.

Josué Aguirre Alvarado

millions

2006-01-27T07:20:00.000-08:00

Millonarios

Calificación: muy buena

Presupuesto indispensable para apreciar este filme: la historia está narrada por un niño. No es de extrañar, por tanto, la aparición de elementos que, bajo otras circunstancias, atentarían contra toda lógica: la construcción instantánea de una vivienda, la manifestación de santos o la visita de una madre recientemente fallecida. Tampoco resultaran chocantes las actitudes que toman los personajes: mormones avaros, niños que saben más que sus padres o profesores bonachones pero ignorantes. Y es que todo forma parte de una visión fantástica que nos brinda un relato caricaturesco, una película con una estética impecable, una obra cargada de crítica social o un simple cuento de niños.

“Millonarios” es la historia de dos niños que, tras la muerte de su madre, se mudan con a su padre a un nuevo barrio. Ahí reharán sus vidas hasta que Damián, uno de los dos hermanos, encuentra una maleta llena de dinero que cree haberla recibido del cielo. Este hallazgo llevará a la familia a una serie de aventuras en la que se involucrarán algunos vecinos, los compañeros de clase de los niños, un ladrón y hasta la nueva amante de su padre.

Pero la trama, no se queda en lo meramente circunstancial sino que critica duramente al poder de la economía mediante el contexto en el que se desarrolla la acción. Resulta que es le época en la que Gran Bretaña cambia la Libra por el Euro, un período donde todos los habitantes viven al borde del delirio tratando de cambiar sus viejas monedas, la representación de su identidad, por un nuevo símbolo que les es ajeno pero más rentable.

Otra crítica social se da ante el desprecio por la religión. Nótese que tanto los padres de familia, como los maestros y los mormones, desconocen temas religiosos. Sólo Damián es el encargado de llevar luz sobre éstos aunque continuamente es silenciado por los mayores. Su aparición es casi la de un profeta en medio de un mundo que le da la espalda. De la misma forma, su actitud es la de un mártir. Esto se aprecia en la forma en la que quiere gastar su dinero: mientras su hermano hace cosas muy convenidas, él sólo piensa en ayudar a los pobres.

La conjugación de todos estos elementos ha hecho que algunos críticos comparen a esta obra de Danny Boyle (director de “28 días después”, “Exterminio” y de la rarísima “Trainspotting”), con “¡Qué bello es vivir!”, de Frank Capra. Este último realizador es recordado por dotar al cine de cintas llenas de inocencia y de bondad. Y, en efecto, “Millonarios”, se asemeja mucho al filme de Capra. No obstante, hay que considerar que Boyle no sólo se circunscribe a este terreno sino que ha realizado obras de diversos estilos. La presente realización, por tanto, es una muestra de la flexibilidad de Boyle y no una “encarnación” del clásico cineasta norteamericano.

Josué Aguirre Alvarado